V/H/S 85 es la última entrega de la popular saga de antologías de terror, que viene de la mano de la productora Shudder (una especialista en el género) y que como siempre nos presenta diversas historias en las que varios directores dirigen e intentan aterrorizar al personal, con resultados variados. Procedemos a valorar los diversos episodios que forman la saga, para ver que tal resulta esta última entrega. Lo haremos de forma cronológica tal y cómo aparecen en la película.

No Wake de Mike P. Nelson

En realidad está historia está fragmentada en dos episodios que se entremezclan. Lo cierto es que esta última entrega de la serie V/H/S es quizá la más experimental en el territorio narrativo, mezclando historias sin que haya una justificación demasiado razonable. La historia de Mike P. Nelson podría resumir la propia película: cumplidora, pero sin brillantez. Se trata de un fragmento que se apoya primeramente en elementos clásicos del género slasher, mostrado desde un punto de vista subjetivo (somos además las víctimas). A pesar de que no cuenta nada especialmente novedoso, el director sabe imprimir tanto la tensión necesaria como la conexión de simpatía entre el espectador y los personajes, teniendo en cuenta el poco tiempo del que dispone. En el segundo fragmento del episodio, vemos la otra cara de la moneda, que sirve para complementar un poco lo que habíamos visto con anterioridad. 

God of Death de Gigi Saul Guerrero

La directora de origen mexicano, Gigi Saul Guerrero, ha mostrado en su corta trayectoria que siempre está dispuesta a mostrarnos guiños a sus raíces, y aquí lo vuelve a hacer en una historia pura de supervivencia ambientada en México, otra vez contada en primera persona y que sin embargo puede hacerse demasiado larga. Hasta llegar al giro resolutivo, la película es bastante confusa y la claustrofobia, que es el elemento con el que la directora pretende jugar, no es quizá lo potente que debería ser. 

TKNGOD de Natasha Kermani

Se trata del fragmento más corto y quizá el más inane de todos. Una parodia de las performances artísticas de la que poco se puede sacar más allá de la "gracieta". Es quizá la que juega más con el body horror, demostrando dicho sea de paso, el poco presupuesto con el que parece contar esta entrega.

Dreamkill de Scott Derrickson

Y aquí nos ponemos todos en pie, servidor el primero, porque Scott Derrickson, un director de terror de pura cepa, vuelve a demostrar que teniendo la libertad creativa total es capaz de generar las mejores historias de terror. Nos encontramos ante un pequeño fragmento en el que el cineasta de Sinister demuestra sus rasgos personales que son siempre tan identificables: Las mezclas entre texturas cinematográficas y como emplea ese intercambio de formatos fílmicos, la creación de imágenes terrórificas mediante una perfecta sincronización entre sonido y fotograma, una trama que juega a varios niveles...Sin duda, el mejor fragmento de todos. 

Total Copy de David Bruckner

Se trata del fragmento que intenta conectar a los demás y realmente es por ello el más disperso de todos. Intenta jugar con conceptos camp de la ciencia ficción introduciendo humor burdo y temas documentales a partes iguales. Poco se puede decir de él, más allá de que cumple por los pelos.

Conclusión

Si eres fan de la sega, obviamente verás la película. Si solo eres fan del género, es obligatorio que mires el fragmento de Scott Derrickson, porque el director vuelve a hacer magia en una pequeña obra que daría para un largometraje.

Cinemagavia.es

Misión a Marte (2022) es literalmente una película familiar, en el sentido de que está hecha por (y me atrevería a decir para) los miembros de la familia del director, Amat Vallmajor del Pozo. Cine de muy lowcost, el filme es una road movie sin mucha más historia que contar los pequeños retazos de una peculiar pareja de hermanos. La obra se estrena en cines el 29 de septiembre en España. 

Las canciones punks son fáciles de componer o por lo menos acostumbran a serlo. Apenas tienen un par de acordes y un estribillo sardónico, sin demasiadas florituras en su lírica. En muchas ocasiones, la canción llega a burlarse del espectador. Misión a Marte está repleta de estas canciones. No es casualidad. 

Pero en realidad, Misión a Marte no llega ni a una canción punk. La película es en realidad un documental que nos muestra pequeñas muestras de la vida de dos hermanos, y esto es finalmente el filme, por más que intente camuflar una cierta trama de ciencia ficción de la que apenas se explica poca cosa. 

Se supone que estamos en un futuro distópico en el que debe haber sucedido algún tipo de cataclismo nuclear porque nuestros personajes deben llevar máscaras cada cierto tiempo, cuando se anuncia que una borrasca radioactiva se acerca. No es importante. La película, como decíamos, se sirve de esa excusa para contarnos conversaciones triviales y cotidianas.

-¿Qué tal la tortilla, está rica? No existe tal diálogo, pero podría serlo. La película hará las delicias de este tipo de cine que está hecho con cuatro duros y con mucha actitud punk detrás. Lo cierto es que cinematográficamente la película por no tener no tiene ni una cámara que esté sujeta a ciertas tomas. Es una broma, un chiste de apenas una hora de duración que para un servidor se alarga incluso demasiado. Pero claro, si no tuviera tal metraje no podría ser considerado un largo y ya sabemos que España no es país para cortos y medios. 

Quizá, lo único rescatable sean ciertas tomas que se han tomado en localizaciones bastante interesantes, de esa España hecha pedazos de la que no hace falta irse al futuro para verla. Poco más. Ni siquiera el blanco y negro está justificado, más allá del burdo homenaje a Stalker. Más bien, está para tapar carencias.

Conclusión 

Lo dicho, una canción punk que no llega a serlo. Un émulo de cine. Algo con lo que no vale la pena perder el tiempo, así que permítanme el lujo de realizar una crítica más corta de lo habitual, porque ya saben aquella dicha de que el tiempo es oro. No malgasten el suyo.

Cassandro (2023) se trata de una película estrenada en Prime Video este 22 de septiembre que cuenta con la interpretación de Gael García Bernal como protagonista, en una película basada en hechos reales que cuenta la historia del luchador mexicano Cassandro (Saúl Armandáriz de nombre real), quien se convirtió asimismo en un icono de la comunidad gay. La obra está dirigida por Roger Ross Williams y fue preestrenada en Sundance.

La película acierta completamente al retratar la vida del personaje protagonista. Un luchador que a priori lo tiene todo en contra para triunfar: pequeño, enclenque, sin aparente carisma y lo peor en una sociedad tan conservadora como la mexicana, homosexual. ¿Quién se va a tomar en serio un tipo así que dice que quiere ser luchador profesional?

Sin embargo, Gael García Bernal consigue conquistarnos el corazón con su Cassandro. Como se dice vulgarmente "media película es él" y es cierto. El actor sabe dotar de personalidad al personaje, y en apenas un cuarto de hora ya estamos vibrando con su particular forma de vida. Una mención especial merecen las canciones populares (famosas por ser himnos de la comunidad gay) que emplea la película cada vez que Cassandro entra en escena, como una versión de I Will Survive de Gloria Gaynor. 

Por otro lado, la película también se basa en gran medida en las relaciones entre la madre del protagonista y este. Esto le sirve al filme para realizar un gran retrato de la sociedad mexicana, tal y como esta es (o mejor dicho, como la presiente el guion). De hecho el nombre de Cassandro deriva de una telenovela que tanto el protagonista como su madre veían, y lo cierto es que ese tono (un tanto americanizado, al tratarse de una producción norteamericana) es una de las notas que más brillan en el filme.

Y es que es curiosa esta combinación entre Estados Unidos y México que se ve en la película. Por una parte tenemos el sabor mexicano, y sin embargo la estructura de la película así como muchos de los troppos narrativos que se emplean son claramente americanos. No hay que olvidar que se trata de una producción directa a Prime Video y parece notarse cierto dinamismo que no habría sido posible sin esta combinación.

Como aspectos negativos, sin embargo, hay que destacar para mal una fotografía que parece la misma que se puede ver en otras tantas películas que se han estrenado directamente en la plataforma. Y es que al igual que Netflix, la sensación es la de estar ante un mismo equipo técnico o similar que se dedica a cualquiera que sea la película que es necesaria ser rodada. Eso sí, la música de Marcelo Zarvos sobresale y le otorga a la película una atmósfera bastante particular.

Por supuesto, a nivel metafórico la película tiene un segundo mundo. Cassandro, un luchador sin máscara (algo poco habitual en la lucha libre mexicana) es todo lo que el protagonista quiere ser o desea ser representado. Se trata de algo inherente a la lucha libre (la creación de un personaje, como el nuestro, que pasa de ser el topo a Exótico) y que obviamente en la película queda reflejado.

Conclusión

Cassandro es una película que a pesar de ser entretenida y de consumo rápido, como la propia lucha libre, tiene en sus raíces un cine valiente en el que se cuenta la historia de un personaje tan peculiar como importante para entender la historia social de México y sus progresos en favor de colectivos históricamente marginados como la comunidad gay. 

Cinemagavia.es

El club de los lectores criminales (2023) se trata de una película española estrenada directamente a Netflix, dirigida por Marcos Alonso y que se ha colado en el top mundial de películas más vistas dentro de la plataforma. Como veremos en esta crítica, esto no es sinónimo de calidad. La película está basada en una novela de Carlos Miranda, quien a su vez escribe el guion. 

La línea entre el homenaje y el plagio es muy delgada. El Club de los lectores criminales no solo la traspasa, sino que pasa por cuatro carriles más allá. No es solo es que hayan escenas calcadas de Scream (la saga principal a la que plagia), sino que originalmente en la saga inaugurada por Wes Craven aquellas secuencias tenían un sentido coherente, mientras que en la película carecen de cualquier lógica interna. Por poner un ejemplo, podríamos citar el momento de la máscara. La propia película lo admite sin tapujos. Y lo cierto es que un servidor tampoco tendría demasiado reparo si se hubiera hecho como mínimo en términos técnicos de manera decente. No es el caso.

La película es un caos. Un desastre. Los personajes teóricamente estudian en una universidad, pero lo cierto es que el grado de imbecilidad que demuestra tanto su entorno como ellos mismos parecen indicar lo contrario. La película parte de la premisa de un grupo de lectura que se reúne para comentar libros, pero las referencias a la literatura son totalmente nulas (literalmente no se menciona ni un solo libro en toda la película). Por otra parte no se entiende que tipo de nexo hay entre estos personajes, que no solo no tienen pinta de no haber cogido un libro en su vida, sino que además tienen una personalidad totalmente diferente entre sí.

La película intenta apuntalar su "discurso" con ciertos discursos que toman por idiota al espectador. En cierta secuencia, un profesor universitario explica palabra por palabra lo que es una secuela (así, tal cual suena). Es solo un ejemplo de que al ser incapaz de hacer estas referencias o sacarlas a colación mediante otros subterfugios, el guion debe hacer verbalizar mediante estos discursos directos a los personajes. 

¿Por qué no llaman a la policía en ningún momento? ¿Por qué cierto personaje va al encuentro del asesino y no muere? ¿Por qué el fenómeno del payaso parece ser viral cuando nunca se ha hecho referencia a ello? ¿Por qué no hay rastro de los cadáveres o del crimen en ninguna escena? ¿Por qué el guionista es incapaz de prescindir de ciertos personajes que después debe acumular en un body count deprisa y corriendo (hay dos muertes que suceden sin apenas espacio)? ¿Por qué Netflix da proyectos a gente de la ESCAC exclusivamente? ¿Por qué hay que depurar a la película de todo elemento hispano para hacerla pasar por una universidad americana?

Conclusiones

El club de los lectores criminales es quizá el Iceberg de las producciones Netflix. Producciones que se hacen como churros para cumplir cuota y en las que no importa ni el cómo ni el por qué se realizan. Y es una pena, porque teniendo la película presupuesto y unas localizaciones interesantes, el resultado es un desastre.

The Blackening (2023) se trata de una película que recuerda a aquellas cintas de los años setenta y ochenta del conocido fenómeno de la Blaxploitaition, donde se realizaban películas hechas por y para las comunidades afroamericanas de Estados Unidos. La película la dirige Tim Story, quien ya había realizado un remake de Shaft, una película clave dentro del movimiento anteriormente comentado. 

The Blackening es una película que lo juega todo a su capacidad para sacar partido de situaciones humorísticas a través de elementos con los que la comunidad afroamericana se siente identificado (motivo por el cual esta cinta, a pesar de haber sido un éxito moderado en Estados Unidos resulta prácticamente imposible de estrenar en España). Algunos de los diálogos son realmente ocurrentes (el momento en que niegan haber visto Friends, a pesar de que sí lo han hecho, los tópicos sobre quién es el "más negro" de ellos) y capaces de crear grandes momentos cómicos.

La película pese a todo, no renuncia a ningún tipo de público, y es por eso que no nos encontramos con una obra que de hecho sea digamos totalmente contraria a otras comunidades, sino que de hecho en gran medida trata temas de comedia blanca (excepto un par de pullas al partido republicano, en un momento dicho sea de paso bastante gracioso). 

El gran problema es que la película solo sabe recurrir a este tipo de comedia situacional, y cuando sale de ella se encuentra perdida. La idea del juego de mesa sobre el que pivota la película no es más que un pequeño pretexto para sacar un par de chistes, y se nota que no fueron capaces desde el guion de darle una vuelta de tuerca que hiciera la película todavía más interesante. 

Después de ello, el filme se convierte en un pequeño slasher, donde a pesar de tener igualmente momentos divertidos, el director se siente mucho más perdido. De igual manera el tono se vuelve mucho más cambiante, y por momentos la película pasa a ser una película sacada de la saga Scary Movie (pero de las últimas entregas), pasando de dialógos ágiles a escenas zafias y mucho más "fáciles". 

Y sí, la película tiene numerosas referencias al cine de género así como a otros referentes, pero se tratan de elementos demasiado livianos que pasan de manera intrascendente.

Conclusión

The Blackening es una película que tiene sus grandes puntos cómicos, sobre todo si el espectador está relacionado con la cultura afroamericana. No te cambiará la vida, pero te arreglará una buena tarde.