Hay un momento en la vida donde la infancia vuela por los aires y deja paso a la edad adulta. Es inevitable. Se produce, generalmente, por un hecho puntual, una persona que se cruza en nuestro camino, una experiencia única o una acción determinada que actúan como detonante de semejante cambio, el cual dinamita la perspectiva que se tenía hasta ese instante.

Esto y mucho más sucede en Mud, la última película del aclamado director de Take Shelter, Jeff Nichols, que sedujo a los asistentes al pasado Festival de Cannes. Sin duda estamos ante la cinta más refrescante de lo que llevamos de verano, donde se dan cita la adolescencia, el amor, la amistad, la familia y la obsesión por el pasado. Todo ello mezclado con maravillosos paisajes del sur estadounidense (Mississippi), que atrapan desde los títulos de crédito y vuelven a dejar claro el gran manejo de la cámara del de Arkansas.

Para este film, Nichols se ha rodeado de un más que interesante elenco de actores, donde destacan Michael Shannon (Revolutionary Road, Boardwalk Empire, Take Shelter), fijo en las películas del cineasta, un animal de la interpretación con papel secundario en la ficción y una frase aplastante digna de recordar; Matthew McConaughey (U-571, Tiempo de Matar, Killer Joe), sencillamente increíble en un registro que le aleja de su faceta de seductor, dando vida al misterioso y cautivador Mud, el antihéroe atrapado por la obsesión de un amor que no consigue olvidar y que destapa la caja de truenos; Reese Witherspoon (Una rubia muy legal, En la cuerda floja, Pleasentville), la más destacada de las presencias femeninas en la historia y que atormenta al “inocente” Mud; y Sam Shepard (Blackthorn, Días del cielo, Magnolias de acero), encarnando a un personaje de pasado desconocido y con fuerte empaque en pantalla, donde se deja notar y mucho.

Capítulo especial merecen los verdaderos protagonistas de la historia. La pareja de adolescentes Ellis (Tye Sheridan) y Neckbone (Jacob Lofland), que evocan a los Tom Sawyer y Huckleberry Finn de los que el genio Mark Twain se sentiría realmente orgulloso. Ellos son el motor de la trama. A través de sus ojos y sus emociones nos embarcamos en ese viaje que transcurre de la alocada e irresponsable infancia a los varapalos y la aflicción de la inevitable madurez. Un crecimiento personal que en ocasiones recuerda a la también aplaudida Winter’s Bone ( Debra Granik, 2010) e incluso a la mítica Cuenta Conmigo (Rob Reiner, 1986), donde se recreaba a la perfección la fuerza de la amistad durante esta etapa de la vida.

Con diálogos sencillos y fluidos, Nichols logra crear un guión a todas luces creíble y dinámico que mantiene la tensión de principio a fin, atrapándonos en la butaca y dejando una sensación única a su conclusión. Como guinda final, la música compuesta por David Wingo, que incluye temas de rock-folk para adentrarnos, aún más si cabe, en esos "horizontes de grandeza" sureños que tanto han dado al cine, la literatura y la música del siglo pasado.

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Digo bien, original. Lejos de las clásicas matanzas perpetradas por los muertos vivientes (La noche de los muertos vivientes, El amanecer de los muertos, Guerra Mundial Z), Manuel Carballo (La posesión de Emma Evans) se ha adentrado con valentía en un género que ya parecía trillado para darle una novedosa vuelta de tuerca y conseguir un cinta fresca, que rompe todos los moldes hasta ahora conocidos.

En esta ocasión los zombis no son los protagonistas si no la excusa perfecta para crear una historia de amor e intriga con muchos tintes de actualidad. Retornados -cooproducción de España y Canadá- va más allá de la sangre, las explosiones y la violencia física de estos devoradores de carne humana. De hecho, este tipo de escenas son muy excepcionales durante la más de hora y media que dura el filme, algo que se agradece en una época donde las películas rebasan sin ton ni son horas y horas de metraje.

Como punto de partida, tras la presentación de los personajes clave, nos encontramos con un virus que ya ha sido atajado y controlado. Sin trampas, existe tratamiento y cura desde el minuto uno, pero eso sí costoso, lo que obliga a las autoridades a recortar su suministro (¿les suena?) con el consecuente peligro de expandir una enfermedad que convierte en zombi a todo el que ha sido contagiado.

A partir de entonces y de forma vertiginosa, el cineasta nos empuja a una lucha por la supervivencia donde se conjugan emociones tan simples como el miedo, el amor, la venganza y la traición. Toronto (Canadá) ha sido el principal enclave elegido por el director para el desarrollo de los acontecimientos, y eso se nota en la fotografía de una gran ciudad que acompaña al argumento.

El guión, pues, es bastante dinámico, aunque en algún momento sufre ligeros altibajos. El gran debe de esta original puesta en escena lo encontramos en unos actores -salvo a Shawn Doyle, asesino en serie en Frequency, desconocía a todos por completo- que no llegan a poner toda la carne en el asador. En muchas ocasiones están faltos de expresividad, y el único que llega a destacar en esa simpleza interpretativa y entiende a lo que se juega en la cinta es Kris Holden-Ried -sorprendente parecido con el cantante de Coldplay, Chris Martin-, en una más que decente interpretación de "retornado".

En definitiva, Carballo ofrece algo más dentro de un género que se presta poco a la innovación, y eso verdaderamente se agradece. Con sus defectos y virtudes, Retornados se deja ver y consigue entretener, lo mínimo que se puede exigir de una película y que bien cuesta una entrada de cine.

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Con guión de Terence Winter -el mismo que ha escrito episodios de Los Soprano y creó Boardwalk Empire-, el filme está basado en la autobiografía de Jordan Belfort, un extravagante agente de bolsa, famoso por sus alocadas fiestas y una ascensión meteórica en el terreno de los negocios. No en vano, a sus 26 años logró lo que cualquier ser humano en su sano juicio anhela conseguir: hacerse asquerosamente rico. Aunque los medios no sean del todo lícitos -qué rico es honrado y honesto-, algo que rápidamente atraerá la mirada de los cazadores del FBI.

"Sí, a diario consumo suficiente droga como para sedar a Manhattan, Long Island y Queens... por un mes". Este tipo de frases evidencian un personaje peculiar y en ocasiones grotesco, adicto al sexo y la depravación, al que Leo da vida en la que probablemente sea la mejor interpretación de su carrera hasta la fecha.

Di Caprio no era nuevo en estas lides, ya que en Atrápame si puedes interpretaba un rol semejante. Sin embargo en esta ocasión lo tenía más difícil, atendiendo a los rasgos personales que definen al personaje central. Alguien que, no olvidemos es un delincuente, pero cuyo magnetismo hace que llegues a entender y compartir algunos de sus actos - "No hay nobleza en la pobreza. He sido un hombre rico y un hombre pobre, pero escojo la vida de rico a cada momento", una frase que suscribe hasta el más idealista de los humanos-.

De esta forma y en un ejercicio de madurez absoluta, Leo borda su actuación, coronando la cima de su trayectoria cinematográfica. Tal es la superioridad que envuelve a su figura, que en ocasiones pareces estar viendo al Jack Nicholson de Alguien voló sobre el nido del cuco junto al Robert de Niro de Casino, pero en una sola persona.

Mención especial merecen Matthew McConaughey (Killer Joe, Mud) y Jonah Hill. El primero comparte plano con Leo en una secuencia que quedará grabada en los anales del séptimo arte. Poco más de diez minutos le bastan para demostrar el buen momento de forma que atraviesa su carrera. Por su parte Hill (Supersalidos, Moneyball) deja patente una vez más su dominio de registros cómicos, asemejándose mucho su rol a los papeles que caracterizaron la carrera de Joe Pesci junto a Scorsese.

Solo la historia podrá juzgar el verdadero nivel de esta cinta. Lo cierto es que los amantes del cine de Marty, como un servidor, no pueden sentirse defraudados, ya que El lobo de Wall Street es cien por cien Scorsese. Una película necesaria para entender muchos de los males que nos acucian en la actualidad. Eso sí, en clave de humor negro, que inevitablemente hará disfrutar sin límites, aplaudir y alabar, una vez más, al maestro neoyorkino. Gracias, Marty.

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La publicidad es un mundo sin escrúpulos. Un reflejo de lo que representa el capitalismo más feroz. O al menos esa es la perspectiva general que se tiene de ella. La meta de cualquier buen publicista que se precie es vender el producto sin importar por un instante los métodos utilizados y si éste es bueno o no. En definitiva, poner en práctica la célebre cita atribuida a Maquiavelo: "El fin justifica los medios".

Sin embargo, los riesgos que se corren son muy altos. Entre ellos, el de caer en los brazos de la paranoia y sucumbir al sistema. Esto último es lo que le ocurre a Dennis Dimbleby Bagley, un joven y ambicioso publicista londinense al que da vida, de manera eficaz, Richard E. Grant en Cómo triunfar en publicidad, de Bruce Robinson (Diarios del ron). Además de contar con la breve aparición de un inédito Sean Been -Boromir en El Señor de los Anillos-.

El cineasta británico aprovechó el éxito de su magnífica opera prima Withnail y yo -antes ya había escrito una joya del séptimo arte como Los Gritos del Silencio-, donde repetía con Grant, para construir, con menos acierto que su predecesora, otra comedia a caballo entre la parodia y la crítica social.

El director recurre al absurdo para denunciar la dictadura de las grandes corporaciones que van imponiendo, a través de la publicidad, distintos estilos de vida. Un tema que más tarde pondría de manifiesto, con más acierto, David Fincher en El Club de la Lucha.

Y a decir verdad es un hecho. Acaso no es cierto que, con nuestra tácita condescendencia, estas empresas han creado una realidad tergiversada para inculcar la cultura del consumo. Falsas necesidades y un deseo por poseerlo todo se ha instalado en unas vidas en apariencia libres. Lo que el pobre Bagley denominaba, antes de ser arrasado por el sistema personificado en el grano, "la guerra de la hamburguesa".

Robinson lleva a cabo una apuesta sin duda arriesgada para criticar al sistema y por añadido, la pasividad de la sociedad ante este bombardeo masivo de publicidad. El histrionismo de Richard E. Grant ayuda a crear ese personaje ambivalente que sucumbe al imparable capitalista moderno y arrollador. Él, junto al trasfondo del argumento, son las principales bazas de esta comedia disparatada que peca de excesos.

Entre ellos, la exagerada evocación al surrealismo y la incoherencia como recurso para transmitir la idea principal. Lo que al comienzo parece innovador, al tiempo se convierte en repetitivo, culminando con un soliloquio final apocalíptico que deja un regusto amargo pese al dulce inicio.

Una premonición de lo que posteriormente sería la vida artística de este cineasta, poco prolífico en la filmación de películas -cuatro en total- a raíz del éxito cosechado en Withnail y yo. Sin ir más lejos, su último trabajo hasta la fecha, Diarios del ron, pasó totalmente desapercibido tanto para público como crítica, lo que pone de manifiesto que Robinson no siguió los consejos necesarios para convertirse en un triunfador.

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