*Los enredos de Akash

La manera de sorprender de Andhadhun es fascinante, en especial, porque saca partido a todas aquellas flaquezas que podrían jugar en su contra. El guion realiza una historia que comienza con una secuencia que parece inconexa, pero que más tarde, será un punto de inflexión para la trama principal del film. La película de Sriram Raghavan crea un universo alocado en el que se entremezclan varias historias paralelas, que por un motivo u otro, acaban juntándose. Lo mejor de todo es que no tiene la pretensión de tomarse en serio, sino que sabe hacer comedia de sí misma. Por lo que, coloca esa mezcla de histrionismo con una coherencia narrativa suficientemente bien planteada, para no enredar en exceso y provocar cierta inquietud en el espectador. Se reconoce sin problemas como una comedia disparatada que seduce.

Lo más curioso es la manera en la que mezcla el suspense, el thriller, el crimen con comedia romántica, musical y obviamente, humor irreverente. Aparecen una multitud de personajes, creando una historia coral en el que no estorba ninguna trama paralela que ocurre. Los giros de argumento sorprenden por ser tan descabellados, lo que crea las carcajadas del público. Es un ‘guilty pleasure’ en toda regla. Ha sabido llevar sus ingredientes por buen puerto, sin caer en el ridículo innecesario y rancio como otras películas como “Alibi.com” o las últimas entregas de “Scary Movie”. El factor musical es algo muy atractivo de las películas indias y en este caso, incluso las utilizan para chascarrillos que funcionan muy bien en pantalla. Además, también es una crítica paródica a la concepción del “artista” en la imagen pública.

*El suspense histriónico

El reparto de Andhadhun se mueve perfectamente en la comedia y en esta historia tan irreverente, que saben expresar lo que necesita el film para elevarla en el humor y convertirla interpretativamente en una cinta muy dinámica y burlona. Ayushmann Khurrana es el encargado de convertirse en el eje central de toda la trama, convirtiéndose en este extraño héroe desastre, por lo que crea empatía con el espectador. Lo hace de una manera muy natural, con personalidad y en sí mismo encuentra una buena dosis de comedia. Se puede ver esa comodidad y química con el resto de actores. Luego, Radhika Apte como Sofie es, tal vez, la interpretación que menos brille por el peso de su personaje, pero durante sus escenas tiene esa chulería innata. No es el trabajo actoral más destacable, pero cumple su función y no chirría en ningún momento.

Tabu se mete en la piel de Simi. Es una de las actrices más reconocidas del cine indio y no es de extrañar. Tiene un gran talento y se come cada escena en la que aparece. Un poderío y una fuerza interpretativa que eleva el film. Sabe manejar los tiempos y la identidad de la cinta a su favor, por lo que crea una sinergia con cada secuencia, que es imposible no aplaudirla. Su Simi es la villana perfecta, dado que el espectador acaba adorándola. Una arpía ingeniosa en pantalla que seduce al público con esa personalidad caricaturesca, pero efectiva. Un gran talento. Por último, destacar el trabajo de Anil Dhawan y Manav Vij como Pramod Sinha y el inspector Manohar Jawanda, respectivamente. Ambos ofrecen un resultado más que decente y aportan a la comedia en pantalla. Son generosos al contribuir para que brillen los dos actores protagonistas.

*El orden del alboroto

Uno de los puntos más fuertes en Andhadhun es el montaje tan efectivo que realiza para crear un buen conglomerado narrativo y visual. Hay un buen ritmo, se conserva durante toda su duración, aunque sí es cierto que hubiera sido más redondo si se hubiera acortado un poco más. El sonido es espectacular, han sabido mantener una buena sintonía y una composición que encaja con el film. Un resultado que empasta con la imagen y da esa rapidez que necesitan con este tipo de films de enredos. No se puede negar que el cine indio presta mucha atención en crear largometrajes en los que intervienen muchos personajes, en especial, en la comedia y los musicales. Hay que reconocer que la dirección y la organización está muy bien planteada en este film también.

La dirección fotográfica del film no brilla como si se hace en otros filmes rodados en La India, pero hay que destacar que tiene unos planos de acción muy potentes. Al igual que en las películas de acción, los encuadres sacan el potencial en aquellas secuencias de mayor tensión. La dirección artística, en cambio, sí que realiza un trabajo brillante y mete de lleno al espectador en esa mezcla de espacios y ambientes. Una buena recreación de los diferentes escenarios que viven los protagonistas. El vestuario y el atrezzo es apropiado, además, de ayudar a esas partes donde el dramatismo telenovelesco crean las carcajadas de la audiencia. Sin embargo, lo que no funciona muy bien son los efectos especiales. Se ve la artificialidad y quita la armonía entre los demás componentes. Aun así, el resultado es notable y el espectador la disfrutará si va a pasárselo bien.

*Conclusión

Andhadhun es una película socarrona, irreverente, alocada y muy efectiva. Es una comedia que ha sabido conocerse a sí misma y provoca las carcajadas del espectador en todo momento. Una película de enredos que ha sabido entremezclarse y hallar su orden en todo ese caos histriónico. Los giros de guion con ese dramatismo telenovelesco dan la vida al film y permite que el público disfrute desde el primer momento con la cinta. El reparto es perfecto, en especial, sus dos protagonistas: Ayushmann Khurrana y Tabu. Dos grandes artistas que entienden el humor a la perfección. Una película que no defrauda y sorprende por el gran manejo que hace de la comedia más descarada. Un soplo de aire fresco.

Escrito por Diego Da Costa

*LA TRAVESÍA DEL DESIERTO

En medio del invierno aprendí por fin que había en mí un verano invencible, decía Albert Camus. Y justo eso es lo que le pasó a Teresa, la protagonista de La Novia del Desierto, que cuando todo lo perdió, todo lo encontró.

Una mujer que después de toda una vida de trabajar para una familia, se encuentra sin trabajo y tiene que atravesar el país para incorporarse a otro trabajo.

En el transcurso del viaje pierde todas sus pertenencias, que caben en un pequeño bolso, y se encuentra desvalida, en medio de la nada, en la tesitura de encontrar su bolso o morir en el intento.

En ese periplo por el que transcurrirá su búsqueda, un desierto tan gris y anodino como ella, una persona casi invisible por la discreción de su personalidad y su apariencia, empezará a vislumbrar que existen más colores en la vida, en el santuario de Deolinda Correa.

La leyenda de Deolinda Correa es en realidad una triste historia de amor argentina que se convirtió en mito, una mujer que cruzó el desierto en busca de su marido con su bebé en brazos. Ella murió de sed, pero el niño sobrevivió alimentándose del pecho de su madre muerta.

Aunque Teresa es escéptica, es respetuosa con los que creen, y escuchará complacida los motivos que tiene la gente para venerar a esa leyenda, viendo como personas de todas partes vienen a rezar a una figura mítica en la zona.

Finalmente, conocerá a el Gringo, un carismático viajante que la ayudará en su misión, y poco a poco, la irá sacando de su ostracismo autoimpuesto durante 50 años.

*EL DESPERTAR

En La Novia del Desierto, una película que en un principio puede parecer insignificante e intrascendente, vemos claramente lo que en literatura se denomina “La senda del héroe”.

Esto quiere decir, que nuestra protagonista tiene un conflicto que solucionar urgentemente, y no dudará en emprender camino y hacer todo lo posible y lo imposible para conseguirlo. Para ello, debe salir de su minúscula zona de confort y adentrarse en lo que para ella es un mundo desconocido y complejo.

Además, y de una manera silenciosa, sutil, vamos viendo la evolución de una persona que toda la vida ha estado dedicada a los demás, pero que jamás se ha dedicado un minuto siquiera a ser feliz y disfrutar de su vida. Imperceptibles cambios en su modo de andar, de hablar nos van informando de su transformación.

Paso a paso, kilómetro a kilómetro de esta road movie, Teresa va descubriendo el mundo; se va percatando de que la vida se dibuja con muchos colores, no solo el gris, y va evolucionando en su mirada, en su postura, en su feminidad. Una completa evolución de sentimientos, de cambio total de paradigma en esta mujer tantos años anulada por las circunstancias.

*LOS ARTÍFICES

La Novia del Desierto está codirigida y coguionizada por Cecilia Atán ( nominado a un Premio Emmy su documental de ocho episodios Madres de la Plaza de Mayo, la historia) y Valeria Pivato ( ganadora del Segundo Premio Patagonik de Guionistas Internacionales por Antes y después… Y después otra vez) ambas cineastas argentinas que en esta ocasión, y con gran acierto, se estrenan como directoras de un largometraje.

La Novia del Desierto se sustenta en dos maravillosos intérpretes, Paulina García (ganadora del Oso de Plata a la mejor interpretación femenina en 2013, por Gloria), de nacionalidad chilena, y Claudio Rissi (En 2016 encarnó a Mario Borges, un jefe del hampa, en la serie El marginal, ganadora de once Tatos ,premios argentinos de televisión, y ganador del Cóndor de Plata por esta película), argentino.

Paulina interpreta a la protagonista, Teresa, convirtiéndola en un ser sutil, casi etéreo, construido a partir del lenguaje corporal y de los silencios, que no son incómodos, sino una parte importante del guion. Consigue, con pequeñísimos detalles, que el espectador vaya viendo la completa transformación que sufre su personaje.

Claudio Rissi es El Gringo, el hombre que ayuda a Teresa en la búsqueda de su bolso, que no es otra cosa que la búsqueda de su libertad, de su verdadera vida. Hilando muy fino, crea un personaje ambiguo, que juega entre la atracción amenazante y la seducción hacia una mujer sin experiencia.

Entre los dos protagonistas, crean un perfecto tándem: ella pone los silencios, el aporta las palabras.

*CONCLUSIÓN

La Novia del Desierto sorprende. Atrapa lentamente.Con una progresión lenta pero incesante, nos involucramos en la desesperante búsqueda de la protagonista, sufrimos con su timidez y nos vamos abriendo con ella a la esperanza de lograr una vida plena, sin importar los años que tengamos.

Una película muy tierna, emotiva, inocente, de las que dejan huella y hacen pensar.

Escrito por Luz Nogués
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¿Te imaginas ver una foto de ti en la fachada de tu casa o en un inmenso muro de tu barrio? ¿Qué sentirías al observarlo? Caras y Lugares te muestra este singular arte callejero y descubre lo que hay atrás de esta expresividad artística, en donde los momentos, las emociones y hasta las partes del cuerpo humano pueden llegar a representar algo más que simple imágenes.

Es increíble la energía que evidencia Agnès, de 89 años de edad, para dirigir y participar activamente en Caras y Lugares. Se sube en las canastillas de camiones elevadores, emprende largos viajes en auto e incluso baila en la discoteca.

Con una mezcla de autoridad y sencillez, la veterana cineasta hace sentir su estilo. No planifica con antelación quiénes serán las personas que intervengan en su filme, porque sigue creyendo que el azar es su mejor aliado. Fiel gestora de la corriente de la Nouvelle Vague (de hecho, fue la única mujer entre las realizadoras de esta tendencia fílmica), considera a la cámara, en este caso tanto a la cinematográfica como a la fotográfica, como una acompañante permanente que siempre está lista para captar cualquier suceso sin artificios escénicos.

Ella se hará cargo de dar movimiento y concepto cinematográfico a la característica estática de las imágenes de JR, e incluso aprovechará la ocasión para rescatar su antigua afición a la fotografía y darle un sentido expresivo que sea apreciado por la sociedad.

La afamada realizadora no es pasiva en esta película, es una de las que más interviene en escena y no duda en prestar su mirada y las plantas de sus pies para que delaten su peculiar historia que será llevada, a través de los vagones de un tren, a donde ella nunca irá.

De inspiración espontánea, JR cede en este filme ante algunas pretensiones cinematográficas de Varda, pero lo hace porque que éstas le sirven de ingenioso soporte para ampliar la experimentación de su método expresivo del arte fotográfico.

Su objetivo es retratar rápidamente las caras de la gente que encuentra en su camino para que no desaparezcan en el tiempo, y aunque sus murales de papel también tienden a ser fugaces logra que impacten en quien los mira y archivarlos así en su memoria.

JR, de misteriosa identidad, encuentra en Caras y Lugares un espacio para develar el sentido estético de un arte que no solo se basa en captar imágenes, sino en plasmarlas en un contexto de alta expresividad sobre la historia, el sentir o la naturalidad de quien ha permitido retratarse.

Agnès Varda y JR son personas muy diferentes en sus apariencias, edad y gustos, pero se admiran mutuamente. Ambos acuerdan emprender un viaje juntos por varios lugares de Francia para construir una aventura artística que rebusca en las emociones y en los recuerdos su inspiración. Errantes en sus respectivos mundos, los dos se irán conociendo mientras avanza el desarrollo del filme. Sus conversaciones son sinceras y siempre encontrarán el sitio ideal para conocerse más.

Vagda busca las historias y JR las reflejará en retratos gigantes que reposan en estructuras propias de un barrio, de una fábrica, de una hacienda o de cualquier otro sitio. El objetivo, es descubrir en estas imágenes la personalidad de las personas que ocupan ese espacio estático, hacerlas sentir grandes, dominadoras e inmortales.

Dentro de los elementos que envuelven a este filme, destaca la omnipresencia del famoso cineasta francés Jean–Luc Godard. Se configura incluso cierto parecido del impulsor de la Nouvelle Vague con JR, por la resistencia de ambos en enseñar su mirada a la cámara.

Es probable que Varda se interesó en JR para reencontrarse con el enigma del mundo de Godard que, en su momento, la cautivó. Parece que el objetivo de toda la travesía del filme fue redescubrir al famoso cineasta francés.

Los creadores de Caras y Lugares se atreverán a visitar la casa del director de Al final de la escapada y Varda acuerda una cita con él, pero al momento de encontrarse…. Bueno, recordemos que Godard era impredecible.

Caras y Lugares es un documental que permite apreciar la loable congruencia de dos tipos de expresiones artísticas y también la relación entre dos diferentes personas. A más de poseer un gran atractivo visual, la película aborda una bella historia de amistad.

Escrito por Victor Carvajal
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*Homicidio a gran escala

Uno de los atrayentes de The Flight Attendant, es la diversidad de localizaciones donde se ha llegado a rodar; Bangkok, Nueva York y Roma, para ser más exactos. Es algo que llega a ser entendible, al tratarse de una serie sobre una azafata de vuelo. Aun así, es un componente de la serie que lo destaca de primeras, ya que pocas series de este estilo, se han llevado a cabo en los últimos años. Esta internacionalidad de escenarios, también genera una sensación en el espectador de estar abordo de un avión, en el que cualquier cosa puede suceder y nada llega a ser lo que parece.

The Flight Attendant mezcla distintos géneros como el policial, el thriller psicológico e incluso el de la comedia negra. Uno no tiene muy claro la propuesta con la que parte la serie, más allá de mantenerse en un tono narrativo, donde la locura más histriónica se abre paso. Incluso la manera en la que está rodada, deja dudas del resultado final que se estaba buscando por parte del creador y los productores; a ratos parece una serie que juega con elementos de cine independiente y por otro lado parece la típica serie sobre un crimen, que cuenta con una inmensa producción detrás.

*Hablemos de Kaley Cuoco

Kaley Cuoco ha demostrado ser una actriz muy talentosa, dentro del género de la comedia (Penny, su icónico personaje en la sitcom The Big Bang Theory dio fe de ello), pero había dudas de cómo iba a encajar en una serie dramática como The Flight Attendant. Al comienzo de la trama, le da la sensación a uno de estar viendo el mismo personaje que el que llegó a interpretar en la aclamada sitcom; mujer atractiva con una vida llena de excesos y aventuras locas. Aunque en esta serie, la actriz llega a ofrecer un papel algo más exagerado, que por momentos se nota forzado y poco creíble para el espectador.

No obstante, a medida que va transcurriendo la trama, vamos cambiando poco a poco la percepción inicial que teníamos hacia su personaje y tu interpretación. El personaje de Cassie Bowden, es más complejo de lo que a priori nos puede parecer. Vamos viendo distintas capas del personaje, que llegan a revelarse a través de distintos flashbacks; con un uso de los flashbacks muy ingenioso e interesante. Por lo que al final, acabas sintiendo empatía por aquella mujer, que a simple vista parecía ser un superfluo cumulo de desfases.

*Un montaje la mar de interesante

El montaje que presenta esta serie, es uno de los elementos que más llaman la atención de ella. Un uso bastante chulo de la pantalla partida, durante varios tramos de la serie. Aunque lo que más llega a fascinar, es como a través del montaje consigue que nos sintamos dentro de la mente de Cassie. La paranoia y la inestabilidad que está experimentando, se traslada al espectador en una forma muy visual. En muchas ocasiones haciendo uso de un montaje picado, la serie nos inunda en esa espiral de locura y desvarió constante de la protagonista; un elemento que la diferencia, de otras series con dinámicas similares.

Muchas veces el personaje de Cassie vuelve a la escena del crimen por unos segundos para charlar con el hombre que fue asesinado o simplemente mantienen una conversación sobre algo que esté pasando en el tiempo presente de la trama; hay que tener en cuenta, que el personaje que interpreta Michiel Huisman, es asesinado en el primer capítulo de la serie y acaba siendo de los personajes que más salen dentro de ella.

No solo es cuestión de cómo está estructurado el montaje, sino también como está construida la serie narrativamente. The Flight Attendant le da mucho peso al personaje de Cassie y de todo los elementos que conforman su personalidad. Su alcoholismo, sus traumas del pasado, su adicción al sexo… Todo ello hace que su personaje, vaya creciendo a cada capítulo y que nos vayamos interesando más y más sobre la vida interior de esta mujer.

*Conclusión

The Flight Attendant es una serie histriónica y llena de momentos de locura máxima. Una serie que gira en torno a un homicidio, pero que acaba mezclando distintos géneros, haciendo de ella una de las series más particulares de este final de año. Una serie muy de 2020, que consigue mantenerte enganchado a lo largo de sus ocho capítulos. Los elementos más destacables de ella son su ambicioso montaje y la construcción narrativa que ofrece. El personaje de Kaley Cuoco al igual que su interpretación, acaban satisfaciendo las expectativas de los fans y los no tan fans de la actriz.

Escrito por Daniel Jiménez

Puntuación: 7,5

*La vida es para los fuertes

Tomando una historia de Hughes como punto de partida, Daniele Sebastian Wiedenhaupt debuta como guionista con este cuento de transición a la madurez. El protagonista es un joven que se ve incapaz de ser el hombre fuerte y valiente del que su padre se sentiría orgulloso. Sin embargo, obligado a enfrentarse a sus miedos y a situaciones de extremo peligro, descubrirá que por sus venas corre la sangre de un futuro líder.

Kodi Smit-McPhee encarna al joven Keda con sutileza. El actor, con ninguna línea de diálogo en la primera parte de la película, convence desde el primer minuto en su papel de joven temeroso e inseguro. A medida que su personaje crece, y también lo hace su voz, la interpretación de Smit-McPhee cobra más energía.

Chuck, el perro lobo que pasa de ser enemigo a compañero de viaje, es el otro protagonista de Alpha. Con asombrosa credibilidad, Hughes consigue trasladar a la pantalla la relación que Chuck entabló con su compañero de rodaje tras cuatro intensos meses de entrenamiento. Es justamente esta relación tan cercana entre los personajes lo que aleja a Alpha de otras películas similares.

*Ritmo

La película arranca con fuerza. Conocemos a la tribu, sus costumbres y rituales. Les vemos luchar, sobrevivir y morir. Cuando se establece un vínculo de unión entre Keda y Alpha, esa fuerza se intensifica.

Sin embargo, una vez que da comienzo el viaje de vuelta a casa, las escenas de peligro se suceden como si se estuvieran tachando de una lista de elementos que han de estar presentes en toda película de aventuras. Es entonces cuando el hilo conductor entre las escenas de tensión se hace más y más fino y la historia parece no avanzar.

*Imagen

Rodada en California, Islandia y, principalmente, en Canadá, Hughes hace de la naturaleza el tercer personaje principal de Alpha. Gracias a la magnífica labor del director de fotografía Martin Gschlacht (“Goodnight Mommy”), nos adentramos con facilidad en una inverosímil historia alejada en el tiempo. Los paisajes y entornos naturales con los que nos deleita Alpha son dignos de la mejor sala de cine. Acompañados de una música envolvente, es difícil no sentir asombro ante los sublimes planos que plagan la cinta.

Dicho esto, la primera parte de Alpha recuerda mucho a la mítica “300”. Las imágenes y el montaje de ciertas escenas parecen inspirados en la innovadora película dirigida por Zack Snyder. No es hasta que la odisea de Keda da comienzo que Alpha consigue encontrar un estilo propio, dejando atrás los alardes de grandeza de los que hace gala en el viaje inicial.

*Conclusión

Alpha es una película para disfrutar en la gran pantalla. La belleza de las imágenes, la historia de amistad entre Keda y Alpha, las aventuras que los hacen más fuertes… Todos estos elementos conforman una historia épica que conmueve, asombra y, ante todo, entretiene.

Escrito por Esther Alvarado
https://cinemagavia.es/alpha-pelicula-critica/