De las manos del director Morten Tyldum, que ya nos sorprendió hace dos años con la más que eficiente The Imitation Game, nos llega esta nueva propuesta espacial con dos de los rostros más guapos de Hollywood como son la oscarizada, Jennifer Lawrence y el cachas de moda, Chris Pratt como reclamo publicitarios, con la premisa de que la cinta nos cuenta la historia de ellos dos encerrados en una nave espacial a lo Perdidos en el espacio. ¿Nos ofrecerá algo interesante esta propuesta?

La cinta comienza con un tono muy entretenido e interesante durante sus 20 primeros minutos, pero todo esto se derrumba al aparecer el personaje de Lawrence y lo que parecía ser un relato de supervivencia con elementos de ciencia ficción, se transforma en un tópica cinta romántica con todos los elementos de las mismas: se conocen, se enamoran, felicidad máxima, ruptura, reconciliación y vivieron felices. Los elementos fantásticos están muy mal explicados y hay algunos agujeros de guión que llegarán a sonrojar al espectador medio. Pese a estos defectos la cinta al menos es un pasatiempo entretenido que si no te la tomas muy en serio, puedes llegar a disfrutarla en algunos momentos del metraje.

En cuanto a su pareja protagonista, podemos decir que ambos cumplen con su papel, pero nunca llegan a cuajar en pantalla por su falta de química. Chris Pratt tiene carisma y sabe como manejar una producción de este tipo, pero empieza a cansar que siempre haga el mismo tipo de papel en todas sus películas: cachas, gracioso que cae bien. Por su parte Jennifer Lawrence solo se dedica a enseñar cuerpo en traje de baño y se ve que solo pensaba en el cheque a la hora de realizar la cinta sin mostrar ningún tipo de matiz en su interpretación. Sin duda el mejor papel de todo el filme es el de Michael Sheen que interpreta a un androide que hace las funciones de camarero. Sheen borda el personaje y se come a los otros dos protagonistas cuando están los tres en pantalla. Laurence Fishburne tiene un pequeño papel en la cinta que se podía haber ahorrado totalmente. Lo de Andy García no tiene sentido y da hasta pena por él.

La música de el grandísimo compositor Thomas Newman no llega a ser mala y se disfruta en las escenas de tensión del metraje. El diseño de la nave a veces cae en incoherencias por ser más grande en las escenas interiores de lo que parece por fuera. Aún así el diseño de producción es muy bueno.

En resumen, una película que tenía todos los ingredientes para convertirse en una bonita metáfora sobre la soledad humana dentro de un marco de ciencia ficción, pero que se queda en una tópica historia de amor que los que ya hayan visto más de una cinta de este tipo verá a lo lejos como va a acabar la historia. Para pasar el rato sin devanarse mucho la cabeza en estas frías fechas.

En la maratón del primer día del Festival de Sitges, se presentó esta película a concurso que intenta hacer homenaje de las películas de sexploitation de los años 70 copiando su misma estética y hasta la misma forma de grabar en Technicolor (con grano y el formato más estrecho).

La película en sí es una parodia de estas cintas donde Anna Biller (productora, guionista y directora de la obra) ha querido reírse del género y dejar un mensaje feminista (cosa que no he visto en ningún lado de la cinta). Como comedia ligera está muy bien y resulta divertida en ocasiones, pero su larga duración y algunas escenas oníricas mezcladas con indigesta de LSD la hacen un poco pesada en ocasiones. De todas formas es de elogiar estos homenajes que se hacen a un tipo de cine que ya se ha perdido con el paso de los años.

La cinta está protagonizada por la desconocida Samantha Robinson que hace de bruja sanguinaria cazahombres de manera correcta, lo que se puede esperar de este tipo de producciones. El resto del elenco también es bastante anónimo y van desde lo sobreactuado, a lo cutre y ridículo. La música de la cinta intenta también copiar las producciones de los 70 de manera muy fiel a lo que eran en la época.

The Love Witch es un frikada que intenta solo homenajear en clave de comedia exagerada a las cintas de los 70. Hubiese sido perfecta con una duración menor. Se deja ver.

La carrera de Nacho Vigalondo comenzó de manera espectacular su carrera con trabajos excelentes como el corto nominado al Oscar, 7.35 de la mañana o la que es su mejor película, Los Cronocrimenes. Pero ese talento se esfumó con sus dos siguientes proyectos, Extraterrestre, un intento de comedia paranormal donde solo brillaban los Chanantes y Open Windows una fallida película que intentaba innovar a la hora de la presentación visual, pero que se quedaba en un mero lucimiento para Sasha Grey. Ahora el director vuelve con un nuevo proyecto, mucho más ambicioso, con más presupuesto y un reparto enteramente internacional liderado por Anne Hathaway. ¿Habremos recuperado al Vigalondo de sus primeros trabajos?

Pues por fin podemos decirlo, VIGALONDO HA VUELTO. El director ha conseguido hacer una película con una mezcla de géneros que abarcan desde el cine de monstruos al más puro estilo Godzilla, comedia, drama y romance. El guión de Vigalondo es algo que nunca antes habíamos visto y sorprende por sus giros y en la profundidad que aborda en los personajes. Aunque es una películas de monstruos, estos no son lo más importante en la trama y sí le da más relevancia a las relaciones humanas y la evolución de los personajes. Pese a que tiene alguna escena metida a calzador y alguna conversación que se podría haber prescindido de ella, la obra es disfrutable al cien por cien.

En cuanto al reparto internacional que antes destacábamos hay que mencionar el gran trabajo de Anne Hathaway durante toda la cinta. Ella es el alma de todo y lleva bien el peso de la producción con profesionalidad demostrando ser divertida cuando debe de serlo y seria cuando el guión lo requiere. Un gran trabajo para una actriz que cada vez va a más. La otra sorpresa de la película es el actor Jason Sudeikis, un actor que nos tiene acostumbrado a hacer comedia gansas como Somos los Millers, pero que aquí deja de lado las tonterías para dejarnos lo que posiblemente sea la mejor interpretación de toda su carrera. Como curiosidad, es la primera vez que Vigalondo no cuenta con actores españoles en el reparto (ni los Chanantes).

Los efectos especiales de la película están hechos con mucha precisión y calidad, que dejarían en ridículo a muchas producciones similares americanas como Pacific Rim. La banda sonora de Bear McCreary es muy emotiva y épica, sobre todo en los últimos minutos de la cinta,

Vigalondo ha vuelto, con su cine freak y su visión particular del mundo. Teníamos miedo de haberlo perdido, pero ya podemos asegurar que solo se tomó unas vacaciones comerciales. Se nota que gran parte de la cinta es autobiográfica. Unas de las favoritas para Sitges 2016.

El conocido actor Raúl Arévalo, que empezó su carrera en producciones españolas del nivel de Compañeros, se ha convertido en toda un autoridad en la ficción española y en uno de los actores con más talento de nuestro cine. Con un Goya ya en su haber por Gordos y después de haber interpretado todo tipo de papeles, Arévalo decide dar el salto a la dirección con esta historia de la que firma también el guión. ¿Cómo le habrá sentado el cambio al actor?

La película no podía empezar de mejor manera con ese plano secuencia que ya está destinado a convertirse en el plano secuencia a lo Sed de mal del cine español. Con este brutal empiece la película va cogiendo un toque más costumbrista casi rozando el documental hasta que finalmente la historia cambia de rumbo y se convierte en una historia de venganza con un toques de western que la hacen muy atractiva. Sí bien es cierto que la película cuenta con varios fallos de guión y algún que otro cabo suelto en la historia que se pueden perdonar al tratarse de una opera prima y al tener en cuenta que la película no deja de ser una historia de venganza al fin y al cabo, que nunca han destacado por tener un guión excepcional.Es muy elogiable la capacidad de Arévalo de mezclar escenas bastantes violentas con la comedia, un elemento que si no se sabe llevar puede quedar mal, pero que él lo ha sabido encajar. También hay que destacar como Arévalo ha sabido captar la esencia de los barrios fondos de la España más profunda de nuestra sociedad. Desde los canis de gimnasio hasta las fiestas patronales de un pueblo, son detalles que hacen aun más interesante el visionado.
En cuanto a los actores, Arévalo se ha sabido rodear de un excelente plantel de colaboradores, desde un Antonio de la Torre que regala una interpretación muy contenida y fría para un personaje que lo necesita, hasta un Luis Callejo que poco a poco va demostrando que es uno de los actores más potentes de la industria y que aquí simplemente borda su papel en cualquiera de los registros que plantea el personaje. Ruth Díaz, es una actriz que no se prodiga todo lo que nos gustaría en cine y que aquí demuestra que es una actriz competente que debería ser tomada en cuenta. Por último no podemos dejar de mencionar el pequeño papel que tiene Manolo Solo en la cinta y que se roba la película en la corta aparición que tiene. Un actorazo, sin duda.

La película está rodada con una producción bastante barata y eso se ve en el constante grano que vemos durante toda la cinta , sobre todo en las escenas oscuras, esto en vez de perjudicar la película hace que tenga mas sentido por todo el tono de la cinta. La música elegida para la cinta no pasará a la historia,pero tampoco desentona.

En resumen, un decente debut en la dirección para este joven actor que habrá que seguirle la pista en su prometedora carrera como director ya que promete muchas cosas buenas. Uno de los favoritos a llevarse el Goya 2017 a mejor director novel.

El cine de parodia es un de los géneros con peor fama del séptimo arte. La mayoría de sus producciones (sobre todo las actuales) sólo intentan parodiar películas con chistes fáciles de “caca, pedo, culo, pis” como se caracterizan bazofias del estilo Scary Movie y demás. Pocas cintas han sabido parodiar de manera inteligente al cine contemporáneo. Films como Aterriza como puedas o Top secret se pueden salvar de la quema. A finales de los 90 apareció una que satirizaba aquellas cintas independientes de principios de los 90. ¿Será otro intento fallido o destacará por encima de las demás?

La película tiene como hilo conductor la trama de la famosa obra de Tarantino, Pulp Fiction, y lo hace de manera inteligente y con bastante sentido. Lo malo que tiene este tipo de films es que el guión suele ser una basura considerable. El guión de esta cinta (dentro de que es una parodia y por lo tanto no tiene sentido) se deja ver sin ningún problema. Los chistes que tiene la cinta son bastantes inteligente y aunque a veces se desfasa un poco, no llega al nivel de cutrez del “caca, pedo, culo, pis” que mencionábamos antes.

La película se ríe de todas las producciones de principio de los 90 sobretodo de las de cine independiente. Además de la ya citada Pulp Fiction, vemos mofas hacia Reservoir dogs (esta vez interpretada por monjas), Asesinos natos (los personajes buscan matar a Oliver Stone), Forrest Gump donde Dan Castellaneta (la voz de Homer Simpson en inglés) interpreta al personaje que encarnó Tom Hanks, Clerks o Nell en un sketch bastante divertido. Aparte hay muchísimas referencias al mundo del cine independiente que solo serán captados por gente que ha visto cine, dudo mucho que un espectador que no este muy metido en este mundo llegue a coger todos los chistes.

Destacar la magnifica banda sonora, con grandes éxitos de los 70 y también la fotografía. Muy por encima de producciones que intenta emular el estilo independiente que se satiriza. ¡Si hasta tiene un plano secuencia!.

En resumen, una divertida película pensada para un público cinéfilo en su mayoría y no para un público normal. Una comedia que destaca por su humor inteligente, que no ofende a nadie. Una rareza muy recomendable de ver. Una película que encantaría, incluso, al propio Tarantino.