Basada en la novela ‘Tony and Susan’ escrita en 1993 por Austin Wright (1922-2003) y que fue traducida al español como ‘Tres noches’, Tom Ford presenta la que es su segunda película: 'Animales nocturnos'. Desde un punto de vista narrativo Ford estructura la película en dos relatos: el principal y el “relato dentro del relato” (la novela que lee Susan Morrow), ambos íntimamente ligados y expuestos como un puzzle que va encajando sus piezas. Es importante no levantar la vista de la pantalla porque el film va mezclando ambos relatos y salpicando el principal de flashbacks al pasado de los protagonistas. Es decir, estamos ante una narración que exige atención y concentración por parte del espectador.

Todo lo descrito en el párrafo anterior da lugar a dos escenarios radicalmente diferentes. El escenario real del film que resulta un mundo vacío, aséptico, vanguardista y elitista en el que la protagonista ya no se siente desarrollada ni comprendida… y el escenario de la novela que nos entrega claramente un desgarrador western de tragedia y venganza, dominado por el desierto de Texas, sus campos agrestes y sus tonos anaranjados.

El reparto lo encabeza Amy Adams como Susan Morrow; a destacar el grado de empatía que llega a tener con Tony Hastings (el protagonista de la novela) sintiendo al mismo tiempo sus mismas emociones. La actuación de Adams es totalmente controlada y lejos de buscar lucimientos y sobreactuaciones absurdas. Todo un ejemplo de honradez y profesionalidad. A su lado llamar la atención sobre Jake Gyllenhaal en un doble papel (el exmarido de Susan Morrow y Tony Hastings, brillando mucho más en este segundo rol). También sorprende un irreconocible Aaron Taylor-Johnson y Michael Shannon que vuelve a sentar cátedra.

En definitiva: 'Animales nocturnos' es una desgarradora cinta que ofrece dos películas íntimamente ligadas entre sí y al precio de una. Un film cuya narración y atmósfera terminan por atrapar inevitablemente al espectador, siendo conveniente verla no dejándose distraer por nada… ya que esta es la única forma de poder captar todos los detalles que Tom Ford va dejando en el film y que ligan las dos historias que vemos en la pantalla.

-Lo mejor: Tom Ford logra sumergir al espectador/a en el universo del film. Esta es una película para ver más de una vez y lograr así captar todos los detalles que tiene y que en un primer visionado pueden pasarse por alto. Todas las actuaciones.

-Lo peor: Al igual que sucedía en ‘Sully’ la estructura del film con flashbacks, saltos temporales y dos narraciones puede provocar cierta confusión en el espectador casual.

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A pesar de su inapelable valor artístico, este remake del clásico de los años cuarenta, ‘El salario del miedo’ de H.G. Clouzot (a quien va dedicado el film), se convirtió en lo que su título en castellano avanzaba, una “carga maldita” para Friedkin. El fracaso en USA, con sólo 9 millones de dólares de recaudación, condenó al film en unos años en donde sólo se valoraban las películas por lo recaudado en EEUU... pero si existe un film que refleja fielmente desolación, la desesperanza, el valor suicida o el miedo es este, a pesar de todo lo que se sudó, luchó y sufrió, el resultado artístico vale mucho la pena. Las imágenes son tremendas, la banda sonora de Tangerine combinados con una especie de silbido infernal te atrapa igual que las imágenes y las interpretaciones llegan directamente al espectador. ‘Carga maldita’ es un monumento a cuatro hombres que se resistieron a perder…

Cuatro hombres todos ellos dibujados con una precisión de cirujano. Perdedores que huyen de sus vidas pasadas, señalados en sus países llegaron hasta “Porvenir”, porque hasta aquel lugar nadie les seguiría, haciéndose pasar por lugareños, con nombres falsos y sin saber nada de español. Residen en aquel país donde ocasionalmente la (corrupta) policía hace la vista gorda.
Roy Scheider interpretó a Scanlon, un tipo que obtuvo un último favor de un amigo para lograr llegar a este barrizal tras un robo a una Iglesia propiedad de la mafia que no salió bien. Bruno Cremer dio vida a Manzon que tuvo que dejar a su mujer y su vida de lujo en Francia, cuando su socio y cuñado se voló la cabeza y lo dejó solo en la bancarrota de la empresa propiedad de su suegro. Amidou fue Kassem, un miembro de una cédula terrorista que escapó vivo de un asedio en Israel y vio como todos sus compañeros de armas eran detenidos o asesinados. Y por último nuestro gran Francisco Rabal dio vida a Nilo, un enigmático hombre de zapatos blancos que llega a “Porvenir” con una misión.

El contraste entre las vidas que antes llevaban los protagonistas y las que tienen ahora es demoledor, en los ojos de los actores se ve su sufrimiento, su demolición. Son hombres devastados, condenados a morir deslomados en trabajos donde llevan sus cuerpos más allá de lo humano. Cuando comienza el casting buscando conductores para la Petrolífera no lo dudan… allí encuentran una posibilidad de escape y si no lo logran morirán intentándolo. Treinta años después de que John Huston rodara su épica sobre la podredumbre del alma, ‘El tesoro de Sierra Madre’, Friedkin llegó hasta aquellas míticas cotas de desolación. Con el paso de los años y libre del peso de los estudios el director ya no escondía que era una de las experiencias donde más libertad tuvo (acabó firmando como productor) y una de sus obras favoritas. Estaba en lo cierto.

En definitiva: Esta película es, sin duda, una de las tops de William Friedkin como cineasta y a la altura del original. Opresiva y brutal, refleja la miseria humana en toda su esencia. Ineludible cita para todo buen cinéfilo.

-Lo mejor: Friedkin a tumba abierta, dando el 100% de su talento y exigiéndolo de forma tiránica al resto. Los actores todos excelsos. Su “crescendo” de tensión.

-Lo peor: Tuvieron que pasar más de veinte años para que se la considerara como la gran obra que es.

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Renny Harlin siempre tuvo un don. Y ese don era mostrar muerte y destrucción como muy pocos son capaces: planificar tiroteos y saber siempre donde colocar la cámara, conseguir hilvanar set pieces de acción a cada cual más grande y espectacular que la anterior y ponerle la guinda con un clímax final de esos que dejan la adrenalina por las nubes... y de todo eso tenemos en 'Memoria letal': cotas de cine de acción de primera categoría. Ese cine que ya está olvidado.

Del guión se ocupó Shane Black, colocándolo entre los mejores libretos de su carrera y entregando, junto a Harlin, una experiencia llena de adrenalina que merece ser considerada por méritos propios como una de las últimas muescas del viejo cine de acción artesanal que tanto abundaba en los 80s.

En el casting destacó la pareja formada por Genna Davis y Samuel L. Jackson. Geena Davis como una de las primeras y más convincentes heroínas del género que abrió las puertas a otras actrices a tomar las riendas de grandes producciones del género, caso de Demi Moore, Milla Jovovich, Angelina Jolie o Michelle Rodriguez (algunas con más éxito que otras). Por su parte, Samuel L. Jackson dio un auténtico recital como Mitch Hennesey, un antihéroe total que se ve envuelto (sin comerlo ni beberlo) en medio de una absoluta vorágine de conspiraciones, explosiones, torturas sádicas y muerte por doquier…

En definitiva: Una de las últimas muestras de cine de acción hecho a la vieja usanza. Explosiones reales, tiroteos espectaculares, persecuciones en coches que recuerdan a las del viejo cine de sudor y cerveza. Todo ello mezclado con diálogos gloriosos, escenas de tortura y un crescendo de acción incomparable y culminado con un clímax final ejemplar en la frontera entre EE.UU. y Canadá.

-Lo mejor: Todo. Es un film de acción modélico de principio a fin.

-Lo peor: Esa escena de Geena Davis cortando hortalizas como una posesa resulta ridícula.

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Fernando González Molina vuelve a la gran pantalla adaptando otra novela. En este caso se trata de ‘El guardián invisible’, la primera parte de la “Trilogía del Baztán” escrita por Dolores Redondo. Y desde un punto de vista técnico y visual, hay que felicitar a González Molina porque la película presenta una facturación y acabado impecable, cine totalmente “Made in Hollywood” y del bueno… sólo que “hecho en España”. La ambientación resulta sobresaliente con ese bosque hermoso a la vez que ominoso y siempre repleto de niebla, la lluvia que cae eternamente, el pueblo, la noche, la fábrica de los txatxingorri de la familia Salazar…

Pero si ‘El guardián invisible’ destaca en su presentación, no lo hace así en su libreto. El guión flojea a la hora de mezclar las diferentes temáticas como son: la investigación del asesinato, la vida personal de Amaia Salazar y los mitos de la zona. Especialmente fallido resultan estos últimos, que quedan casi como unos meros “añadidos” que se tornan demasiado “artificiales” y que no llevan a ningún lado, dando lugar a escenas que se presentan con gran “trascendencia” pero que luego quedan en nada (el mejor ejemplo de esto que comento es la secuencia de la lectura de las cartas). Siendo esto así, es claro que el metraje de 130 minutos es excesivo, con escenas que se podían haber eliminado de manera muy tranquila.

En el reparto destaca Marta Etura que hace lo que puede y lo hace bien como Amaia Salazar, una joven inspectora formada en el FBI, disciplinada y de cierta frialdad heredada de un pasado traumático. Es decir, no es un rol del que nos podamos enamorar como espectadores y mucho menos “a primera vista”… pero el trabajo de Marta es bueno. Tambié cabe alabar la buena labor de Elvira Mínguez, Itziar Aizpuru y Francesc Orella.

En definitiva: 'El guardián invisible' es un film que destaca por su cuidadísma y conseguidísima puesta en escena pero que descuida otros aspectos igualmente importantes. Aspectos que son salvados gracias a una Marta Etura que se echa a sus espaldas el peso del film con un personaje cuyo carácter frío lo aleja de la inmediata conexión con el espectador.

-Lo mejor: La ambientación y la impecable facturación que tiene la película. El buen trabajo de Marta Etura con un personaje complicado. Elvira Mínguez e Itziar Aizpuru.

-Lo peor: Varios personajes secundarios poco trabajados con el agravante de tener una duración de 130 minutos que daba para haberlos dejado impecables. El hecho de notar claramente que hay escenas que sobran y que no tienen la trascendencia que debieran. El asesino es “X” cuando da la impresión de que podía haber sido también “Y” o “Z”...

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Entre manos tenemos la ópera prima del actor Raúl Arévalo, una cinta que nos lleva a transitar por el oscuro camino que representa “el cine de venganzas” que tanto me gusta. Teniendo esto en cuenta, en el libreto del film (escrito por el propio Raúl Arévalo y David Pulido) visitamos los “lugares comunes” del género, entre ellos: una gran tragedia y las consecuencias… Ahora bien, lo interesante de este guión es ver cómo se nos van presentando los personajes, contando los hechos en base a elipsis y segmentos “lineales” (el bar, la familia, Ana…) y con un gran vuelco que pega todo en un momento determinado. Un vuelco que más o menos puedes esperar en base a las pequeñas pistas que Arévalo nos ha ido ofreciendo en base a diálogos o en alguna que otra imagen… No obstante, lo que no se espera es la reacción y el transitar de los personajes. En este sentido, atención a la visita a un gimnasio de boxeo que marcará el “punto de no-retorno” para dos de ellos.

El libreto es una lección de cómo cambian las circunstancias en la vida y cómo a algunos les es imposible olvidar y perdonar el daño sufrido de una vida rota en mil pedazos. Otra lección poderosa del script es cómo actualmente abrimos con demasiada facilidad nuestra puerta a extraños que apenas conocemos y les invitamos a formar parte de nuestro mundo... No obstante, el film se alivia con algunas situaciones tragicómicas por las que atraviesan los personajes. Situaciones en las que, muy a pesar de lo que estamos viendo, resulta imposible que no se escape alguna risa

El protagonismo principal recae en Antonio de la Torre que entrega una actuación con matices importantes, Luis Callejo con una interpretación muy enérgica y plena de veracidad, y Ruth Díaz que resulta necesaria y absolutamente natural dando vida a una joven rota y abandonada que se ve "atrapada" entre dos hombres, los interpretados por Antonio de la Torre (Josete) y Luis Callejo (Curro).

En definitiva: 'Tarde para la ira' es un prometedor debut en la dirección de un Raúl Arévalo que no hay ido de farol detrás de las cámaras. El actor, y ahora también director y guionista, nos ha ofrecido una cruda historia de venganza de extrarradio y carretera en la que no hay marcha atrás posible y en la que el perdón se cotiza alto…

-Lo mejor: La veracidad de todas las actuaciones, con especial mención para el temperamento que muestra en pantalla Luis Callejo. Ir viendo como el guión va desgranando los hechos.

-Lo peor: El final me pareció bastante “seco”. Quizás falten algunas situaciones que ayudasen a completar mejor el metraje del film. Aconsejo no ver el tráiler porque resulta claramente destripador de lo que va a suceder en el film, y le hace perder a este todo el vuelco cuidadosamente preparado por Raúl Arévalo y David Pulido.

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