Son espías, pero no se mueven en las sombras. Son capaces de los saltos, caídas y acrobacias más imposibles. Cuentan con la tecnología y los gadgets más increíbles y avanzados del momento, incluso aunque la organización para la que trabajan haya sido desmantelada y desautorizada. Superan los obstáculos que se interponen en su camino con una facilidad pasmosa. Todo les sale bien. Son espías, pero cualquiera podría confundirlos con superhéroes.

Ethan Hunt ha vuelto. Ya no es aquel joven agente que tuvo que enfrentarse a su propia organización para destapar la verdad en una intriga muy bien llevada por Brian de Palma. Tampoco ese pasional hombre de pura acción de la secuela firmada por John Woo, la mejor junto con la primera, y la que tiene el estilo más personal. Atrás quedó también el Ethan Hunt que se veía forzado a conciliar la vida de espía con la familiar, en un libreto pirotécnico y con poco alma dirigido por el padre de 'Lost', J.J. Abrams.

En este 'Protocolo Fantasma', dirigido por Brad Bird ('Los Increíbles'), a Ethan Hunt se le notan los años. Quizá por eso le acompaña en pantalla el sargento James de 'En tierra hostil', Jeremy Renner, futura vía de escape para continuar la saga cuando Cruise no pueda/quiera continuar. Simon Pegg repite tras la tercera parte, como alivio cómico que funciona de maravilla, de hecho es lo mejor de la película. La presencia femenina obligada de este tipo de producciones recae sobre una exuberante Paula Patton.

El problema es que aunque la película es ciertamente entretenida (de hecho si se ve sólo el tráiler pinta muy bien), al final es un batiburrillo de muchas cosas, se pasa de una a otra como si de un videojuego se tratase, y las escenas de acción de increíbles que son no pueden tomarse en serio. Incluso pareciese que en varios momentos quieren 'veinticuatrizar' la cinta, pero Ethan Hunt no es Jack Bauer, y por el camino de tantas entregas o él ha perdido carisma o yo el interés (dudo de lo segundo, y sigo esperando una historia que siquiera se acerque a esa línea de guión de la primera parte: 'Toda la misión era para cazar al topo...').

Aún así, estaría dispuesto a inclinarme más hacia el disfrute de la película si no fuese por un villano insulso que pasaba por allí y por un final apostillado que rompe con todo lo que nos han estado contando para hacer una especie de regresión a la entrega anterior (totalmente innecesario). Estamos no ante la peor entrega de la saga (ver a Ethan Hunt casarse le otorgó ese puesto a la tercera), pero sí ante una floja continuación de estas misiones imposibles, por perezosa y acomodada. Eso sí, a Tom el mérito de pasar de ordenadores y ponerse a escalar el edificio más alto del mundo hay que reconocérselo.

Dicen que tres son multitud. Cuando llegó la secuela de la cinta de animación más descarada que recordábamos, 'Shrek', lo hizo con una tercera rueda que acoplar al carro. A la pareja formada por Shrek y Asno venía a unirse una tercera pata en forma de felino feroz, de cuyas cuerdas vocales tomó el mando el malagueño internacionalísimo Antonio Banderas. Se reinventó así para la saga el personaje del Gato con Botas, y se desmintió el dicho con el que comienza esta reseña: el taimado gato era con mucho lo mejor de la segunda película del ogro.

Suele ocurrir con muchos excelentes personajes secundarios que cuando se les brinda el protagonismo todo lo bueno que aportaban desde la distancia lo pierden llegados al primer plano. Con el Gato pasa eso mismo: el felino no puede con un película para él solo. Es cierto que es mínimamente entretenida, y que no provoca vergüenza ajena en el espectador que se aproxime a ella para ver si vuelven a tirar del recurso de los ojos tiernos (que tiran, claro que tiran, no van a tirar). Antonio ya ha demostrado en tres películas que da al gato una interpretación vocal magnífica, pero el resto se queda en un quiero y no puedo. Encima ni siquiera podemos disfrutar de los atributos de Salma Hayek en pantalla. Lo dicho, mejor será recuperar los momentos de esa segunda entrega con un gato pletórico, paradójica sombra aquí de lo que todavía no llegó a ser.

Carnivàle es una serie de HBO del año 2003, dirigida por Daniel Knauf y con Nick Stahl, Clancy Brown, Michael J. Anderson y Clea Duvall en los papeles principales. Se sitúa en el sur de Estados Unidos en 1934 (cercana por tanto en el tiempo a La parada de los monstruos de Tod Browning, con la que comparte apuntes), en la era de la Gran Depresión y del fenómeno conocido como Dust Bowl (tormentas de arena). Carnivàle sigue a un variopinto grupo circense comandado por un enano y que reúne en sus filas a una vidente, dos siamesas, una mujer barbuda, un jugador de béisbol cojo y una familia dedicada al vodevil, entre otras rarezas. Todos juntos conforman el Carnivàle del título, una feria ambulante que se desplaza por el nuevo continente en busca de ciudades donde armar su espectáculo.

Pero Daniel Knauf decide utilizar al circo como excusa de algo mayor, y da a su historia tintes trascendentales, situándola como testigo casual de la eterna lucha entre el Bien y el Mal. Quizá este componente fantástico, o sobrenatural, ahuyente a algunos pocos. Sin embargo, está tan bien llevado y apoyado en unas actuaciones tan sólidas que desde el primer momento queda descartado que vayamos a tener que aguantar palabrería de segunda o maniqueísmo infantil para todos los públicos. Son, como decía, dos los actores que vamos a ver enfrentados, no tanto físicamente (no se conocen hasta bien avanzada la serie) sino de un modo más espiritual. Y es que Carnivàle juega mucho precisamente con el mundo de lo esotérico, de lo oculto. Los nombres de estos dos actores, de estas criaturas de la Luz y la Oscuridad, son Nick Stahl y Clancy Brown. El primero interpreta a un joven de misterioso pasado que pasa a engordar las filas del circo. El segundo borda su papel de reverendo, de voz de Dios en la Tierra, de pastor que guía a su rebaño. El señor Brown compone un personaje que es la mejor baza con la que cuenta la serie para ganar adeptos. Un personaje verdaderamente terrorífico. Como terroríficas son muchas de las ideas visuales con que nos sorprende la serie. Como digo, aquí el Bien y el Mal no surcan inmaculados espacios divinos, sino que pisan ambientes terrenales, sucios y turbulentos.

No obstante, no es este enfrentamiento entre dos fuerzas el verdadero alma de la serie. Ese puesto se lo lleva el circo. La puesta en escena, el aspecto artístico, la fidedigna representación de una era pasada, alcanzan cotas mágicas. El relato de la existencia de estos freaks es la médula espinal de la serie, sus vicisitudes y desgracias, su difícil aclimatación como extraños personajes que son a un mundo ya raro de por sí. Su desesperado intento por encajar aunque sea en un circo que recoge monstruos y que con cada amanecer se pone de nuevo en marcha hacia la siguiente parada, al grito, marca de la serie, de "Let's shake some dust!".

-sigue en spoiler por falta de espacio-

Recuerdo que hace años leí que Steven Spielberg se disponía a llevar al cine al personaje de Tintín adaptando uno de los últimos álbumes de la colección creada por Hergé, "Tintín en el Tíbet". Llegó a él tras leer una crítica francesa que comparaba al personaje con Indiana Jones. La idea del Tíbet no llegó a ningún lado, por variados problemas. Hasta hoy.

El tándem formado por Spielberg y Peter Jackson, expertos conocedores del sentido de la épica desorbitada y del espectáculo más arrollador, han aunado esfuerzos para presentar por fin al personaje en pantalla grande. No es el primer encuentro del reportero que nunca escribió un artículo con el medio audiovisual. Fue protagonista de una serie de televisión que adaptaba en cada capítulo cada una de las entregas de la serie. Un trabajo realmente notorio, con una melodía de cabecera admirable que a buen seguro traerá buenos recuerdos a muchos.

Ahora son Jamie Bell y Andy Serkis (como el Capitán Haddock, de lo mejor de la película) los encargados de que nos creamos que lo que vemos en pantalla es efectivamente aquello que una vez descubrimos pasando las páginas de un cómic. El resultado es satisfactorio: si bien hacia la última parte del relato a Spielberg le puede un poco el efectismo más aparatoso, el resto de minutos de metraje constituye un sentido homenaje a la figura del eterno tupé. Se respetan en la cinta los códigos que hicieron tan grande a Tintín a la vez que se aprovecha al máximo la técnica de captura de movimiento con que está rodada la película, que llega a ofrecernos momentos inconcebibles hasta el momento.

La película adapta tres álbumes de la serie: "El cangrejo de las pinzas de oro", "El secreto del unicornio" y "El tesoro de Rackham el Rojo". Han sido seis los guionistas encargados de combinar las tres historias, tomando los elementos más representativos y los momentos más emblemáticos de cada una de ellas, y manteniéndose por lo general fieles al relato, para obtener una duración adecuada para un largometraje, que se alargue en el tiempo más lo que lo haría una sola aventura. Hay cosas diferentes, otras cambiadas de sitio y otras directamente inventadas pero lo que queda al final es una historia que se siente hergeniana y tintiniana, con incontables guiños al original, y en cierto modo independiente de este. Y lo más importante, una película con la que Spielberg nos vuelve a mostrar el verdadero sentido de la aventura, tal y como hiciera con el arqueólogo interpretado por Harrison Ford.

Esperamos la siguiente, con Jackson ahora en la silla de director, que adaptará "Las siete bolas de cristal" y "El templo del sol", con gran interés.

Cuenta Darren Aronofski que ideó en principio contar una historia de amor entre un luchador y una bailarina. Contraponer dos mundos tan diferentes como complejos. La forma más elevada de arte, la danza, cara a cara contra la más inferior, si es que siquiera se considera como tal, la lucha libre. Viendo los posibles problemas que podían derivarse de enfrentar dos mundos tan distintos, decidió separar las historias. La frágil bailarina ya no caería rendida a los fornidos brazos del hercúleo luchador. Comenzó entonces la preparación de la primera historia. ¿Qué se podía contar de la lucha libre? El relato crepuscular y decadente que nos ofreció el director de la mano de un Mickey Rourke pletórico fue sin lugar a dudas la opción más acertada.

Para dar forma a la historia de la bailarina, Aronofski se ha aliado con Natalie Portman. Su aparente fragilidad es sólo comparable a su fuerza interior. Una actriz que lleva mucho tiempo demostrando su valía en este turbulento negocio del cine. Portman está sublime en todas y cada una de las escenas de una película que nos cuenta el ascenso de una bailarina y su odisea por hacerse con el doble papel de cisne blanco y cisne negro para la representación de "El lago de los cisnes". Su indiscutible idoneidad para encarnar al cisne blanco se ve lastrada por su dificultad para simbolizar al cisne negro, papel por el que rivalizará con una recién llegada que saca a relucir sus demonios internos. Es aquí donde comienza esta majestuosa y escalofriante historia.

"Cisne Negro" es una cinta inquietante, perturbadora, profunda, magistral. Comparte con "El luchador" los esquemas cinematográficos, el empeño por diseccionar, analizar, de algún modo oscurecer el mundo de la danza tal y como hizo con la lucha libre, para, una vez comprendido, mostrarlo en todo su esplendor. Pero si "El luchador" era una película notable, engrandecida por la actuación de Mickey Rourke, esta es, sencillamente, una obra maestra. Que empiece la función.