Cinta independiente, símbolo de la contracultura americana, cinta de culto, crítica feroz de una sociedad americana rural anclada en el pasado y empeñada en el racismo, la violencia y la vanalidad, comparte ideas y sentimientos con la “Nouvelle Vague” francesa (Bazin, Truffaut, Godard, ver por ejemplo “Los 400 golpes”) y con el cine independiente ingles de los 50-60s (ver “Un sabor a miel” o “Mirando hacia atrás con ira”) movimiento que encajó como hecho a la medida con la revolución cultural de los Beatles.

La frase: “No te temen a ti, temen lo que representas, eres una persona libre y eso es lo que les da miedo”.

La actuación: Sin duda el aun muy joven Nicholson ya pintaba para grandes cosas, su papel es pequeño pero sin duda sobrepasa a Hooper y Fonda sin que estos estén nada mal.

La escena: Es muy fuerte la escena en la cafetería donde todas las mesas los ven con un rencor asesino porque…tienen el pelo largo (y esto es algo muy difícil de entender para las generaciones que no lo vivieron).

El momentazo: En mitad de la tensión de la cafetería las chicas están fascinadas con los tres fuereños que no se parecen en nada a los paletos del pueblo, es una escena casi surrealista.

Película dirigida por Dennis Hopper con él de protagonista junto a Peter Fonda (hijo del mítico Henry) y un jovencísimo y ya brillante Jack Nicholson, se inspiró en “Il Sorpasso”, aquella vibrante cinta italiana de un enorme Vittorio Gassman y aunque ambas comparten la tragedia, el canto a la libertad y una despreocupación alocada de sus protagonistas, creo que la cinta norteamericana es mucho más lúgubre y contracultural que la italiana.

No deja de ser irónico que entre los bellísimos paisajes del oeste norteamericano penda sobre los protagonistas ese ambiente pesado, denso, oscuro todo el tiempo, se usan también mensajes subliminales como los “flashes” que indican la siguiente escena o el que a lo largo de la película aparezcan varios cementerios (¿alegoría de la muerte de una nación?).

“Easy rider” habla de un choque cultural entre lo tradicional y lo nuevo pero a la vez aborda otro choque cultural entre los EEUU modernos, las costas, las universidades, la vanguardia cultural, científica, social y los EEUU retrógrados, ese enorme y aburridísimo centro que algunos han llamado “The bible belt” (el cinturón bíblico) con gente inculta, aislada, que da lugar a los racismos, nacionalismos, odios, amor a las armas y tanto punto negro de la sociedad estadounidense y que por cierto, al 2024 aun no han superado.

Una película que llega a rozar lo desagradable pero a la vez es importante porque denuncia cosas y porque es un aire fresco en el cine norteamericano.

Estupenda película mexicana de 1947 dirigida por el “Indio” Fernández y protagonizada por Pedro Armendáriz (no confundirlo con su conocido hijo de mismo nombre) y María Elena Marqués, llena de virtudes fílmicas merece ser analizada cuidadosamente.

La frase: y ella….. tendrá sus zapatos.

La escena: Me quedo con esas escenas en la cabañita en la playa, el mar, la luz, parece un lugar lejos de todo en el mundo, escondido en la magia.

El momentazo: Cuando Quino (Pedro Armendáriz) muestra la perla a los vecinos, las caras, todas en acercamiento extremo, expresan asombro, admiración, curiosidad.

La actuación: Sin duda Pedro Armendariz domina la escena con esa personalidad única, esa mirada de ceja levantada y esa manera única de calzarse el sombrero, alguna vez escuche por ahí la frase “el hombre que le dio al sombrero una razón para habitar la cabeza del mexicano”.

Es sin duda un cliche empezar diciendo: esta película es una joya, una perla, como su nombre lo dice, pero al hacerlo acertaremos, pues se trata de una joya del cine mexicano. Parte de una historia de John Steinbeck, prolífico, exitoso y tremendamente comprometido escritor estadounidense, solo como ejemplo recordemos “Las uvas de la Ira”, “Al este del edén”, “De ratones y hombres”, “Por el mar de Cortés” (recuerdo que cuando leí esta última novela me quité el sombrero ante el tamaño del escritor que estaba leyendo, su lectura del mundo, su compromiso social y su universalidad desligada del todo de nacionalismos, racismos y demás es abrumadora) y por si fuera poco su prosa es relajante, yo diría que deliciosa.

Tras la historia viene el director, el siempre vehemente “Indio” Fernández (de jovencito yo pasaba todos los días caminando frente a su imponente mansión) que con ésta logró una de sus mejores películas, tras ellos nos topamos con la fotografía de Gabriel Figueroa (“La noche de la iguana”), nominado al Oscar a quien le ganó ni más ni menos que “Zorba el Griego” (el listón estaba bastante más alto en aquellos años), “Bajo el volcán”, “Los hijos de Sánchez” y una larguísima lista), premiado con Globo de Oro, Palma de Venecia y Ariel y por último las actuaciones fuertes, dramáticas de un Pedro Armendáriz que se come la escena y una María Elena Marques en gran nivel.

Todos esos elementos nos dan por resultado una estupenda cinta llena de fuerza, drama y plasticidad, el mar siempre presente (hermoso pero también amenazante) como telón de fondo y una historia que dice tantas cosas… la tragedia del pueblo que haga lo que haga nunca podrá salir de su pobreza, la ambición desmedida y suicida de los ricos, la dignidad del ser humano honrado, la fortaleza de la familia.

Espléndida historia, espléndida actuación y espléndida fotografía, ¿con cuál quedarse? Posiblemente yo lo haga con la fotografía de Gabriel Figueroa que en esta película es poco menos que una obra de arte con sus paisajes profundos, sus cielos, sus acercamientos dramáticos pero no agresivos, sus claroscuros, sus tomas nocturnas, vaya su película completa. “Zorba el griego” es sin duda una joya, una de mis películas favoritas, pero creo que el Oscar de fotografía del año 1947 le correspondía sin duda alguna a Gabriel Figueroa.

Primero diré que para entender el humor de esta película hay que ubicarse en la fecha, son los años sesentas y la homosexualidad no se veía con los mismos ojos que en el siglo XXI, para tener un parámetro recordemos que la misma estaba prohibida en países como la Gran Bretaña.

Comedia de 1969 dirigida por Rene Cardona Jr. (Tintorera) y protagonizada por Mauricio Garcés, un personaje realmente peculiar en el cine y teatro mexicanos de los 60s y 70s. De origen libanes creó un personaje que se volvió icónico, un Don Juan lleno de inocencia y ternura que en el fondo se reía de sí mismo y divertía con comedias ligeras basadas en buena parte en su fuerte personalidad.

La frase: “Debe ser terrible tenerme y después perderme” o “El probador de señoras soy yo”.

La escena: Está Mauricio con una de las señoras en su casa y le va a mostrar los “modelos” que no son sino ganchos de ropa vacíos a los que va dando nombres de grandes modelos…la idea es que se los pruebe, claro está.

El momentazo: Cuando con un juego de palabras entre muro y muralla arrancó carcajadas al por mayor del público.

La actuación: Por supuesto es de Mauricio Garcés que con su personalidad dominaba no solo la pantalla sino también el escenario de los teatros.

El tema es sencillo, un modisto de señoras se hace pasar por homosexual para tener acceso, sin despertar sospechas, a las esposas de los ricos clientes que las llevaban a comprarse ropa, para ello debe tener una doble vida que por supuesto se complica, sobre todo cuando sus competidores sospechan de él y más aun cuando se enamora de una camarera (Irma Lozano).

En la dicotomía absurda macho-gay se basa una comedia que da lugar a muchas situaciones divertidas. En la película intervienen actores serios como Carlos López Moctezuma (el villano más bueno del mundo, así pone su lápida en el cementerio) o Enrique Rocha y por supuesto innumerables damas de notable anatomía (Zulma Faiad, Claudia Islas).

Una comedia muy ligera para arrancar algunas risas y quizás para añorar esos tiempos tan diferentes de los actuales en los que se podía hacer una película de tema tan escabroso como éste sin mostrar nada mas allá que un bikini medio.

Lo mas difícil de una estafa es jugársela a alguien que no solo sabe que se le hará, sino que además conoce el lugar, los cómplices y contra qué objetivo.

La frase: La vida apesta, tengo la espalda lastimada, pie de atleta, hígado de panda… ¿algo más? …si, Nixon sigue vivo.

La escena: La luz del sur de California en la playa, el motel, el hipódromo.

El momentazo: El desenlace final que no se resuelve hasta el último suspiro es sin duda lo más atractivo de esta película de suspenso sobre todo con la música de los Gypsy Kings cantando “A mi manera” (En los créditos finales: “A mi Minerva”).

La actuación: Robert Prosky (“Un horizonte muy lejano”, “Pena de muerte”) hace un papel entrañable en todo momento.

Llamada en español "La gran estafa" es un "Thriller" hecho especialmente para la televisión en 1989, dirigido por Stuart Orme y filmado casi en su totalidad en el hipódromo de San Diego (Estados Unidos, muy cerca de la frontera con México).

La historia es sencilla pero dinámica, dos antiguos socios enfrentados por el dinero y por una mujer en un pulso que se determinará según las habilidades de cada quien. Uno de ellos al frente de la seguridad del Hipódromo de San Diego sabe que el otro, que acaba de salir de la cárcel donde había sido injustamente encarcelado por culpa del primero, quiere vengarse y para ello seguramente intentará robar el mismo hipódromo.

El principal interés de la historia es que quien va a ser robado lo sabe desde el principio y pondrá todo para evitarlo, ¿será tan bueno el plan que lo logre a pesar de ello?

Entretenida y en la moda de las películas ambientadas en la soleada California de los años ochentas con un Pierce Brosnan antes de su saga como James Bond (4 películas) y en la línea de películas para pasar un buen rato, a veces de acción (“El Gran golpe”, “Caso Thomas Crown”) o de drama y suspenso (“Matador”, “El 4º protocolo”, “El escritor”).

Si al lector le gusta Pierce Brosnan sin duda le agradará este film.

En España, “2010 Odisea 2”, en México “2010, el año que hacemos contacto”

La frase: Todos estos mundos son suyos excepto Europa, úsenlos juntos, úsenlos en paz

La actuación: Roy Scheider siempre sólido y convincente

La escena: La escena final sin duda alguna

El momentazo: Cuando la jovencita tripulante rusa (Natasha Shneider, actriz letona) y Floyd (Roy Scheider) sin entenderse ni una palabra se abrazan para sobrellevar el miedo.

Una muy buena película que ha sido muchas veces menospreciada pues al ser secuela de 2001 Odisea del Espacio se las quiere comparar y no son comparables, de hecho son dos películas que no se parecen en nada, 2001 habla de conceptos, 2010 de hechos; 2001 no explica nada, 2010 esta hecha para explicarlo todo; 2001 no necesitaba de estrellas y 2010 si las tiene; 2001 nos saca de la realidad y nos mueve el piso, 2010 nos regresa y nos pone un piso seguro y firme; 2001 es una película polémica y vanguardista, en 2010 lo único polémico es su liga con 2001; 2001 es una obra maestra, 2010 es una excelente película de aventuras y ciencia ficción. Digamos que 2010 es un Rubens y 2001 es un Picasso.

Podemos decir que los efectos visuales espaciales son igual de buenos que en su precuela si bien aquí no hay partes alucinatorias, todo es más real, más previsible, posiblemente más confortable para una gran parte del publico que quiere cosas sólidas y finales felices. Del final y tratando de no desvelar nada, podemos decir que es simplemente espectacular. Muy importante también por supuesto es el tema central del argumento de la película que critica la eterna estupidez humana de la guerra donde como siempre políticos corruptos se hacen ricos a costa de la muerte de las masas que también son culpables pues lo permiten, además resulta muy actual cuando vemos en 2024 a los gobiernos ansiosos por promover de nuevo guerras que les permitan hacer negocios, nada cambia.