Nanni Moretti regresa al terreno del drama familiar con Mia madre, seleccionada en el Festival de Cannes 2015. Se trata de un relato que claramente nos trae de vuelta al director de La habitación del hijo, con una trama que vuelve a tener como ingredientes principales a la familia y la muerte.

Lo principal que aquí cambia con respecto a su ganadora de la Palma de Oro, es que Moretti cambia la perspectiva con la que el ser humano lidia con la muerte, mientras que en La habitación del hijo esta se anuncia de forma inesperada haciendo que los personajes tengan que enfrentarse a ella sin estar preparados, en Mia Madre es todo lo contrario, la muerte se anuncia mucho antes de su llegada por lo que esta vez la batalla viene antes y no después, esta vez tenemos a unos personajes que buscan estar preparados cuando el momento llegue, en este caso dos hermanos que deben dedicarse a su madre enferma la cual tiene los días contados.

Si bien es cierto que se busca enfrentar a la muerte bajo otro punto de vista los personajes y la trama navegan hacia la misma dirección que en La habitación del hijo, existe nuevamente la crisis familiar, los recuerdos que te marcan con la persona que te deja, desestabilización emocional que afecta tanto a nivel personal como laboral, hasta llegar a la reconciliación con uno mismo, aprender a aceptar el deceso y seguir con el camino de la vida.

Ahora, aunque el camino es el mismo, los resultados no lo son, sobre todo por la parte que se enfoca en la etapa laboral del protagonista, que en el caso de Mia madre corresponde a casi la mitad del metraje. Esta parte del filme se siente distante y no emociona como debería, se nota trabajo en el guion pero me aleja de la historia, sobre todo por el personaje que interpreta John Turturro que me ha irritado en más de una ocasión. Por otra parte cuando el relato se enfoca en la relación de los hermanos con su madre la cinta crece enteros, se siente una narrativa más intima y logra llegarme en varias escenas, sobre todo cuando están juntas en pantalla Margherita Buy y Giulia Lazzarini.

Moretti regala un nuevo relato de meditación acerca de lidiar con la muerte y el proceso para llegar a una resignación necesaria, no se encuentra al nivel de La habitación del hijo, aun así Mia madre es un producto muy destacado sobre todo en sus momentos más íntimos.

Tras la enigmática AETHRA, el cineasta Toni Morejon nos vuelve a sumergir en una nueva historia; que como en su primer corto, necesitara de toda la atención del espectador para no perderse un detalle no solo de la historia sino de los magníficos recursos cinematográficos que utiliza de forma muy aplaudible.

En AETHRA ya nos había dado muestras de su gran habilidad para crear planos hermosos y sugerentes, nuevamente el estilo visual tan cuidado sigue presente en Vacuity, sin embargo Morejon va un paso más allá en este segundo trabajo demostrando que es además un muy buen narrador de historias atrapando al espectador desde el primer segundo del metraje. Su habilidad de sugerir es sin duda uno de los puntos más favorables del corto, y es que consigue imágenes llenas de fuerza reforzando una historia muy interesante.

Claramente Vacuity esta dividida en dos partes, la primera con más acción donde se puede ver claramente influencias en el cine de Winding Refn, sin embargo yo me quedo con la segunda parte donde empieza el giro de la historia para hacernos dudar y sumergirnos aun más mediante diálogos eficaces, este segmento recuerda mucho al director Christopher Nolan, lo cual no es de extrañarse pues el director afirmo en una entrevista que los autores de Drive y Memento fueron de gran inspiración para este proyecto lo cual se nota a nivel visual como de historia.

Gran trabajo de montaje así como la música adaptándose sin querer tomar el protagonismo.

Vacuity es un producto notable que puede ser el primer paso de una carretera muy prometedora pues creo el cine español necesita más de este tipo de propuestas, arriesgadas y que combinen el cine de autor con el comercial.

Ser el primer filme mexicano en live action realizado desde su concepción en 3D es la carta de presentación con la que llega Más negro que la noche, remake de la película del mismo nombre hecha por Carlos Enrique Taboada en los 70s, la cual es considerada por muchos expertos como una de las mejores películas de terror de nuestro país.

Tras la muerte de su tía, Greta hereda su mansión a la cual decide mudarse con tres amigas, la única condición para poder habitar la casa es cuidar de Becker, un gato negro que solía ser la mascota de su tía. Sin embargo a su llegada a la imponente mansión, sucesos espeluznantes comienzan a ocurrir a las cuatro mujeres. Esta es la premisa con la que inicia Más negro que la noche, que si bien se trata de un remake, no es una copia como tal del filme original, ya que el director y guionista Henry Bedwell decide darle un giro a la historia a partir de la mitad de metraje.

Bedwell promete terror y sustos, y al menos eso intenta desde el inicio hasta el último segundo del metraje, buscando crear una atmósfera macabra donde en cualquier momento el espanto puede hacerse presente, con una fotografía llena de oscuridad y sombras. Sin embargo de aquí emana el primer error del filme, en su provocación total por asustar al público se pierde cierta naturalidad en los sustos, todo es demasiado artificial tanto en la realización como en la narración de la historia.

El segundo error viene en el mismo que cae el 99% de las películas de terror que se hacen hoy en dia, creyendo que la mejor fórmula para conseguir un susto es elevando el sonido inesperadamente con un movimiento de cámara rápido para dar paso a una imagen que haga pegar el grito; y si, puede funcionar en el momento, el problema es que pasando la sorpresa el terror se evapora por completo. No hay terror psicológico, no hay un golpe de horror a la mente del público cuando los créditos finales aparecen en pantalla, no habrá pesadillas en los sueños del espectador pues el terror es momentáneo, no se queda grabado.

A nivel narrativo la primera parte del film cumple acertadamente, con la presentación de los personajes, el desenvolvimiento de la historia para finalmente dar paso a las bombas, sin embargo con la llegada del climax todo se escapa por completo de las manos del director, comienzan una serie de sustos cada cinco segundos para intentar no dar respiro, pero lo único que hacen es sofocar a un espectador que ya ve todo muy rutinario y cansino, ni siquiera las escenas fuertes visualmente (muy bien hechas eso sí) consiguen el impacto que deberían.

Interpretativamente las cuatro actrices principales no poseen la fuerza que se necesita en un filme de este tipo, siendo opacas en cada secuencia por la roba escenas Margarita Sanz que encarna a Evangelina, la extraña sirvienta de la mansión.

En lo que respecta al 3D está bien hecho en muchas escenas aunque tampoco es necesario verla en este formato, aunque hay una secuencia en específico que con la ayuda de efectos visuales es muy agradable para la pupila, pero no es suficiente para justificar esta técnica.

Más negro que la noche termina por ser entretenida pero es fallida tanto en su intento por hacer asustar como en la conquista con su trama, tampoco logra rendirle homenaje al filme original, que pese a no ser perfecto era bastante interesante en su concepción de horror. Todo termina siendo muy oscuro para esta película, demasiado negro, con muy pocos rayos de luz.

http://alegatorevista.wordpress.com/2014/08/05/resena-de-mas-negro-que-la-noche-de-henry-bedwell/

No recuerdo cuando fue la última vez que vi una película dirigida por 3 directores distintos que me haya gustado, de echo no sé si alguna vez haya visto un buen filme que fuera dirigido por 3 o más cineastas, quizá las excepciones sean algunos productos animados donde este tipo de realización conjunta es bastante común, pero en action live sorprende si no se trata de una película divida en episodios, la última prueba fue Cloud Atlas que tenía serios problemas narrativos y de ritmo debido a que varios cineastas intervienen en ella.

Party Girl llega con la Cámara de Oro del Festival de Cannes bajo el brazo buscando romper la tendencia, un filme que narra la vida socialmente incorrecta que lleva Angelique, una mujer de 60 años que trabaja en un cabaret seduciendo hombres desde hace mucho tiempo.

No solo se trata de un producto dirigido por 3 personas diferentes, sino que además el trio es debutante, las mujeres Marie Amachoukeli-Barsacq y Claire Burger ya habían trabajado anteriormente en un cortometraje, ahora al equipo se une el también actor Samuel Theis para crear un trabajo conjunto en su ópera prima de los tres. Y lo cierto es que la unión es muy eficaz, compactándose para que se perciba que es un solo director el que está tras la cámara, el filme posee un adecuado pulso narrativo durante todo el metraje y no existe un elemento que distorsione unas secuencias de otras, se ve un trabajo en equipo compacto y con mucha seguridad pese a la novatez de todos.

El debate interno que propone el guion sobre las conductas del personaje principal es fascinante, un trabajo de estudio de personaje muy bien trabajado a nivel psicológico, convirtiendo a Angelique en un personaje muy profundo y complejo que da para tesis sociológicas, mientras que el resto de los personajes funcionan como simples peones que reaccionan ante las conductas de una protagonista inestable e impredecible. El final es para analizar, porque mucho dependerá del cristal con que se mire, y está claro que la intención de los también guionistas es esa, dejar sensaciones diferentes en cada espectador según su forma de vida y su definición de felicidad.

Sin embargo no todo es perfecto en su guion, ya que por enfocarse demasiado en el trabajo del protagonista se pierden varios hilos importantes, pudiéndose explotar estos con mayor garra para crear un filme más redondo, por un lado la relación que sostiene Angelique con su pareja es bien ejecutada, pero su relación con sus hijos se nota muy desaprovechada, se pudo crear una gran sub trama aquí para crear al final una mayor impacto emocional, algo que sucede pero no con la fuerza esperada.

Sonia Theis clava en su personaje y lo llena de matices en una actuación muy notable en un personaje sumamente complicado, mientras que el resto del elenco hacen actuaciones muy planas y con muy poco dramatismo, nuevamente el error vital, todo recae en el personaje principal haciendo que todo lo demás se vea muy descuidado.

Party Girl es una más que interesante; a veces brillante, opera prima de un trio de directores que se han conjuntado muy bien en equipo para crear una especie de tesis de la felicidad y la anti felicidad mediante un personaje maravilloso, ha faltado mayor fuerza y experiencia en ciertos rubros pero al final es una película con muchos aciertos dignos de destacar.

http://alegatorevista.wordpress.com/2014/08/06/resena-de-party-girl/#

No es la primera vez que Clint Eastwood entra en terrenos musicales (en cuanto al género cinematográfico), ya antes había demostrado su valía de forma superficial en El aventurero de medianoche y ya más en forma en Bird donde realizo un biopic del legendario Charlie Parker. Ahora el director llega con Jersey Boys, una cinta que narra la historia musical de Four Seasons, un grupo que tuvo gran auge en los 60s con éxitos como Big girls don´t cry o Can't take my eyes off you.

Para la narración de su Jersey Boys Eastwood toma una decisión que pudo resultar arriesgada pero que es bastante acertada, buscando hacer una especie de homenaje al cine de Martin Scorsese más específicamente a su Goodfellas, de echo podemos afirmar que se trata de un homenaje constante, desde la presentación de los personajes, el dibujo de varios de ellos, la progresión de la historia, incluso se dan pequeños guiños al cine de gangsters.

Los personajes de Eastwood miran a la cámara e interactúan con el espectador, evolucionan a través de los años y manejan de forma alterna su carrera con su vida privada, como si de un documental se tratara somos testigos de la creación de Four Seasons, de cómo se une cada uno de sus integrantes, de sus primeros éxitos, de su llegada a la fama y finalmente su caída, todo narrado de forma elegante y clasicista.

Nuevamente el director de Million dólar baby da muestras de su maestría tanto a nivel narración como su trabajo con la cámara y manejo de actores, a medio gas este señor es capaz de conseguir lo que otros a su cien por ciento, manejando fantásticamente los tiempos utilizando elipsis y flashbacks ejecutados de forma eficaz, mientras que el trabajo de cámaras es para degustar lentamente, paneos, close up, todo marca de la casa.

Para la formación del casting principal Eastwood recurre a actores desconocidos, tres de los cuales cumplen con sus papeles, mientras que Vincent Piazza (Boardwalk Empire) se come a todos sus compañeros de elenco, su Tommy DeVitto es un personaje fantástico, tan fácil de querer y tan fácil de odiar, es el motor del filme y aunque termina por ser relegado después a un papel secundario (en beneficio del personaje de Frankie Valli) es al final quien se queda en la mente del espectador.

Hablando de Tommy DeVitto, el filme no pierde oportunidad para hacer alusión a Joe Pesci cuyo personaje en Goodfellas es prestado del integrante de Four Seasons, abriendo incluso la relación entre el actor y el músico. Frank Sinatra y Ringo Starr son otros de los mencionados en este filme, incluso a modo de cameo Eastwood aparece unos segundos en pantalla.

El punto débil de Jersey Boys viene en un guion bastante elemental, justito y poco trabajado en personajes y diálogos, por momentos hace más fuerza y carisma en la historia y en sus protagonistas (sin contar a DeVitto), aunque bien el filme posee uno que otro chiste que harán soltar la carcajada. Todo termina siendo muy predecible. También hay que decir que la parte inicial se pudo haber pulido más a nivel narrativo, media hora en la que Eastwood tarda en hacerse por completo de la historia sintiéndose un poco tropezada, terminando este bache el ritmo es excelente. Christopher Walken por su parte no pinta nada en la película, pasado de rosca en todas sus escenas.

No, no se trata del Eastwood de Unforgiven, Million dólar baby o Letters From Iwo Jima, tampoco el de Los puentes de Madison, Un mundo perfecto o Changeling, Jersey Boys viene a unirse a sus filmes menores como Deuda de sangre o Flags of our fathers, pero sí de esta calidad son los filmes menores de esta leyenda de la dirección, por mí que siga en activo otros diez años más. Eso sí; cuando vuelva a tener un guion a su altura, atención señores, atención.