Resurrección (2022) es una película de terror distribuida por la compañía especializada en el género  Shudder y dirigida por Andrew Semans (su segunda película). La obra, que sigue la estela de películas míticas como Repulsión de Roman Polanski, se ha podido ver en el reciente Festival de Sitges, donde compitió en la sección oficial. En España su estreno está previsto el 21 de Noviembre en Movistar Plus +


Rebecca Hall, que es una actriz como la copa de un pino, interpreta a un personaje que parece tener una vida de éxito. Trabaja en una empresa importante, con un gran cargo a sus espaldas (aunque por cierto nunca parece de manera definida su posición en el trabajo) y una hija con la que tiene buena relación (interpretada por Angela Carbone), a pesar de que se encuentra en esa edad difícil. Todo parece ir viento en popa en su vida.

Pero como esto es cine, habrá un elemento externo que aparecerá en la película para desequilibrar la vida de nuestra protagonista. Este elemento es su exmarido, interpretado por ni más ni menos que Tim Roth. Un personaje que proviene del pasado y que ha vuelto para atormentar a nuestra protagonista. Roth es otro de los elementos que separa a la película de los telefilmes, porque también es un actor con una presencia importante, cuya fisonomía se acerca bien a lo que exige el papel. 

Este elemento desemboca en diversas crisis de ansiedad en nuestra protagonista. La película pasa entonces por una serie de secuencias que tantas veces hemos visto en el cine, en este tipo de subgénero (pérdida de papeles en público, desconcentración en el trabajo, una policía inoperante que no puede actuar hasta que ya sea demasiado grave), que se sostiene por el buen papel que hace Rebecca Hall y que sí da la sensación de estar trastornada ante lo que está sucediendo. La Repulsión Polanskiana adaptada a nuestro siglo.

La película avanza de manera rutinaria hasta que el guion decide contar al espectador el contexto de la relación entre el personaje de Rebecca Hall y Tim Roth, con una confesión a cámara en la oscuridad, que es de lo más destacable de la película. A partir de ahí, el descenso a los infiernos se hará más pronunciado.

Porque como ya habíamos insinuado anteriormente, lo cierto es que la película no tiene un gran guion. De hecho, todo lo que vemos en pantalla puede recordarnos a muchos telefilmes que tantas veces hemos visto de reojo en ciertas cadenas de televisión de las que no haré publicidad gratuita. La puesta en escena es eficiente y tiene algún destello de ingenio, pero no lo suficiente como para hacer pasar la película por una gran obra. O como decimos en catalán, d'on no hi ha no hi raja (Qué más o menos sería un...con estos mimbres...)

Lo único relativamente destacable que encontramos en el guion es la reflexión que se realiza sobre la sumisión que se produce desde personajes sádicos masculinos hacía la mujer, pero aun así todo resulta demasiado vago como para poder hablar de una gran disección. 

Lo único relativamente destacable que encontramos en el guion es la reflexión que se realiza sobre la sumisión que se produce desde personajes sádicos masculinos hacía la mujer, pero aun así todo resulta demasiado vago como para poder hablar de una gran disección. 

Conclusión

Resurección es una película que no ofrece demasiado a una persona con un bagaje cinematográfico extenso. Quizá en su tramo final consiga poner más carne en el asador (con perdón de la expresión), pero ya es demasiado tarde para arreglar un inicio renqueante en un guion que repite cosas tantas veces vista. Eso sí, tanto Rebecca Hall como Tim Roth (e incluso la hija adolescente interpretada por Angela Carbone) están estupendas. 

Crítica escrita para Cinemagavia.es

El francotirador del Donbass (2022) se trata de una producción norteamericana y ucraniana que nos muestra la Guerra del Donbass desde el punto de vista del gobierno de Ucrania. La película está dirigida por Marian Bushan y está disponible en Movistar +. Obviamente, nos encontramos con una película que tiene la etiqueta "política" pegada en la frente.

Sí vives en un sueño profundo y aún no te has enterado, en el 2022 Rusia y Ucrania han entrado de manera oficial en guerra (aunque el gobierno ruso siga diciendo que se trata de una operación especial). Obviamente, una película bélica proveniente de uno de los dos bandos sobre el conflicto debe tomarse con cuidado, porque lo más lógico, como sucede en esta ocasión, es que nos encontremos ante una pieza de propaganda. Y efectivamente, eso es lo que pasa. Qué sea mejor o peor es otra cosa.

La película no se ubica en el conflicto actual, si no que se centra en la Guerra del Donbass, que empezó allá por el 2014. La versión de la película es muy parecida a la del gobierno ucraniano: Los soldados rusos con un simple cambio de vestimenta fueron los que invadieron la zona, infiltrándose entre la población. Evidentemente la película no hace mención al conflicto étnico existente desde hacía ya años en la zona. La película simplifica el conflicto para que sea muy digerible para todo tipo de público, y es que se nota que está dirigida no solo para el pueblo ucraniano, sino especialmente para el pueblo extranjero que apenas entiende lo que sucede en esas tierras.

El punto de vista de la película está presentado desde nuestro protagonista principal, un profesor de matemáticas procedente de la Ucrania occidental que acaba en el Donbass. Obviamente él no es como los habitantes de la zona, que lo ven como a un extranjero. En cuanto a tópicos la película concentra todos los estereotipos del habitante más occidental de Lvov en este personaje (ropa tradicional, ecologista, concienciado e incluso con tendencias religiosas neopaganas), mientras que los habitantes del Donbass son más bien lo contrario. La división entre la Ucrania "buena" y la "mala" es muy perceptible en el filme.

La película crea un casus belli de venganza (los rusos asesinan a la mujer del protagonista), y a partir de ahí se desarrolla la trama siguiendo los pasos que hemos visto mil veces en otro tipo de producciones bélicas. La película nos presenta la transformación de este profesor enrollado en una máquina de matar. Nos podemos imaginar más o menos leyendo la sinopsis por dónde irán los tiros y no nos equivocaremos.

Si conseguimos obviar la propaganda de la película (algo que para un servidor es imposible), nos encontramos sin embargo con una potente factura, que resulta sorprendente y que no escatima en gastos. Las secuencias de acción están bien dirigidas y podemos hablar de planos bien pensados. A diferencia del guion, la producción si ha cuidado detalles como la puesta en escena y aspectos técnicos.

Conclusión

El francotirador del Donbass, más que una película, es una pieza de propaganda. Con una factura técnica más que correcta, puede verse para entender ideológicamente el punto de vista oficialista del gobierno ucraniano, pero no pasará a la historia. Y sí lo hace, será por su valor histórico y no por el artístico.


Crítica escrita para Cinemagavia.es

The Ugly Swans (2006) es una de las mejores películas de Konstantin Lopushansky, cineasta ruso que es sobre todo conocido por estar considerado como el hijo espiritual de Andrey Tarkovsky, con quien de hecho trabajó en Stalker. La película, apenas conocida en España, adapta una obra de los hermanos Strugatsky, autores clásicos de la ciencia ficción soviética. No es la primera vez que Lopushansky adopataba una obra de estos hermanos, puesto que ya había sucedido antes con Cartas de un hombre muerto (1986).

Lopushansky tiene muchas cosas en común con Tarkovsky. Sobre todo, en lo que se refiere a la utilización del espacio y las ubicaciones en sus películas. En ambos casos, nos encontramos con artistas que utilizan las ambientaciones como si estas fueran un personaje más de la película. Y no uno cualquiera, sino uno principal. Pero mientras que Tarkovsky utiliza elementos diáfanos, con luz natural, en el caso de Lopushansky nos encontramos con la oscuridad, el caos y la lluvia como símbolo del hundimiento de la sociedad.

El cine de Lopushansky es un reflejo del apocalipsis ruso que se vio en dicha sociedad con el colapso económico tras la desintegración de la URSS, solo que reflejado de una manera muy personal, en la que interviene de manera metafórica elementos filósoficos y espirituales, propios de la cosecha del autor. La película está sembrada de ubicaciones aparentemente imposibles, de un mundo imaginario que ha hecho aguas. Solo con la primera secuencia en la que vemos a nuestro protagonista viajar en tren mientras contemplamos los incendios nos damos cuenta de que hay secuencias que parecen sacadas de una mente única.

Nos encontramos pues ante una película especialmente contemplativa, aunque a diferencia de las primeras obras del director, mucho más accesible para un espectador medio. En esta ocasión, más allá de la descripción lírica de un apocalipsis también hay una trama que avanza y que resulta comprensible dentro de los estándares racionales.

La película sigue los pasos de un escritor comisionado por la ONU, que es enviado a una ciudad rusa en la que por alguna anomalía que no se específica durante la película, ha surgido una nueva especie de civilización humana o mutante, que parece estar más avanzada que la nuestra. Nuestro personaje va en principio por trabajo, pero lo que le mueve es una inquietud personal, puesto que su hija se encuentra en esta ciudad.

The Ugly Swans no deja de preguntarse durante todo el metraje por aquello que nos hace humanos. ¿Qué es exactamente lo que nos diferencia? ¿Qué es el humanismo, cuando somos incapaces de aceptar el otro? La ciencia ficción, que entra en juego con la aparición de una nueva especie, que no sabemos si es la versión evolucionada de la humanidad o una raza alienígena, pero el caso es que sirve para que la propia especie humana se cuestione sobre ella misma. Y el cineasta no es optimista, porque la respuesta es la guerra. Sin embargo, algunos personajes si demuestran una personalidad en la que se vislumbra esperanza. 

Detalles de genio

La película está repleta de destellos de genialidad. Esa secuencia inicial que ya nos pone a tono, los detalles de la ubicación, el diseño de los "mutantes", los debates morales que implica la película. Es una de esas películas-experiencia que te sumergen en otra dimensión.

Conclusión

The Ugly Swans es una película que hay que ver como mínimo una vez en la vida. Puede que no te guste e incluso puede que la detestes. Pero es un viaje a lo más profundo del alma de un director que tiene una personalidad arrolladora. 

Cinemagavia.es

V/H/S 99 (2022) es la última película que se ha estrenado de esta ya conocida saga de antologías de terror, que viera su primera aparición allá por 2012. La premisa es fácil: Estamos en los años noventa y cada capítulo debe contarnos una historia ambientada en los mismos (exceptúando el último que va por libre y que por cierto es el mejor). Y como sucede con todos los filmes que contienen diversos episodios, nos encontramos con algunos que merecen la pena mucho más que otros. Así que veamos cuáles de ellos, según un servidor, sí funcionan y cuales no.

La nostalgia se ha convertido en fuertísimo reclamo comercial en todos los ámbitos del cine de Hollywood. El cine de terror no ha dejado de lado todo esto, y V/H/S 99 es una auténtica oda a la cultura de los años noventa. Pero no la real, sino la que recuerdan los propios cineastas por supuesto, y entremezclada con sus propias pesadillas. La película persiste tanto en esta ilusión por evocar esos años que el formato se adapta totalmente a esa idea, con un continuo filtro que luce la película desde principio a fin. Por supuesto, también se intenta imitar la textura del propio formato de vídeo, con esos "borrones clásicos". Hay que comentar que el nexo conector de los diferentes episodios es quizá uno de los más tenues de toda la saga, lo que desde luego no es un punto positivo

Conceptualmente, muchos de los capítulos respiran precisamente ese ambiente noventero, como es el mismo primer episodio:

Avril Lavigne y las supernenas

El primer episodio de la película está dirigido por Maggie Levin. Este fragmento utiliza la vena nostálgica de los años noventa en su faceta musical, parodiando de manera muy cínica esos grupos que iban de rebeldes pero luego salían por la MTV. Y quizá donde acierte más el cineasta sea en este aspecto, porque lo que es el terror no deja de ser una historia convencional, donde el espectador tendrá lo mismo de siempre. También es destacable los efectos prácticos, aunque en líneas generales este episodio es prescindible. 

El Ataúd

Johannes Roberts sigue con el segundo episodio en un fragmento también prescindible, que nos cuenta una historia todavía menos interesante que el primero. Un cortometraje que ni siquiera merecería estar dentro de un proyecto universitario.

Flying Lotus, un músico y productor discográfico, que solo había dirigido una película y precisamente había causado una gran polémica, Cuso, se encarga de dirigir uno de los mejores episodios. En esta ocasión se parodia los concursos infantiles en los que se prometía un premio para el chico ganador, después de que este resuelva la gincana correspondiente. El episodio es espeluznante, creando una atmósfera que le da la vuelta a esos "felices" años noventa para mostrárnoslos desde un punto de vista totalmente enfermizo (por momentos parece que estamos en una pesadilla pasada por efecto de las drogas), en el que también hay momento para la venganza. Como ya sucediera con Cuso, Flying Lotus domina muy bien las teclas para tocar la sensibilidad del espectador, y además teniendo en cuenta que en esta ocasión lo tenemos en una dosis mucho menor, la coherencia es mayor y no hay la dispersión narrativa de la anterior película.  

De Piedra

El penúltimo fragmento pertenece a Tyler MacIntyre y se trata de un episodio que en teoría hace de interludio entre todos, aunque como ya hemos dicho el nexo de unión es pobre. Es un episodio que se disfruta por su humor estúpido y sin pretensiones, pero que a la hora de la verdad no sabe muy bien como finiquitar la historia. También prescindible.

Bienvenidos al infierno

Y el último y quizá mejor fragmento está dirigido por la pareja Joseph y Vanessa Winter, quienes nos presentan literalmente una bajada a los infiernos. Y la verdad es que esté infierno es verosímil. Yo desconozco la ubicación en la que se ha grabado, pero tanto el lugar como los diferentes engendros que desfilan a lo largo del episodio resultan de los más fresco en el cine de terror que se ha visto en mucho tiempo. Y tampoco se nota que haya un gran presupuesto detrás, sino más bien que estos dos directores demuestran un gran cariño por el género, así como unas ideas muy concisas sobre lo que hay que hacer y cómo llevarlo a cabo. Solo por este episodio el visionado del filme está justificado. 

Conclusión

V/H/S 99 no es la mejor película de esta saga de antologías del terror, pero tampoco es la peor. Si te gustan las anteriores no debes perderte esta y si no eres muy fan puedes simplemente verte el tercer y quinto episodio, que son los mejores.

Crítica escrita para Cinemagavia.es

Grimcutty: Asesino implacable (2022) se trata de una película dirigida por John Ross y basada parcialmente en el Creepypasta de Momo, así como otras historias de terror virtuales (algunas con ciertos visos de realidad, como la Ballena Azul). La película ha sido estrenada directamente en la plataforma digital Hulu (disponible en España en Disney+) y a pesar de lo que puedan pensar en un primer momento, les aseguro que está película tiene más de lo que parece a primera vista.

Una cosa que hace muy bien Grimcutty, y que pocos han sido capaz de ver, es que la película adapta muy bien lo que es el espíritu de los Creppypastas. Estas historias online, están hechas por adolescentes y para adolescentes. Ellos son su público consumidor. Y por lo tanto, tenemos también un punto de vista hecho desde sus coordinadas vitales. Porque sí en la mayoría de Slashers que nos hemos hartado de ver desde Halloween a finales de los años ochenta, eran siempre los adolescentes los que eran unos completos idiotas que parecían llamar a la muerte de una manera descarada, en esta ocasión nos encontramos con una revisión de roles muy interesante.

La protagonista (maravillosamente interpretada por Sara Wolfkind) de la película es adolescente, sí. También está enganchada al teléfono (¿Quién no lo está en nuestra época?). Y además se muere por ser viral y tener muchas visitas en los vídeos que sube a las plataformas sociales. Pero no es idiota. Es un personaje con sus luces y sombras, pero que también se mueve por una inteligencia (para más Inri, es clave la secuencia en la que no le cuenta a los padres lo que realmente ha visto, porque sabe que no le creerían). Al revés, tenemos a unos padres hipócritas, que están igual o más que enganchados a las tecnologías como su hija, pero que son incapaces de ver ni entenderla.

La película se desarrolla como una película de terror al uso, pero poniendo mucho hincapié en la crítica social, como ya hemos comentado anteriormente. La película tiene tensión y ciertos momentos originales, que se ven frustrados por un CGI absolutamente horrible, en el que se nota la falta de presupuesto. Y no es que la película haga lo más mínimo por tapar sus carencias, sino que alardea de ellas con numerosos momentos, en los que incluso parece autoparodiarse. Y es que no solo no funciona solo el CGI, ni siquiera el diseño del propio personaje parece estar bien pensado (copiando además el concepto de It Follows)

La película navega entre la originalidad del traspaso de roles y algunos clichés que resultan absurdos, aliñados con interpretaciones malas. Especialmente horrible es tanto la interpretación como el diseño del personaje del padre, que abusa de un histrionismo que no resulta nunca creíble (a diferencia de la madre). Por otra parte, el tema del abuso de las redes sociales en muchas ocasiones está tratado de una manera muy burda y lanzada al espectador como si este fuera idiota. Eso le hace naufragar entre lo interesante y lo visto mil veces.

Conclusión

Grimcutty puede ser muchas cosas. Una película horrible desde el punto de vista estético, con un guion pobre y repleto de clichés. Pero para los amantes del cine de terror también ofrece un interesante intercambio de roles que pocas veces se ha visto en el cine de género.

Crítica escrita para Cinemagavia.es