Ciencia-ficción, comedia y thriller. Una nueva vuelta de tuerca a los manidos temas del viaje en el tiempo y del plano secuencia simplemente combinándolos y poniéndolos al servicio de la historia.

Una de esas raras películas en las que puede resultar difícil olvidar lo que está ocurriendo tanto detrás de la cámara (un iPhone, por cierto) como en la post-producción, pero si lo conseguimos y nos dejamos llevar la experiencia es cuando menos divertida.

Si por el contrario, lo más probable, no podemos dejar de pensar en lo que ocurre entre bambalinas el chute es todavía más extremo. Los créditos finales solo conseguirán reflejar en imágenes que todo es incluso más salvaje que lo que hayamos podido imaginar. Ver para creer.

Clint Eastwood se hace mayor, ya no es aquel policía con cara de pocos amigos ni el vaquero guapete con un poncho (aunque a sus 91 siga triunfando con las féminas, al menos en sus películas), ni siquiera es ya el señor mayor que se iba al espacio.

Pero aunque cada vez esté más cascado, ya quisiéramos llegar a su edad en su estado de forma. La película merece la pena por seguir disfrutando de su mirada incrédula ante un mundo que a veces no entiende, pues él se ha detenido y este sigue su paso. Quizá por ello se ha decidido a rodar una historia que se desarrolla en 1980, cuando aún era un galán, y en la que su personaje se comporte como si realmente estuviésemos en esa época y él fuese un maduro atractivo a lo George Clooney. La historia es humanista en el modo en que suele serlo su cine aunque el guion de Nick Schenk, basado en una novela, deje bastante que desear sobre todo en sus diálogos, a la luz de anteriores trabajos no tan lejanos como Gran Torino o Mula, con los que quizá se pueden buscar más similitudes y en las que también Schenk era el guionista.

Tampoco creo que el casting haya sido lo más acertado, sobre todo en lo tocante al joven compañero de Clint, y no me refiero al gallo, cuya interpretación es de quitarse el sombrero. Aunque más floja de lo esperado (hasta el cartel parece diseñado sin ganas), Cry Macho no deja de tener algún momento de esos que tocan la fibra, sin duda conseguido gracias a la sensibilidad para rodar del director de Los puentes de Madison y Un mundo perfecto, de las que también pueden rastrearse reflejos en el film.

Rob Zombie, a priori un músico que se quería entrometer en un mundo que no era el suyo, un intruso al que solo por eso de primeras había que mirar con ciertas reservas, se ha ido ganando con creces su sitio privilegiado en el género desde su debut con La casa de los mil cadáveres, donde ya demostró ser un director con personalidad y no pocas dotes para exhibir en pantalla la maldad y la violencia. Cuando fue elegido para este reboot de la saga, de la mano de los hermanos Weinstein, los aficionados estábamos de enhorabuena. Cierto es que la sensación viendo la película es que quizá se quedó a medio gas, y no se atrevió a arrojarnos una versión cien por cien personal de su autor, a pesar del beneplácito de Carpenter para que se divirtiese rodando lo que le apeteciese, un Carpenter que, por cierto, con el tiempo ha terminado abominando de esta versión. Tal vez un respeto reverencial (y comprensible) al maestro le impidió siquiera intentar matar al padre, en una tentativa para contentar a todos, tanto a los fans del film original como a sus despistados detractores (que alguno hay) con la intención de ofrecer algo nuevo pero sin mancillar el espíritu de aquel. El resultado, un díptico, cuya primera parte se centra en la infancia de Myers, un niño acosado perteneciente a una familia desestructurada y ya se sabe, una cosa llevó a la otra. Esta mitad del film, la que trata de buscar una explicación a lo que en la obra de Carpenter no la necesitaba, tiene al menos la virtud de alejarse de la convencionalidad de la que adolece, por ejemplo, la última película de la franquicia hasta la fecha. En la segunda parte de la película, Zombie parece retractarse y nos acerca al espíritu del film original en una suerte de remake bastante aproximado, quizá un poquito más bestia y con algún toque de humor negro, donde incluso la careta inicial de Myers que podría formar parte de la estética de cualquier videoclip de Zombie e incluso haberse convertido en una reivindicación autoral (aunque fuese mínima) es sustituida por la original, que el propio Myers (eso sí, mucho más fuerte y grande, interpretado por el enorme Tyler Mane) desentierra de los tablones del que fuera su hogar, testigo de sus crímenes de juventud, de su origen criminal.

Shyamalan demuestra una vez más que con un guion irregular se puede hacer una muy buena película. Su guion se basa en el comic Castillos de arena escrito por Pierre-Oscar Lévy y dibujado por Frederik Peeters, y como ocurre muchas veces con el cine del director de La visita, el empeño en dar una vuelta de tuerca extra, en buscar una explicación "satisfactoria" al misterio, termina por mancillar un texto de suspense ejemplar.

Por supuesto, no se puede contentar a todos y si, como ocurre en el cómic del que bebe, a Shyamalan se le ocurriese dejar abierto el enigma, cerrar sin dar una explicación mínimamente racional, o incluso fantástica, pero una explicación, al fin y al cabo, que arroje luz sobre los extraños acontecimientos acaecidos en esa playa paradisíaca los palos le lloverían igualmente. En tal caso tendría la excusa de que el guion no sería suyo, y no queda otra opción que reconocerle el valor de llevar las cosas a su terreno, el ejercer de autor total, pues es inconfundible su forma de narrar (y de momento me refiero solo al guion y sus giros y recovecos: en los que se desvía del original, que son unos cuantos, y en las líneas maestras de las que no se separa, que también las hay).

En cuanto a la puesta en escena, no es ninguna novedad ver que sigue manejando el suspense con una destreza envidiable, y que aunque podamos sospechar lo que ocurre en cada momento previo a una revelación, el antes y el después son ejemplares.

Aunque haya que hacer un importante esfuerzo de abstracción para creer que los áridos campos extremeños son en realidad la sabana keniata, y a pesar de la arriesgada elección del castellano para rodar esta libre reinvención de los últimos días de Karen Blixen (más conocida como Isak Dinesen), autora de Memorias de África, la atrevida propuesta de la debutante María Pérez Sanz es una sugerente colección de momentos (inspirados en los diarios de la citada autora) junto a su inseparable criado (no son nada sin el otro, en sus propias palabras, en esa secuencia tan bien cerrada en la que el criado posa impertérrito fuera del dormitorio donde la protagonista desnuda sus sentimientos hacia él). Es cine no narrativo en la estela de un Albert Serra o un determinado Van Sant, con la virtud de hacerlo breve, pues si determinados blockbuster de más de dos horas se hacen duros, no queramos pensar propuestas más pausadas como esta, que además resulta fresca y desenfadada, quizá por las naturales interpretaciones (victorioso debut actoral de la ya veterana, pero en otras lides, Christina Rosenvinge, que además agrega un par de perlas a la banda sonora) y sus diálogos más que creíbles, que además se cierra con una brillante elipsis que desemboca en una emotividad aplastante. Una opera prima de lo más estimulante.