Emparentada temáticamente como profesionalmente con The Killing Fields, obra maestra de Roland Joffé, ya que ambas tratan sobre el tema del genocidio Camboya por parte de los comunistas y ambas son óperas primas de sus directores, el francés opta por unas formas más clásicas que recuerdan al Spielberg de la también magistral Empire of the Sun y en los usos del plano general recuerda mucho a Lean por su expresividad, también del británico rescata ciertas ideas conceptuales de Doctor Zhivago, ya que lo totalitario nunca podrá matar al amor y la belleza.

Es el amor el mayor eje temático de la obra, el amor por la familia, por la pareja y por la progenie perdida. Lo primero es manifestado desde los momentos iniciales, reunidos todos en la cena ante una paz manifestada tanto en lo externo, en esas calles llenas de vida y pequeños corriendo como en lo interno, esos espacios familiares como aquel encuadre donde se presenta a ese microcosmos con la mirada perdida hacia esa paz exterior, posteriormente en las escenas del obligado escape esta se reúne, conversa, manifiesta esa unión, pero con una desesperación por el futuro incierto, recuerda mucho a las formas de Polanski en The Pianist, sobretodo en su inicio.

La historia de la relación marital es la de mayor carácter expresivo, convirtiendo a los pequeños gestos, las acciones contenidas en muestras de la más alta poesía, una escena en particular cobra un significado que se manifestará a lo largo de la obra ese plano corto con sus personajes de perfil donde el esposo sopla moviendo los delicados cabellos de su esposa con el viento, a través de este gesto tan simple pero narrativamente importante se nos irá marcando el tono de la historia y como esto irá repercutiendo en sus protagonistas, como en la secuencia final. El amor filial es otra de las máximas expresiones artísticas de la película, los personajes miran hacia arriba como esperando una esperanza de reencuentro, la lluvia condensa la agonía de la tristeza, con close up llenos de potencia visual, en el reencuentro es el encuadre quien habla, dejando que los movimientos de los personajes creen la emoción verdadera, por ejemplo.

Sovanh en su odisea por sobrevivir busca la belleza de la vida también manifestada en la banda sonora de Thi­bault Agyeman donde acordes más agradables lo hacen resistir el horror que presencia, busca la compañía de una lagartija o unos patos en un riachuelo, esto es lo que más la hermana con la obra de Spielberg, pero también la compañía humana como de aquella niña que junto a él intenta sobrevivir como en esa categórica escena donde este le da una flor y está es rota por el golpe del bastón del uno de los guardias y en aquella donde su sacrificio se muestra fuera del plano dando una de las escenas más tristes de la animación reciente, reflejada en los ojos de Sovanh.

La otra temática central de la película es el horror, siendo este sugestivo, se manifiesta en la expresividad de los rostros de las víctimas, en los sonidos de los fusiles, en los brillos de la pólvora al estallar, siendo estos elementos visuales y sonoros potentes al igual que poderosos en las formas cinematográficas, también se manifiesta el horror interno, siendo esta en el horror a perder toda esperanza cuando una de las integrantes opta por el suicidio después de ser abusada, ese horror también se manifiesta en la madre de esta muchacha al ver los pies de su hija colgando de la rama de un árbol y el horror ante lo incierto del futuro, como cuando tiene que cruzar aquel rio lleno de minas al inicio o cuando la lluvia condensa el temor a subirse al bote que los aleje de su hijo.

Una esperanza contenida abraza el final del film con ese plano general que luego la cámara hace un traveling hacia la distancia inmensa que les queda para llegar a Tailandia simbolizado aquel camino inmenso que tuvo que pasar el pueblo camboyano para sobrevivir al horror y que nosotros no debemos olvidar jamás.

Tan solo la secuencia intermedia de cerca de 25 minutos de la película de Spielberg da cátedra de cómo se debe filmar una relación entre animales y humanos partiendo de la inteligencia de mostrar el inicio de la relación entre el caballo y la nieta del granjero con un plano detalle del ojo con la niña acercándose al animal. En esta película priman las composiciones básicas dignas del mejor comercial de perfumes priorizando los colores bonitos del atardecer y las tomas en slow motion para parecer "trascendentes" todo muy bonito pero nada de cine, nada de sugerencia que la molesta narración en off de Winslet no pueda aportar más allá de la sobreexplicación.
De los actores se puede decir que la joven Foy lo intenta pero su personaje no logra despegar alguna emoción en lo absoluto, ya pasaron muchos años desde su conmovedora Murph en la película de Nolan. Para terminar la música no aporta nada, no construye o sugiere más que sólo poner énfasis en algunos momentos clave, es como si quisiera estar oculta, no quisiera trascender no quiisra transmitir alguna emoción o sentimiento.

Otra vez la técnica animada ha triunfado, ya que no solo se enfoca en el apartado de su abundante paleta de colores, sino que esta tiene incidencia dramática dentro del conjunto, aportando a la construcción de los diferentes casos, desde el exótico Singapur con sus cielos de un celeste pleno hasta las apagadas calles de Londres bañadas de colores grisáceos tanto en exteriores como en los interiores pero que cuando despierta la pasión o la inspiración estos espacios interiores cobran vida reflejando el estado emocional de los personajes. En su último caso se apuesta por priorizar la iluminación para establecer relaciones entre personajes, véanse los ejemplos entre las conversaciones entre Makoto con su padre y su relación en la composición visual. Pero el mayor ejemplo de esto es la formidable escena del yate en pleno océano, dotados de una iluminación natural el director ya marca la pauta estética entre todos los presentes además de como compone los planos de la secuencia para dotar de la escena de la potencia dramática necesaria como aquel antes que Oz dispare hace un primer plano de nuestro protagonista casi completamente iluminado por el sol, incapaz de liquidar a sus compañeras, para que luego en la venganza contra Oz este en las tinieblas anticipando su caída y así ganándose la confianza de Suzaku.

El título de la reseña alude al personaje que es el eje de todo el desenvolvimiento de la trama, la misteriosa Dorothy una bellísima mujer de tez como el ébano que por su “fortuito” encuentro con Laurent lo invita a participar de su banda de atracadores, el Team Confidence, pero en su última aventura en Shanghái tras un error de cálculo, lo tramado se ve truncado por la ejecución de la chica debido a que el mago del lejano este no pudo devolverla a su hogar que iba a formar con el rubio francés, la narración nos lleva a un presente desolador, todos nuestros personajes deben vivir con su pasado pero a su vez deben confrontarlo, deben hacer ese viaje interno por la memoria, por aquello que dejo huella en sus vidas desde la guerra en medio oriente hasta las relaciones truncadas por la desconexión de los amantes. Al igual que ellos los secundarios también se ven embarcados en esa introspección como aquel viejo piloto o la anciana jefa de aquella nefasta corporación que tiene que mantener esa doble vida como la dualidad de los colores de su kimono.

Las pautas de los eventos están marcadas por dos elementos constitutivos que aportan a la narración visual y una marcada sutileza dramática, los juguetes que el joven Makoto saca de cada nueva ciudad que determinan la naturaleza del arco narrado como aquel rey que renuncio a la fortuna por amor o el simple campesino que tiene que volver a empezar para labrar su riqueza. Los gatos están presentes en la obra desde aquel que nuestro protagonista le entrega a su moribunda madre o que el joven Laurent cargaba cuando su madre cedió ante la locura los gatos están presentes en el ending cantado por Mercury, estos son seres solitarios al igual que todos los personajes, necesitan un hogar, necesitan amor.

Un viaje emocional de 23 episodios pero ante todo un triunfo del arte animado en un panorama donde las series de animación japonesa se estancan en clichés visuales repetidos hasta el hartazgo o en franquicias con un dramatismo exacerbado que dependen de golpes de efecto que rozan lo telenovelesco para mantener cautivo a la audiencia, aquí es la audacia de los puntos de giro, la pericia visual y el montaje los que permiten a la audiencia continuar el recorrido, es usar las armas que nos proporciona el cine para dotar de un alma a una serie inolvidable.

Esta película no es una excepción, es una búsqueda por lo nuclear por recuperar aquello que el paso de las edades les quito a nuestros protagonistas. Desde el prólogo Moore ya establece el tono visual y narrativo de su obra con aquel bosque perturbado por la acción de las hachas, aparecen los lobos como ases de la noche, su diseño es lo que intimida, su presencia resulta perturbadora contra esos leñadores, pero aparece tras el fiero combate, una presencia, es una Wolfwalker, está lo deja vivir y con un gesto decidido encuadrado en un perfecto plano general lo deja ir. Conocemos a Robyn Goodfellowe, ella al igual de su padre no solo están atados al voto de obediencia a Lord Protector sino están atados a esa ciudad de bordes rígidos, de un cuadrado supuestamente infranqueable protegidos por los monigotes de Cromwell, que una vez más sus actitudes no están definidas por lo que dicen sino por el componente cinematográfico, como en su tiempo Walt Disney diseñaba a la baraja de cartas en Alice in Wonderland.

Esta también es una fábula sobre la madurez, ya que el padre de Robyn no entiende sus deseos de libertad, será por miedo al destino trágico o la pena del sebo, sus ojos tienen esa respuesta. Le impone la seguridad de trabajar como parte del servicio doméstico del jefe del castillo, eso la hace infeliz y eso lo muestra la cámara con una simpleza apabullante, basta un solo encuadre para mostrar esa infelicidad con la gama cromática y la posición de la pequeña Robyn en el plano acompañada de las otras sirvientas en una posición armónica, sumándole expresividad a esos momentos de la película. Cuando Robyn está en el bosque se da el encuentro de dos mundos, torpemente enfrentados debido al miedo y la ignorancia. Ella intenta capturar al lobo, pero por error la muerde, posteriormente convertida en lobo siente el llamado de lo salvaje, de la libertad, ese llamado es posible gracias a Bruno Coulais que con sus notas es como esa voz seductora a lo desconocido, a lo arcano. En una secuencia definitiva Moore cambia el estilo de dibujo y al son de Aurora somos participe de esa liberación de Robyn de esa libertad que brinda la paz de lo natural. Luego la música también nos develara el otro objetivo de la trama, el paradero de la madre de Mebh.

Entre ambas chicas se forma un lazo amical invisible pero eterno, sentado por la comprensión de la situación de la otra, vinculo que será clave en el clímax. El poder del villano de turno es manifestado con el poder del encuadre, de las sombras, de las composiciones como cuando va a liquidar a la madre de Mebh en la plaza, pero también su poder está presente en esa ciudad de bordes anchos y gestos adustos de su población, de llamas al rojo vivo contrapuestos al azul de la tranquilidad de la noche en el bosque.

Pero ante todo esta es una película sobre núcleos como manifesté en un inicio, ambas protagonistas se necesitan, para tener esa paz de antes y eso es manifestado con música de Coulais que en su virtud más poética alcanza lo inesperado, reconciliar ambos mundos cuando se da ese abrazo entre los cuatro y Bill acepta a los lobos, permitiéndole tener de nuevo una familia o en este caso una manada. En el clímax dramático resucitan a la madre de Mebh tras la lluvia, tras aquella agua que limpia los rezagos del mal, la población mira con fe aquel bosque que canta con aullidos, es una representación macroscópica del conflicto que ha perseguido a la obra terminando el ciclo y el desarrollo de todas las piezas del relato.

Wolfwalkers es ante todo una fábula, una que merece contarse, una en la cual el tiempo no le quitara encanto ni potencia expresiva, como sucede en todas las obras maestras. Moore nos recuerda al igual que en Song of the Sea la importancia de narrar historias, la importancia de la fantasía para comprender nuestro mundo con sus diferentes tipos humanos, pero ante todo la importancia de encontrar el lugar donde pertenecemos.

Reseña escrita para Oasis del Cine

La dirección de Shinkai es notable y como siempre enfatizando en la relación entre personajes especialmente los momentos de intimidad cuando los sentimientos se manifiestan pero no resultando empalagoso sino muy humanos además de manifestar muy bien el silencio este es usado cuando nuestros protagonistas caminan por la noche en una Tokio colmado primero por la lluvia y luego por la nieve cuando el clima ha enloquecido por una causa de la que hablaré más adelante y se termina de formar el vínculo emocional entre los dos protagonistas, otra escena que es de una gran carga emocional es la confesión de amor ya que al ser de un tono inocente es más pasional por la edad de sus protagonistas donde las reacciones emocionales son más intensas y con las promesas clásicas de amor eterno pero que aquí no se vuelve algo cargante sino que sabe mantener la elegancia de ese momento.

Mucho se habló del guión, en algunas críticas se manifestó que los personajes eran egoístas por la decisión final, no lo vería de esa manera ya que al final es el devenir una cuestión natural de las cosas y el hombre quería alterar ese devenir con un sacrificio como manifiesta uno de los personajes.Hina y Hodaka cumplen una función interesante en la historia especialmente la abnegada Hina que tiene que ser el soporte de su familia que ha quedado la deriva tras el fallecimiento de la madre ejemplificando el tema principal de la película el sacrifico tanto en un aspecto positivo por la actitud de Hina para con su hermano como negativa con el tema del uso de las personas del servicio de la Chica del Clima y como ella acepta ser el sacrificio final para que la humanidad rompa ese devenir natural llevado al final a su personaje a aceptarse y valiendo por sí misma cuando decide ser rescatada por Hodaka, hablando de nuestro protagonista es un joven entusiasta cansado de la rutina de su pequeña isla y que literal decide escapar hacia la luz del futuro que se manifiesta en Hina, el aprende a valorarla no solo como un interés amoroso sino como persona cuando él se arrepiente de ponerla en tan difícil situación y aquí viene uno de los puntos más interesantes del film, que existe un claro homenaje a Sleeping Beauty de Disney, que este film es una reafirmación de la fantasía clásica, especialmente en el tercer acto donde Hodaka como Philip emprende la misión de liberar a su princesa del castillo en este caso de nubes asediado por sus perseguidores luego de escapar de la prisión y como tres personajes van a ayudarlo como hicieron las hadas para que Philip despierte a Aurora siendo estos también importantes para la trama. Los secundarios tienen arcos importantes como el de Suga y la relación con su hija y los sacrificios que tuvo que hacer cuando su esposa murió, también está el hermano de Hina que cumple una función cómica con ese arco de casanova con sus dos parejas.

El montaje es frenético y le da dinamismo a la historia, crea microtramas y las cierra como cuando suena el tema “Celebration” o el collage de Hina cuando Hodoka la recuerda en su caminata en las vías del tren y en la secuencia de persecución que está bien montada brindando una tensión ejecutada limpiamente que si se hubiera alargado un poco más hubiera habido una elegante referencia a The French Connection.

En conclusión un extraordinario trabajo de artesanía compuesto con una animación magistral, dirección sobresaliente y una buena historia pero que se queda por debajo de la maestría absoluta de Shinkai que manifestó en 5 Centimeters per Second y Your Name aunque supera con creces el resto de su filmografía y en concreto genera una empatía con el espectador por sus personajes que intentan moverse por un mundo que le es adverso y los separa tanto físicamente como en el plano personal como los sacrificios que deben hacer para que la pasión amorosa no desaparezca.

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