La imposibilidad de alcanzar un objetivo. Este podría ser el leiv motiv de la nueva película de Bong Joon-Ho, un lema que parece repetirse durante toda su filmografía. La meta de sus personajes es evidentemente distante, pasando por la búsqueda del amor como fórmula redentoria en Barking dogs never bite, a la caza imposible de un criminal en Memories of murder o la salvación de la institución familiar en The Host. Es en esta búsqueda donde siempre se halla implícita la crítica a una sociedad coreana que bajo la apariencia de una cierta “normalidad”, no acaba de asumir su condición de híbrido cultural entre la asimilación impuesta del mundo occidental y una tradición propia demasiado expuesta a los vaivenes histórico- políticos.

Es por ello que en cierto momento Mother, puede tener un cierto regusto a dejâ vù, a historia repetitiva y sin nada que aportar a la producción del cineasta coreano. No obstante, a pesar de sus aparentes similitudes argumentales con Memories of murder (ambas centradas en una investigación criminal), este es un film que nos habla de ese extraño vínculo familiar que se establece entre madres e hijos. Una relación que siempre suele ir acompañada del término amor, pero también de la palabra dependencia y, más a menudo de lo que parece, podría asociarse con un estado próximo a la ceguera.

Ambientada en una zona rural de Corea, el clima opresivo del provincianismo junto a la constante presencia de un clima y un paisaje marcado por las tonalidades grises y una cierta hostilidad pasiva conforman un panorama donde la opción de escape de las pequeñas mezquindades cotidianas es nula. Es un mundo construido a partir de detalles aparentemente nimios que juntos acaban por conformar una prisión donde la inocencia no tiene ninguna opción de salida. Una condición representada por un personaje, el del hijo, que se debate entre la pureza de su simpleza y la incapacidad de asumir lo terrible de los actos que comete.

En medio de este panorama se alza la figura de la madre. Una mujer denostada, maltratada por la vida, cuya supervivencia se fundamenta esencialmente en la relación materno-filial. Bajo la apariencia de la sobreprotección maternal se esconde algo más oscuro, un sutil complejo de Agripina que se manifiesta en el deseo casi incestuoso de determinar cada paso y, al mismo tiempo desmentir cualquier mala acción, de su hijo. Una actitud que desembocará en una lucha desesperada, desprovista eso sí de toda épica, por demostrar la inocencia de su hijo ante la acusación y encarcelamiento por asesinato. (sigue en spoiler)

Por una de esas ironías cinematográficas, tan imprevisibles como oportunas, podemos hallar en Vampiros de John Carpenter, y por boca del propio James Woods, las claves que facilitan un mayor acercamiento a una película tan supuestamente alejada como Videodrome. Es en la definición de lo que son los son los vampiros, o mejor dicho su descripción por negación (no son románticos, no tienen clase ni son amanerados), lo que describe el mundo que pretende reflejar Cronenberg.

En el fondo Videodrome no deja de ser otra película sobre la vampirización, en este caso no de individuos concretos, sino de cómo de la infección en sí. Efectivamente asistimos al proceso en un hombre solo, pero otorgando la función de paradigma, de ejemplo de lo concreto cuya destinación es la expansión total hacia la sociedad en su conjunto.

Al igual que en las leyendas del hominae nocturnis, la televisión no deja de ser un ente aparentemente inocuo cuyo poder sólo se desata si la invitamos a entrar en nuestros hogares y en nuestras mentes. Sólo así puede ejercer su dominio basado en una combinación de seducción hipnótica basada en elementos tan oscuros y a la vez tan atrayentes como el sexo y la violencia. Sí, la televisión nos convierte en yonkis, sólo que en lugar de sangre necesitamos nuestra dosis hertziana diaria de morbo, sexo y violencia. No es gratuito pues que los objetos que se introduce el protagonista sean precisamente una pistola y una cinta de violencia explícita, símbolos evidentes de las necesidades que la pantalla quiere cubrir.

Todo ello conforma un discurso atrayente, que sorprende por la vigencia del mensaje, por la capacidad sintética y visionaria del director, pero ante todo, por la capacidad de sumergirnos en un ambiente de cariz marcadamente realista. Efectivamente sólo a través de una atmósfera malsana, pero también marcadamente natural se consigue que el espectador se lleve el miedo y el mensaje en su casa, un método cinematográfico que impide la desconexión entre el mundo del cine, de lo que acontece en la sala y la realidad exterior.

Cronenberg, quiere conformar un mundo pesadillesco, pero también reconocible, donde no haya una sola variación estilística entre la fantasía y realidad más palpable, que los acontecimientos sean tratados con la misma pose de cierto distanciamiento frío de la cámara, que muestre que la vida son sucesiones de eventos aparentemente desconexos, pero cuyas transiciones naturales pueden llevar a derribar ese muro, más delgado de lo que creemos, entre la realidad cotidiana y la paranoia colectiva. (sigue en spoiler)

Desde una perspectiva actual, puede que este film, sus valores, su forma de estar rodado e incluso su mensaje pueda parecer naïf. Cierto es que su historia es muy sencilla, que no hay matices en los personajes y que sea totalmente previsible.

Pero, la cuestión que subyace es, de verdad importa? La respuesta es no. De lo que se trata aquí es dejarse llevar por este cuento infantil de bondad, de exaltación de la amistad, de la belleza de lo sencillo.

No se necesitan trucos, ni artificios,ni grandes discursos, sólo las lecciones mudas de humanidad que nos da un globo. Y es que para definir la felicidad no hace falta más que echarle una ojeada a la sonrisa de ese niño mientras juega con su silencioso amigo. Un globo que nos enseña lo que es la generosidad, la lealtad, la amistad verdadera e incluso el amor. Un globo que es el símbolo de una utopía, un globo que demuestra que ante la solidaridad y la bondad no es posible que ni la envidia, ni el egoismo, ni la maldad puedan triunfar.

Y que coño! Da gusto de vez en cuando huir de tanto pesimismo y de actitudes cínicas, esta es una película para disfrutar siendo ingenuos, para sentir que el bien puede triunfar sobre el mal, para pensar, en definitiva, que la vida puede ser maravillosa...Con un simple globo rojo en las manos.

Lo mejor: Su mensaje.
Lo peor: Que sea acusada de ser infantiloide.

Criticar al sistema es muy facil. De hecho ya hay auténticos expertos en ello, por jemplo Michael Moore. No solo es sencillo, sino que es necesario.

Hay varias maneras de enfocar la crítica. Un estilo cachodon e irónico, a lo "Gracias por fumar", mostrar un drama a lo cine social europeo o bien ampararse en el documental sensacionalista.

Lo que consigue Linklater es alejarse de todo ello y mostrar un drama coral, con aire intimista. Aquí se muestran varias vidas conectadas por un mismo entorno, y de lo que se trata no es de resaltar al personaje que critíca la industria, ni al cínico de vuelto de todo, ni al neocon que defiende al sistema y mucho menos a los jovenes idealistas que aún se creen capaces de cambiar algo.

De lo que se trata es de mostrar como todos esos discursos críticos fluyen con naturalidad, que no se necesitan grandes mentes ni grandes líderes. Todos lo vemos y todos nos quejamos.

Pero el principal protagonista dramático del film no es otro que la planta de tratamiento cárnico. Un frío coloso indestructible ante el que toda protesta resulta vana, porque como podemos luchar contra algo que devora vidas pero nos ofrece una hamburguesa para olvidar nuestras penas.

Esa es la triste paradoja final. El mundo libre, la democracia, no está en venta. Hace años que fue comprado, y lo peor no se admiten devoluciones.

Lo mejor: Su capacidad de disparar metáforas entendibles.
Lo peor: Algunos personajes un tanto desdibujados.

Despues de contemplar la nauseabunda revisión de el clásico "La Huella", no me queda más que pedir la dimisión del Sr. Kenneth Branagh como director de cine. Es obvio que sus mejores tiempos ya han pasado y no vale la pensa que siga más. Sólo hay que ver resumidamente lo que ha hecho:

1- Resume un guión que daba para casi 2 horas y media en una escasa hora y veinte. Eso no tiene que ser malo per se, pero sí lo es cuando en esa reducción de tiempo se deja detalles que hacen que la trama sea inverosímil.

2- Si en la original teniamos unos diálogos cargados de ironía y sutilidad aquí todo se convierte en un diálogo a gritos a ver quién rebuzna más alto. Y todo entre insultos y palabras mal sonantes que no es que me importen, pero que no pegan con el espíritu de la obra.

3- Su dirección de actores es penosa. La presunta elegancia sobria de Michael Caine no es más que desgana y de Jude Law mejor no hablamos porque su sobreactuación histriónica chirría de tal manera que duele hasta verlo.

4- Modernizar el entorno no esta mal, pero no cuando conviertes unos muñecos que dan mal rollo en un entorno digital frío y sin personalidad que no enmarca adecuadamente la tensión del momento. Vamos que podría ser que la acción pasase en el piso del vecino y daría exactamente igual.

5- Convertir la trama de juego criminal a jueguecito de seducción homosexual es, además de facilón, risible y fuera de lugar.

En fin, que tiempos mejores vivió Mr. Branagh y en ellos se debería haber quedado, porque para realizar films como este quedándose en su casa hubiera estado más guapo.

Lo mejor: Que el suplicio dura poquito.
Lo peor: Todo lo demás