La belle saison (Un amor de verano), de Catherine Corsini, es una historia de amor basada en la homosexualidad que narra el momento en el que dos mujeres se conocen en Paris y comienzan una relación juntas ocultas a la sociedad y seres queridos, en una época tan difícil para la aceptación de tal relación como lo eran los principios de los años 70.
Magnífica historia de un amor imposible que sacude a todo aquel que se aventure a descubrirla. La homosexualidad es tan solo la excusa sobre la imposibilidad y el desatino que sufren dos mujeres enamoradas en un momento en que su amor no era nada aceptado. Transcurre su hermosa historia con naturalidad y un ritmo apropiado que va creando más y más drama a medida que avanza para dejar claro al cinéfilo exigente, que el cine francés está en plena forma gracias a dramas románticos como este.
Técnicamente, la película se apoya bastante en una bella e inspiradora banda sonora que trasmite perfectamente lo que su argumento propone, y además, es usada solo en los momentos oportunos. La espléndida fotografía te transporta notablemente a la época y lugar en cuestión, junto también a los vestuarios y caracterizaciones bien trabajados. Además, su montaje lineal y seguido marca el ritmo apropiado para su historia. Y qué decir de sus interpretaciones, más que son sobresalientes y muy acertadas a la hora de contagiar en todo momento al espectador los sentimientos encontrados pero irrealizables de un amor nada aceptado.
En definitiva, considero La belle saison (Un amor de verano), una obra magnífica que deja una sensación profunda y notable que hace que el film sea una cinta imprescindible y recomendable para todos los seguidores del género que busquen historias creíbles y bien contadas, para deleite del cinéfilo más cultivado y riguroso en lo que decide ver. Por tanto, es digna de ver al mostrar con una naturalidad poco acostumbrada en el cine, la homosexualidad no desde el punto de vista de la aceptación, sino para hacer ver con sinceridad y sencillez que lleva pasando toda la vida aunque la gente más cerrada miraba hacia otra parte cuando la veía.

Tarde para la ira, de Raúl Arévalo, es un thriller basado en la venganza que sitúa la acción en Madrid, donde Curro, un hombre que acaba de salir de la cárcel tras 8 años de condena por el robo frustrado a una joyería, conoce a José, un extraño desconocido que aparece en su entorno y trastoca la esperada y tranquila vuelta de Curro a su vida cotidiana.
Notable ópera prima de Raúl Arévalo, un buen actor que al parecer no se conforma con serlo, sino que también pretende dirigir y no cualquier tipo de cine, sino este que atrapa y sacude al público tras dejarlo un buen rato en suspense. Intención de sorprender al espectador no le falta al novel director, tallando con Tarde para la ira una gran obra que mantiene al público expectante de principio a fin con lo que se le va ofreciendo. Por tanto, no estamos hablando de que Arévalo busque un período de transición, sino que pretende, directamente, estar en lo más alto del reconocimiento del cine Español en cuanto a la dirección se refiere.
Dura e insidiosa, la película es áspera y muestra la venganza de un modo real y sucio, tal y como ocurriría en la vida misma para machacar al público con una propuesta tan auténtica y turbia como el oscuro corazón de sus protagonistas, modelando con ello un film donde no existen los buenos y malos, sino los corrompidos por la sociedad, circunstancias y lóbrego pasado. Logra con ello el director, quedar en la retina del cinéfilo que busque obras interesantes y llenas de la firme intención, de no dejar a nadie indiferente.
Cabe destacar también, que sus planos y movimientos de cámara son muy personales y usa bastante la cámara en mano y el seguimiento para experimentar con la búsqueda de su propio estilo, huyendo en todo momentos de los planos fijos más habituales. La música es inquietante y perturbadora, solo usada en las escenas oportunas para no desviar la atención del espectador, y su fotografía, sin ser nada del otro mundo, te transporta eficazmente a los barrios marginales donde habitualmente no entrarías y por los que transcurre su perniciosa trama.
En conclusión, considero Tarde para la ira, un magnífico film que coloca al director en un alto listón difícil de igualar, ya que su nocivo argumento apoyado en la venganza sacude con furia a toda clase de espectadores, en especial, a los más exigentes por ser, no solo cine bueno, sino del que aparenta serlo incluso antes de verlo. De modo, que es esa clase de cine que el espectador español busca de su tierra, ya que nada tiene que ver con los dramas superficiales o comedias cochambrosas que con tanta frecuencia aparecen en el panorama cinematográfico Español.

La trama, de Allen Hughes es un entretenido thriller de intrincado pero interesante argumento. En su interior, encontrarás buenas actuaciones de Mark Wahlberg en su línea de tipo duro habitual, y Russell Crowe como político presumiblemente corrupto desde el principio, actuaciones, que mejoran sobre todo cuando están cara a cara. Tiene buenos efectos visuales y de sonido, y con diálogos ágiles y ocurrentes. En líneas generales es una película bastante oscura, no solo por el entramado de traiciones, corrupción, deslealtad e infidelidad, sino por la poca luz que el director utiliza para el film, siendo la mayoría de las escenas de noche, prácticamente en toda la película. Sin duda, debes estar muy atento o perderás el hilo conductor, ya que da varios giros inesperados y guarda alguna que otra sorpresa para el final. Por lo que, sin llegar a ser una gran obra, y en algunos aspectos puede llegar a ser mejorable, sin duda cumple con su cometido de no dejar a nadie descontento, aunque eso sí, sin dar mucho espectáculo a un film cumplidor… pero sin brillo.

La semana del asesino de Eloy de la Iglesia es un thriller con tintes de terror y algo gore basado en un joven que mata en una pelea a un taxista por no querer pagar una carrera, descubriendo entonces una actitud criminal que desconocía. Dirigida con un ritmo dinámico y con un estilo personal que ofrece algo nuevo en el cine español en una época de transición, es una obra incitadora y particular que mantiene en tensión al público con mucha eficacia de principio a fin, ya que la historia que muestra es implacable y penetra en el público por su violencia y los pocos escrúpulos del protagonista, concluyendo un portentoso film que no dejará a nadie indiferente en su visionado.
La fotografía es violenta y desconcertante en las escenas clave, añadiendo inquietud al público por sus imágenes sangrientas y algo tétricas, cumpliendo con un siniestro trabajo que estimula al público con mucha intención. La música de la época es evocadora a los años setenta en España, usando en ocasiones sonidos turbadores e intensos que hacen sentir al público la constante amenaza de todos aquellos que rodean la vida del protagonista. Los planos y movimientos de cámara consuman una informal pero apropiada labor técnica mediante el uso del reconocimiento, subjetivos, detalles, primeros y primerísimos planos, generales, cámara en mano, seguimiento, avanti y retroceso que exprimen lo mejor de la trama y las interpretaciones.
Las actuaciones son certeras y cumplidoras. Como protagonistas Vicente Parra trabaja con oscuridad psicológica en un frío papel y Eusebio Poncela está impasible y acertado, siendo creíbles los acompañamientos de Emma Cohen, Vicky Lagos, Lola Herrera, Ismael Merlo y Ángel Blanco entre otros. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones humildes y de calle en un oportuno trabajo que no luce pero que junto con los decorados reales y de exteriores te transportan in situ.
El guion, escrito por el director junto con Antonio Fos y Robert Oliver, es de lo más provocador y poco habitual dentro del cine español y más aún para una época en que los años de la dictadura de Franco era evidente en la censura, dejando al público atónito por la violencia de un film que se queda en la retina del espectador, finalizando una cinta escalofriante y perniciosa en lo que propone que merece la pena ser descubierta por el público en general. Esto se lleva a cabo con una narrativa insidiosa y evocadora de la época que de forma expresiva deja clara la intención del protagonista. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido con la duración justa y dividido en días de la semana para dejar claro que todo transcurre en una semana.
Concluyendo, la considero una obra indispensable dentro de los thriller de intriga del cine español por tratar con estilo propio una temática poca usada y desde luego incitadora que dejará al público bastante descolocado tras su visionado. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, movimientos de cámara y narrativa que hacen de La semana del asesino, un film necesario de ver para todos aquellos cinéfilos que quieran descubrir películas con sello personal dentro de la filmografía española.

Cine de intriga de primera calidad el que filmó Fred Zinnemann en el año 1973, basado en el best seller de Frederick Forsyth (The day of the Jackal) y adaptado al guion por Kenneth Ross para deleite de los seguidores del buen cine europeo.

Chacal es una magnífica cinta con un montaje bien trabajado que hace que el suspense vaya incrementándose poco a poco hasta llegar a un final de infarto. Poco tiene que ver esta cinta con el Chacal que rodó Michael Caton-Jones en el año 1997, y que fue protagonizada por Bruce Willis, Ricard Gere y Sidney Poitier, ya que guardando las distancias, aquella no pasaba del mero entretenimiento, y esta, protagonizada por Edward Fox y Michael Lonsdale en una estupenda obra que encantará a todos los amantes del buen cine, sobre todo el de intriga y policiaco en el que un policía sigue la pista de un escurridizo hombre que no deja de ser un asesino a sueldo, pero que atrapa la atención del espectador durante todo el metraje con sus trucos y artimañas para llegar a cumplir su objetivo.

Los inmejorables ingredientes de un libro de tanto éxito que desarrolla el personaje de un asesino de primera que es contratado para matar al presidente de la república Francesa Charles De Gaulle, es todo lo necesario para hilar una gran historia que mantiene a todo el mundo pegado al asiento, formando con ello un autentico clásico que sobrevive notablemente el paso del tiempo, aun cuando sus efectos visuales lógicamente están anticuados. Pero lo verdaderamente importante de esta película, es la tensión que va en aumento y que mantiene en vilo al espectador hasta el final.

Quizás el único fallo, es que no tienes que indagar mucho en la historia francesa para darte cuenta cuál será su final, pero quitando eso, es prácticamente una película redonda que merece la pena ser vista por todo el público en general.

En definitiva, la considero una obra digna de elogio. Un film sobresaliente que consigue mantener en vilo al público con una trama que se va calentando poco a poco hasta alcanzar un final de lo más recordable. Además, tiene el aliciente de mostrarte como va el asesino a sueldo preparando todos los detalles de su ataque y cómo evita dejar ningún cabo suelto, aunque el agente que lo persigue también se las conoce todas. Es precisamente esa dupla, la que hace que esta película sea desde mi punto de vista tan remarcable.