Desde Irán, Asghar Farhadi compone desde el guión y la dirección, una película que ha traspasado toda frontera, demostrado su buen hacer a través de los más prestigiosos festivales europeos donde ha cosechado galardones sin fin, así como cruzado el Atlántico y recibido incontables premios que se suceden si aparente fin.

El film nos cuenta la historia de Nader y Simin, una pareja con un serio problema. Por el bien de su hija, su madre decide abandonar el país para darle una vida mejor. Por su parte, el padre, se niega a partir de Irán dejando atrás a su progenitor, pues sufre Alzheimer y ha de cuidarlo. La separación entre ambos consortes es inminente, pero al no llegar ambos a un acuerdo, ella comienza por marcharse a vivir a casa de sus padres. Sin su esposa, Nader se ve sobrepasado por las obligaciones y se ve en la necesidad de contratar a una mujer para que le ayude en las tareas que no tarda en encontrar. Todo puede estabilizarse, pero, al contrario, comienzan las sorpresas y la familia se verá enredada en problemas aún mayores que la (en absoluto) simple separación del matrimonio.

Contra todo pronóstico, lo que hallaremos en “Nader y Simin: Una separación” es, en esencia un thriller que, partiendo de una serie de elementos de lo más comunes y gracias a un magistral guión, va enredando a los personajes y el espectador en una espiral de tensión con la que, pese al abismo de la diferencia cultural, no resulta difícil empatizar y sufrir con los protagonistas. Sin duda las interpretaciones de los actores de la película está cargada de autenticidad y emoción, la química entre ellos es estupenda y aportan una gran credibilidad a la historia. Por supuesto, tras la siempre sorprendente trama, ora judicial, ora familiar, subyace el dibujo del director de la sociedad iraní, y cómo cuestiona la unidad política y social, mas sin aburrir ni desviar la atención del espectador de la historia que realmente quiere contar. Un ejercicio de buen cine, que si bien parte de una pequeña historia, conquista, y vence.

-Enoch-

El director Hirokazu Koreeda, conocido por sus numerosas obras como “Still Walking”, “Hana”, “Nadie Sabe”…etc. Firma esta obra entrañable protagonizada por el dúo cómico infantil Maeda Maeda. Presentó su buen hacer en la 59 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en cuya sección oficial a concurso fue esta película una de las favoritas, sobre todo para el premio a su director, pero finalmente tuvo que conformarse con el premio a su guión.

La mágica historia de la película gira en torno a los dos niños protagonistas, dos hermanos que sufren la separación debido al divorcio de sus hacedores y ven cómo la distancia se abre entre ellos al ir uno a vivir a Fukuoka con la madre y el otro a Kagoshima con el padre. La comunicación entre ellos es continua y la voluntad de reunirse y conseguir que su familia vuelva a ser una única unidad es enorme. La solución a sus anhelos parece materializarse con la inminente apertura de la línea férrea que unirá las ciudades donde ambos habitan, pues una leyenda versa que, cuando los trenes en ambas direcciones se crucen un milagro puede ocurrir y los deseos verse cumplidos. Pronto comenzarán a urdir planes para hacer de este mito, una realidad.

“Kiseki” es una dulce fábula sobre la familia y los lazos que la unen, sobre la amistad, sobre los sueños. Una película cargada de sensibilidad pero alejada del melodrama y la lágrima fácil, libre de sentimentalismos inútiles y de moralejas ni valoraciones morales, pero más que capaz de conmover y emocionar, mas sin perder la sonrisa.

Un valor destacable de la película es su íntegro reparto (Ohshirô Maeda, Koki Maeda, Hiroshi Abe, Jô Odagiri, Yoshio Harada, Masami Nagasawa, Yui Natsukawa, Kirin Kiki, Isao Hashizume, Nene Ohtsuka) que realiza unas actuaciones dotadas de una naturalidad que traspasa la pantalla, que añade un plus de “verdad” a esta historia. Por supuesto, sobre todos ellos, los dos niños protagonistas y motor de la historia, consiguen una galería de matices en sus actuaciones que despiertan la empatía y complicidad del público desde la primera escena.

Si algo se puede decir en su contra es que el desarrollo, así como el desenlace, del film está alargado en exceso, y no siendo una historia demasiado compleja implica un ritmo tan pausado que puede llevar al espectador al tedio. Bajo mi opinión personal, y pese a valorarla, en su conjunto, como una buena película, opino que debiera ser más ágil y que contar lo mismo en un espacio de tiempo más reducido hubiera generado una mayor sensación de satisfacción a un espectro mucho más amplio de público. De cualquiera de las maneras, Koreeda vuelve a firmar un producto de calidad y demostrar su buen hacer para el cine. Interesante.

-Enoch-

Julie Delpy, la actriz que ganara renombre internacional con films como “Antes del Amanecer” , “Antes del Atardecer” o “Tres colores:Blanco”, entre otras muchas, y demostrara su valía como directora con películas como “La Condesa”, “2 días en París”…etc presenta en la 59 edición del Festival de Cine de San Sebastián su obra “Le Skylab”, de la que también se erige como guionista. Un muy personal trabajo que le valió la mención especial del Jurado endicho certamen.

La película nos narra los recuerdos que surcan la mente de Albertine, una mujer a bordo de un tren acompañada de su marido y sus hijos. Viaja su mente a la infancia, cuando, a los diez años, realizó el mismo recorrido con destino Bretaña para asistir al cumpleaños de su tía Suzette donde se reúne toda la familia. En aquel momento de su niñez todos fantaseaban con el Skylab, la primer estación espacial americana, aunque, para algunos, representaba más una pesadilla temiendo que se estrellara sobre ellos…

“Le Skylab” es una película amable, que asienta sus pilares en la nostalgia del pasado recreando en esta familia, que pudiera ser cualquier familia de cualquier lugar, un ayer con el que resulta sencillo empatizar y recordar con una sonrisa en los labios. Un aspecto a destacar de la producción, y uno de los más fundamentales, además del guión que hila toda relación y situación es la interpretación de todos los integrantes de esta alocada y a la vez normal familia: Lou Álvarez, Eric Elmosnino, Aure Atika, Noémie Lvovsky, Bernardette Lafont, Emmanuelle Riva, Vincent Lacoste, Marc Ruchmann, Sophie Quinton, Valérie Bonneton, Denis Menochet, Jean-Louis Coullo'ch, Michelle Goddet, Luc Bernard, Candide Sánchez, Karin Viard, Noah Huntley, y entre todos ellos, también la directora, Julie Delpy reviviendo, en cierta forma su propia historia personal a través de su actuación. El reparto coral destaca, tanto los adultos como los niños realizan un trabajo digno de elogio, sin duda.

El vestuario, los pequeños detalles de la ambientación , y sobre todo, la música, nos atrapan en este viaje en el tiempo y nos ubican perfectamente en la época. Quizás lastre al proyecto la falta de un hilo argumental más definido, un hilo conductor, y pueda quedar suspendida en el ambiente de la sala la sensación de no haber sido testigos de una historia con un principio y un final, sino de, al apagarse las luces, ver abrirse una ventana desde la que observar un tierno momento de un pasado no tan lejano y del que muchos, aún pueden recordar y añorar. Una comedia amena, bien interpretada y agradable de ver. Interesante.

-Enoch-

Juan Carlos Fresnadillo (Intacto, 28 Semanas Después) dirige esta película que cabalga entre el terror psicológico y el melodrama y que inauguró la 59 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película nos narra la historia de Mia, una adolescente londinense que tras conocer la aterradora historia de un personaje de “ficción”, carahueca, sufrirá la visita de un extraño en su casa… Simultaneamente , Juan, un niño de Madrid será víctima de terrores nocturnos y asegurará ser atacado por un ser sin rostro.
Los padres de ambos (Clive Owen, el padre de Mia y Pilar López de Ayala, la madre de Juan) tratarán por todos los medios de descubrir qué hay de cierto tras el misterio, tras las presencias “intrusas” en sus propias casas…

Técnicamente nos encontramos ante una película muy bien elaborada, con unas imágenes y una creación de atmósferas que resultan, a tramos, efectivas e incluso poderosas. A nivel de interpretación, todos los integrantes del elenco de actores que componen la película están más que correctos y crean unos personajes con los que no resulta difícil la empatía. Pero hay un gran obstáculo para que todos estos ingredientes se resuelvan en una gran película, y ese es el guión, fallido.
La idea base de la historia resulta atractiva y podía haber resultado brillante en su constante y arriesgada dualidad. Las dos historias, los dos niños, los dos padres, el mundo visto desde la oscura imaginación infantil, el mundo visto desde la fría perspectiva lógica adulta… pero la ejecución del guión para hilar todo ello termina trastabillando y resultando, a tramos, demasiado explicativo y redundante incluso adolece de una resolución un tanto dudosa. Es por ello que no termina convenciendo ni su vertiente dramática que no termina de tener calado en la sensibilidad del espectador, ni su lado más terrorífico, que si bien inquieta en diversos puntos, no hace que la audiencia abandone la sala temiendo a lo que le deparen las sombras del exterior.

Bien es cierto que Juan Carlos Fresnadillo tenía el listón muy alto y que, para muchos, “Intruders” ha podido resultar una decepción para lo que de él se esperaba, pero no por ello estamos ante una mala película, simplemente ante una que, por desgracia, “podía haber sido mucho mejor”, demasiado lastrada por quien la escribió, pero que, en conjunto, entretiene y hasta consigue generar algún que otro escalofrío… es por ello que, por mi parte, no pierdo la fe en este director y que, con un mejor guión entre las manos, aún tendrá (espero) grandes cosas que decir.
Entretenida, consumir y olvidar.

-Enoch-

Terrence Malick (La delgada Línea Roja, El nuevo Mundo…) firma el guión y la dirección de una de las películas más premiadas y, al mismo tiempo, controvertidas, de los últimos tiempos, “El Árbol de la Vida” en un intento de acercar el cine al arte con desiguales resultados a nivel, no tanto de crítica, como de opinión pública.

La película nos presenta a un hombre (Sean Penn) que reflexiona sobre su vida, y recuerda, sobre todo, su infancia y a sus progenitores, una madre amante y amada (Jessica Chastain) y un padre autoritario y severo (Brad Pitt)… pero la reflexión va más allá, hasta el inicio mismo de los tiempos, hasta el hoy, hasta el mañana y quizás el siempre.

Terrence Malick ha conseguido sin duda un notable ejercicio de virtuosismo visual con este film, donde calmas voces en off se funden con imágenes ora realistas, hora abstractas, pero siempre hipnóticas llevando al espectador en un viaje más allá de la mirada y los sentidos para perderlo en las sensaciones, contagiando una metafísica que se hace personal y donde audiencia y celuloide han de ser cómplices en el montaje de argumentos y creación de respuestas.

Es por todo ello que el hilo argumental del film es quizás lo que menos importa de la producción. Si alguna virtud encuentro a esta peculiar propuesta cinematográfica es ese arriesgado acercamiento del cine al arte, cómo la combinación de palabra, imagen y una muy cuidada selección musical arrastra la retina y mente a otros planos, otros mundos.

De hecho, y bajo mi personal opinión, aquello más prescindible de la película, o que veo extendido en exceso, son los humanos personajes de la producción, me hubiera resultado más redonda si la (por un lado imprescindible) presencia del ser humano en este “ciclo de la vida” se hubiera reducido… si contamos la historia desde el big bang ¿el hombre acaso tiene una presencia tan importante medida en tiempo de existencia? No. Soy consciente, por otro lado, de que si esa parte se hubiera recortado estaríamos directamente ante un documental, y, personalmente, pienso que eso hubiera sido un acierto y más coherente con el despliegue formal que plantea el director. Igualmente creo que hubiera evitado la tremenda decepción sentida por los millones de espectadores que se acercaron a las salas a ver una “película” de Brad Pitt y terminaron saliendo indignados por la propuesta semidocumental metafísica que encontraron… cuestión de márketing y taquilla, escasa honestidad.

En conclusión, una interesante propuesta de cine-arte para mentes muy abierta, y necesariamente, muy despiertas.

-Enoch-