Tenía recuerdos de haber visto esta película muy pequeño y de haberme divertido mucho viéndola. Flashes de comedia hilarante que en ese momento, soltando risotadas nerviosas, no sabía que eran puro slapstick. Por supuesto no la vi entera y solo atisbé la excusa principal del argumento (chica hace de chico que hace de chica), y ni mucho menos logré darme cuenta de las dimensiones del recorrido ambiguo de ese equivoco. Viéndola de mayor lo que mejor se mantiene para mi gusto, sin menosprecio de todo lo demás, es esa comedia física y gestual (magistral la interpretación de Graham Stark). Sigue teniendo diálogos brillantes y frases inteligentes ("Me gustas seas lo que seas"), giros brillantes como el del guardaespaldas de King Marchand y es desde luego un film valiente para el año en que se hizo, pero vista desde la perspectiva de bien entrado el siglo XXI, con su descreimiento y continua puesta en duda de conceptos aparentemente asimilados, puede que se quede ingenua y algo desfasada. Como si le faltase un punto para desligarse de los tópicos, podríamos decir, patriarcales.
Aún así es una de las mejores y mas completas películas de Blake Edwards y para los amantes de la música melódica de big band de Henry Mancini (o de la música en general) será una delicia apreciar a buen volumen la voz de barítono de Preston y la voz de pecho de Andrews. Puede que sea esa música, ese desenlace ligero con numero musical que ensalza la vida y el mundo en el que vivimos, lo que convierta esa ingenuidad en algo encantador.

Comparada con "El corazón de las tinieblas", novela de Joseph Conrad en la que se basó el guión de "Apocalypse now", "Ad astra" (Hacia las estrellas) es una película sensorial con una historia sencilla que habla de sentimientos complejos. El argumento se centra casi exclusivamente en el personaje del astronauta McBride y sus insatisfacciones causadas por la perdida de su padre y nos ofrece una linea con pocas aristas y una conclusión obvia pero de gran belleza y significado. Se podría decir que se desperdicia tiempo para tan poca arista argumental pero su gran baza es la belleza de su fotografía, su banda sonora y la poesía autodestructiva en voz en off de Brad Pitt, del que se puede decir, sin embargo, que está a medio gas, muy lejos de sus histriónicos mejores papeles. Eso si, para el pleno disfrute de las virtudes visuales y sonoras conviene verla como mínimo en pantalla grande y con buen sonido.

Acostumbrados al sentido del humor de Tarantino, a esa potencia visual pintada de sangre y sarcasmo, puede ser que esta película nos descoloque incluso a los que esperábamos que algún día ese talento de "enfant terrible" utilizado frívolamente diera paso a un cine mas profundo. Sales del cine preguntándote que significan este puñado de escenas magníficamente rodadas que acabas de ver con todo lo que tiene de bueno y de malo salir del cine con dudas. Te vas para casa diciéndote que no has visto un ejercicio de estilo y haciendo lo mejor que puedes hacer después de ir al cine: pensar.
Salvo en "Jackie Brown", donde enfrenta a una Pam Grier trasnochada con sus dilemas vitales mas crudos, Tarantino no me había conmovido tanto como en las escenas entre Leonardo di Caprio y la niña actriz o las de Pitt llegando a casa y atendiendo a su compañero perruno. Y esa peculiar manera de quererse los dos protagonistas (la relación mas profunda de toda la cinematografía del director) algo agita en tu interior.
Y reservas un rato de la cena después del cine a seguir pensando en la homosexualidad platónica latente. Y te sorprendes reservando un rato de cada día de la semana siguiente a seguir pensando en los personajes de Di Caprio y Pitt y la relación entre sus vidas y la industria cinematográfica ¡Maldito bastardo, Quentin, te has hecho mayor!
Es sin duda la película mas personal de Tarantino. Nunca había mostrado tanto sus vergüenzas como en esta sátira, coronada (como no) de violencia, sobre la amistad y el cine. Y todavía estarás un tiempo viendo reír a Quentin cuando pienses en ella. Pero estas vez, de tanto pensar, su risa finalizará con una mueca sería que te helará un poco.

Por fin una mirada tan personal como despegada, tan limpia como ensuciada de sentimientos.
He aquí la película de las películas del pasado reciente de nuestro país. Por supuesto, molestará. Igual que molestan Amenábar y Almodóvar. Es el precio que hay que pagar por crear y por tocar ciertos temas.
Sin embargo, aún metiéndose de lleno en algunos de los concretos hechos históricos de España consigue (y este es un logro de mucho merito) mantener objetividad, huir del 'bandismo'. Para De la Iglesia las 'dos Españas' se hacen una en unos enormes y desgarrados primeros planos finales (gran casting). Un país joven, ingenuo y psicológicamente desequilibrado que mientras vive una adolescencia sin rumbo, deja pasar vidas, llegadas a la madurez, sin ningún atisbo ya de él. Antes, mientras asistimos a un repaso iconográfico (quizá algo desordenado y frenético pero arrolladoramente entretenido) nos metemos en las vidas de dos personas marcadas a fuego por el odio que sus ojos vieron en la infancia y que sus mentes no entendieron. Mentes embarulladas, perdidas y pasto de infelicidad, destinadas a no realizarse. Payasos. Caricaturas de lo que podrían ser. Educadas por Padres desesperados y confundidos.
En definitiva. Una película que nos enseña lo difícil que es amar después de tanto odio. De la que estoy seguro que mucha gente se reconocerá (algunos lo negarán) en la debilidad de esos payasos seguramente porque el primer implicado es el director. Gracias Alex por desnudarte en tus películas.
Cine comercial al nivel del mejor Tarantino pero más inteligente que casi todas sus películas juntas. Un gran 'pico' en la filmografía española.

Todos hablan de la música, de los decorados, fotografía, vestuario, etc.
Pero lo veraderamente escandaloso de esta película es lo real que es, lo bien que describe la vida, a pesar de que pueda parecer lo contrario. No creo que haya habido una película de época que haya acertado más al querer trasladar el ambiente de este o aquello momento a pesar de la lentitud del ritmo de cámara y de los movimientos en escena. Tampoco me he sentido muchas veces tan identificado como con ese pobre Barry al tener que tomar las decisiones en aquellos trances vitales y no creo que la mejor definición de ese personaje sea la de un desalmado, sin coraje, frágil y arribista. Si no que podria ser cualquiera de nosotros. La niñez, la adolescencia, la madurez y la vejez son definidas con una mirada científica, certera y libre de emociones. Todo ese artificio no sirve si no para describir un mundo efímero, vil, lleno de episodios tristes y en el que nunca podemos hacer lo que queremos si no lo que podemos. Barry no es más que una criatura más en busca de sobrevivir. He visto pocas películas tan sinceramente tristes.