Desde los primeros planos en travelling mostrando los distintos barrios de París y siempre con la torre Eiffel como constante la película tiene un encanto único. Truffaut combina muy bien ciertas escenas cómicas (casi siempre en la escuela) con otras muy drámaticas y líricas (la escena final roza lo insuperable). La banda sonora encaja a la perfección y sabe perfectamente cuando enternecer o endurecer una imagen. La fotografía es espléndida, la elección del blanco y negro no sólo da a la película un corte clásico sino que refleja mejor el estado emocional de Antoine e incluso embellece su rostro.

Pero la mayor virtud de esta película es cómo el genio francés logra, con pequeños trazos, crear un lienzo sobre la falta de afecto que muchos envidiarían. La película no va de nada más que de eso, el director podría haberla hecho más cruda y explícita incluyendo violencia familiar y demás recursos fáciles a la hora de contar un drama infantil, pero no, aquí todo es sugerido y soterrado, vemos en la cara del niño su falta de calor, en sus acciones impulsivas, en la lágrima que le cae por la mejilla. Rechazado en su hogar, rechazado en la escuela, incluso en sitios que no le pertenecen. Vagando sin rumbo y sin ideas claras, pues es un niño, intentará salir adelante, cumplir su sueño, ver el mar, el único lugar donde uno se siente libre.

Bergman, en un principio, quería hacer la película, o la mayor parte de ella, en completa oscuridad y que un foco iluminase a las dos protagonistas, una idea sobresaliente que no pudo ser, es una pena porque habría creado una atmósfera insoportablemente psicológica, si no lo había hecho ya antes.

La película sólo trata del abandono en la infancia y el posterior rencor y deterioro emocional, Bergman escribe de una forma precisa, el reproche 'in crescendo' de hija a madre es sórdido, triste, terrorífico (teniendo en cuenta que el único recurso descriptivo son las palabras).

En esta película Bergman mitifica "su plano". Cada director suele tener preferencia por un tipo de plano, a Haneke le encantan los planos estáticos largos, a Kubrick los planos generales y la utilización del zoom, pues bien, el plano de Bergman es el plano en profundidad; consiste en enfocar a una persona en primer plano, en este caso sería Ingrid Bergman, que es la persona atormentada/culpable, se encuadra a la segunda persona con un plano medio, que es la persona atormentadora/conciencia, la primera persona está fija, sufriendo, la segunda está detras moviéndose y castigando, logrando así atormentar, de paso, al inocente espectador. Y es que Bergman es un mago a la hora de aunar imagen y texto. En el filme el monólogo de Ullmann va aumentando de crudeza como también lo van haciendo los planos y la colocación de los personajes, (la extenuación a la que llegan las protagonistas se ve reflejada cuando Ingrid está tirada en la alfombra) el genio sueco sabe de sobra cuando el espectador está psicológicamente conmocionado y, lejos de la indulgencia, amplía un poco más el primer plano de Ingrid a la vez que a su espalda se escucha un reproche más sórdido que el anterior. De entre todas las películas que he visto de Ingmar en ésta es donde hay menos clemencia.

Resumiendo, impresionante y muy turbadora, si hubiese añadido el mencionado foco estoy seguro de que el número de suicidios en los últimos 32 años habría aumentado.

¿Cuál es el problema de falsear la historia? el cine es una ilusión, aun estando basado en hechos reales las personas que se mueven en la gran pantalla no dejan de ser actores y el fondo decorados. Que Tarantino cree una ilusión y ésta a su vez sea ficción no debería molestar a nadie.

Dejando de lado esta pequeña aclaración voy a comentar algunas cualidades de la película. El filme, aunque con toques de humor ácido, no deja de ser un thriller, el manejo del tempo en la escena inicial y en la escena de la taberna son magistrales, en total casi cuarenta minutos en dos escenas con un ritmo sobrio y muy inquietante. Hichcock definía la tensión cinematográfica con una simple escena, dos personajes sentados en una mesa y mostrar un plano de una bomba debajo de ella, de esta forma el espectador sabe más que los propios personajes y siente preocupación por ellos, la tensión está servida. En las dos escenas mencionadas ocurre algo parecido, solo que la tensión in crescendo haría sonrojarse al mismísimo genio británico. Genial también el capítulo de la venganza judía, con una originalidad y un humor negro nunca vistos.

En cuanto a los aspectos técnicos, la fotografía muestra un dibujo compacto y cromático que ameniza la historia, la utilización de la música, en ocasiones extravagante e incluso montando canciones cronológicamente posteriores a la época del relato, da un toque casi de culto a la cinta, algo que se le da muy bien a Tarantino. Sobre la dirección, decir que, en mi opinión, es la mejor de entre todos sus filmes, Quentin gana precisión con la cámara año tras año y lo demuestra sobre todo en el clímax de sus películas (Kill Bill vol. I), juega con la paciencia del espectador sin apenas palabras, describe un preludio magnífico sirviéndose de algunos planos secuencia no muy naturales (pues la cámara pasa por encima de las habitaciones lo cual hace ver al espectador que se trata de un decorado) pero sí elegantes y precisos, cada segundo del tercer acto es mejor que el anterior.

Respecto a las actuaciones evidentemente me quedo con la de Waltz, no sólo por que crea un personaje único, sino por su extraordinaria capacidad para manejar diversos idiomas con sus respectivos acentos.

En definitiva si le gusta el buen cine y sabe distinguir la historia de la Historia tiene que verla ya. (Verla en versión doblada sería un ejercicio de risoterapia muy adecuado si padece depresión).

Azul, el color del mar, símbolo de la libertad, profundo y bello, como el rostro de Binoche, como la música de Preisner, como la sobriedad narrativa de Kieslowski. Dicen que si flexionas las piernas y abrazas tus rodillas bajo el agua, sin respirar, congelas el tiempo, vuelves al útero, se olvidan los problemas. Pero tarde o temprano tienes que salir y coger aire, si no lo haces te ahogas. Monumental obra de arte del genio polaco, trístisima y bellísima, la sinfonía incompleta de su difunto marido resuena en la cabeza de Julie trayéndole todos sus buenos y dolorosos recuerdos, no debería escucharla, pero, ¿cómo no escuchar algo así? es el masoquismo que nos impide olvidar lo que amábamos y ya no está, haciéndonos caminar en círculos. Obra maestra, de una sensibilidad estremecedora.

Es necesario que para exponer mi crítica deba previamente situar la visualización de esta obra de arte en su debido contexto. Estoy en un avión rumbo al Caribe, la azafata anuncia por el altavoz que se proyectará "Novia por contrato" en unos minutos, cojo la revista de información fílmica y leo el elenco de actores, previamente había pensado que juntar a semejantes despropósitos en un filme sería una muestra de valentía, sonrío para mis adentros, me dispongo a verla con toda mi buena intención. Comienza la peli, las situaciones futuras las imagino en mi cabeza juntando los clichés más simples que se me ocurran, la pantalla corrobora mis imaginaciones, o sea que estoy viendo la peli dos veces (es mejor mi película), a la media hora, pensando en acabar con mi sufrimiento miro detenidamente la manilla de emergencia, aguanta hombre no será para tanto, a la hora pido un par de copas a ver si cambiando el prisma cambia también el objeto, pero no, el comercial y homogéneo producto sigue intacto; al rato por fin llega el final para nada previsible, en una escena que hará sonreir a cualquiera, a unos de satisfacción y a otros por vergüenza ajena.

Si usted está dentro del primer grupo vaya a su cuenta y autoelimínese haciendo un favor a todo el gremio.