Película realizada por el desconocido o casi imperceptible, Drake Doremus, cuya filmografía consta de 3 largometrajes más uno en proyecto, las dos primeras “Douchebag” y “Spooner” muy poco conocidas por nuestro país. Su tercer largometraje ha conseguido la buena publicidad que da ganar el premio del jurado del festival de Sundance a mejor película. Las películas que suelen salir del festival de Sundance tienen una propiedad característica que sume al espectador en la disyuntiva de no saber que se va ha encontrar, pueden ser dramas sureños con una fuerza increíble y de una magnífica factura o una ostentosa y fetichista mamarrachada.
Like Crazy nos cuenta la historia de amor de dos adolescentes, Anna (Felicity Jones) es una estudiante inglesa que consigue mudarse a Los Ángeles para seguir con su carrera de periodismo, allí se encuentra con su primer amor Jacob (Anton Yelchin). Con una técnica y una fotografía exquisitas nos cuentan los primeros momentos de esta estupenda y empalagosa relación. Como es lógico todo se trunca por una serie de razones, sobre todo legales, caducados de visa de trabajo, imposibilidad de poder estar juntos por la vuelta de ella a Inglaterra… . Todo esto causa estragos en su relación idílica de amor y se ven separados y solos. Aquí se produce la irrupción de la compañera de trabajo de Jacob, que a todo esto a montado un taller de bricomania, esta compañera interpretada por Jennifer Lawrence es solo un pasatiempo para Jacob, ya que las constantes idas y venidas de Anna en cuanto a su relación , hacen que Jacob deje a su compañera tirada en más de una ocasión.
El guión es muy original, no porque nos cuente algo que no sepamos de las relaciones adolescentes y pasteleras, si no que es muy veráz, las conversaciones, las situaciones y las angustias que pasan son muy cercanas para cualquier perosna que haya pasado por el amor en la adolescencia. Esto, la magnífica fotografía y la solvente dirección crean una historia de amor diferente que es muy recomendable su visionado.
No dejare de comentar varias cosas que a mi no me han terminado de convencer. 1ª: La aparición de Jennifer Lawrence eclipsa totalmente las de los protagonistas, y esto para mi no es una bueno noticia para el film, la actuación de ésta, aunque breve, es muy superior a la de los demás y eso no me gusta. 2ª: La historia se hace pesada y demasiado moñas en muchos casos, cosa que tampoco me gusta.

Submarino es la sexta película de Thomas Vinterberg, realizada en 2010. Película que se aleja del estilo Dogma, del que Vinterberg fue co-fundador junto con Lars Von Trier, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen y en el que buscaban recuperar la pureza del cine estableciendo estrictas reglas para simplificar la producción de películas, el gran ejemplo que dejó Thomas fue la película “Celebración” que pese a la locura que llevaba la cámara por delante llegó a gustarme.El guión fue adaptado por el propio Vinterberg y Tobias Lindholm basándose en una novela de Jonas T. Begtsson, música de Kristian Eidnes Andersen y fotografía de Charlotte Bruus Christensen.

La trama narra la historia de un par de hermanos que crecen en un mal ambiente, con una madre drogadicta, un hermano pequeño que se muere por la falta de atención materna. Los pre-adolescentes crecen, y los problemas no solo han perdurado sino que han aumentado. El hermano mayor Nick es un musculado y borracho busca problemas, lo mismo le pega hostias a un teléfono que se pega con un tío, que se come un marrón y va a la cárcel ( según deja caer la película ha estado dos veces en la cárcel y ninguna lo merecía). El hermano mediano, Jakob es padre soltero que se esfuerza por morir en el fondo de una jeringuilla, sus problemas crecen cuando se pasa a camello y acaba encarcelado.
Vinterberg sume a Nick en una sangría de fatalidad, de la que el protagonista no puede salir. La gran capacidad de Thomas se ve con claridad en este intenso drama, una gran calidad de planos, sencillos, directos, que ayudan a reflejar la fragilidad de los dos hermanos ante problemas de gran calibre. Las actuaciones de los dos protagonistas son notables. Jakob Cedergren (Nick) realiza una magnífica actuación, el actor que viéramos en títulos como “Dark Horse” realiza un máster en actuación, regalándonos una de sus mejores actuaciones. En cuanto al actor que interpreta al hermano mediano, Peter Plaugborg que también actuó en el film “Brotherhood” que yo no he visto, su actuación en Submarino es fabulosa, interpreta a un drogadicto, padre soltero, que controla su drogadicción de cara al exterior, pero en el refugio de su casa, la droga es lo primero, y su hijo queda expuesto a la soledad y el problema que crea un niño mal atendido.
Vinterberg realiza un film sólido con una buena fotografía y con una gran historia, y lo más importante es que transmite lo que quiere, soledad, problemas, adicción, muerte, desolación, oscuridad. En definitiva una confirmación de que Vinterberg es un buen director.

Kelly Reichardt maravilló al escaso público que pudo ver sus anteriores trabajos, “Wendy y Lucy” y “OldJoy”, dos obras de muy bella factura,que nos dan una maravillosa idea de lo que quiere Kelly para con sus films, ambas no llegaron a las pantallas de nuestro país,y la última, a la que nos referimos en esta crítica, que es del año 2010, tampoco consiguió la atención necesaria, no caemos del burro. Esta película contó con los servicios en el guión por parte de Jon Raymond y una fotografía magníficamente llevada por Chris Blauvelt. Reichardt ganó en Gijón el premio FIPRESCI a mejor dirección en el 2010 y estuvo nominada a mejor película en los premios Gotham en el año 2011.
A falta de ver la recomendada “Wendy and Lucy”( de la que haré crítica), Kelly demuestra, en sus pocos trabajos desde que realizara su primer largometraje haya por el año 1994 con “River of Grass”, que sabe lo que hace y lo que quiere transmitir, y por encima de esto sabe como lo quiere transmitir. Su idea es que el espectador encuentre los sentimientos que afloran sus películas dando pocas señales de lo que nos quiere decir. Muchos se preguntarán: ¿Como puede ser que te guste algo que no cuenta nada? Si, no cuenta nada, por que no tiene un argumento palomitero, simplemente rueda unos cuantos planos para trasmitirnos unos sentimientos y una idea. En “Meek´s Custoff” la idea es la de renovar el western con una mirada contemporánea, darle otro sentido narrando una historia que siempre ha sido de hombres para pasar al lado femenino. La directora se sirve del formato cuadrado (1:1,33) para sustraer a la película de toda épica y proponer una lectura femenina (el formato recuerda al estrecho campo de visión que tenían las mujeres con el gorro que usaban). Una clara reminiscencia al mundo contemporáneo, con unos líderes que no saben hacia donde van, y una historia de amistad entre un indio y la protagonista (Michelle Williams), son unas cuantas ideas de las que posiblemente Kelly quiera hablarnos. En “Old Joy”, otra magnífica película independiente, también hace alusión al mundo de los políticos y los “líderes” actuales, cuando deja encendida en gran parte del viaje en coche la radio puesta, en la que están hablando sobre política, lanzando dardos de esta manera al sistema.
Sigo en Spoiler por falta de espacio...

“La invención de Hugo” está basada en la novela del mismo nombre de Brian Selznick, adaptada a guión por John Logan. Contó con un presupuesto de unos 170 millones de dolares. El rodaje se realizó en los Sherppenton Studios de Inglaterra donde el director artístico Dante Ferretti supervisó la creación del mundo de Hugo, llegando a realizarse una estación real con todas sus tiendas, un edifcio/estudio de cristal y un enorme cementerio con sus monumentos y criptas. La magnífica banda sonora ( genialmente engastada en las imágenes, como acostumbra el gran Scorsese) la realizó Howard Shore. ”Hugo” es la primera película de Scorsese después de 12 años que su interprete principal no sea Leonardo Di Caprio, al menos curioso este dato, y tiene proyectados tres más con el protagonista de “Infiltrados” entres otras cosas.
Es curioso que el mismo año que Hanavizius nos regala un canto al origen del cine y más concretamente al cine mudo (Americano) con “The Artist”, Scorsese nos brinde una magnífica película, que toca los corazones de cualquier cinéfilo empedernido. Su homenaje al cine de los orígenes (Frances), narrado con una película “infantil” y de recursos del siglo XXI es soberbia.
Scorsese envuelve el propósito principal de esta película en un cuento infantil, precioso, que para muchos le quita calidad al film ,para mi por supuesto que no. Como muchos cuentos infantiles de Dickens o el mismo Harry Potter, Hugo Cabret (Asa Buetterfield) es un chaval, huérfano a una edad temprana, que se ve obligado a vivir con su tío, borracho, que trabaja en el mantenimiento de los relojes de la estación de tren, de la París de los años 20 aproximadamente. Hugo se ve obligado a realizar el trabajo de su tío desaparecido y a mendigar entre las diferentes tiendas y restaurantes de la estación. En este punto se nos van mostrando los diferentes personajes de la trama, entre los que destacan dos: el guardia de la estación ( Sacha Baron Cohen), que siempre va detrás de maleantes y gamberros, sobre todo niños para llevarlos si puede al orfanato. El otro protagonista destacable y que más tarde se convertirá en pieza central de la trama quedando en un tercer plano el argumento inicial, es el viejo dueño de una tienda de juguetes (Ben Kingsley).

Drama judicial basado en hechos reales, donde Mike Weiss (Chris Evans) es un abogado drogadicto, adicto sobre todo a la cocaína, que junto con su compañero Paul Danziger ( Mark Kassen), se enredan en una demanda contra una gran empresa de suministro hospitalario. Es la historia de David contra Goliath, con la adhesión de el drama propio de la drogadicción de Mike Weiss. La seguridad de las jeringuillas de los hospitales, son la causa de la disputa, donde el abogado de la empresa de suministros Nathaniel Price ( Brett Cullen) muestra su poca humanidad, aunque es lo que le toca. Weiss es un idealista, que quiere ayudar a los damnificados por la sociedad y no cree en el dinero fácil, esto le causará mas de un quebradero de cabeza.


Acometí esta película sin muchas ganas, ni mucha esperanza en que fuera buena. Cual fue mi sorpresa que me gustó y si no llega a ser por el final, me hubiera gustado bastante. Aunque, como he leído por ahí, no deja de ser un capítulo largo de “Ley y Orden”, pero bien hecho. El mal final viene dado porque el argumento está basado en una historia verídica, es un final ideal que a mi me sobró totalmente.

A Chris Evans le gustan las drogas, esa es la primera conclusión que saco de este film, quien haya visto “London. Oscura Obsesión” entenderá lo que digo. El papel de Evans es muy bueno, comprende y da a comprender que sabe lo que hace, conoce los sentimientos de un personaje drogadicto, ahogado por las deudas, abandonado por su mujer y cuestionado por su colega de profesión. Es muy creíble su actuación y eso a veces basta. La dirección es solida y me lleva a preguntarme porqué en España no pueden hacer una película como ésta, sencilla, con buenas actuaciones, con una trama sólida, con una estética sugerente. No digo que no las haya pero debería haber más, para USA estas son películas del montón que sacan cada dos por tres.

La dirección por parte de los hermanos Kassen es muy sólida, con un buen montaje y un juego de planos correcto, mencionar por supuesto a Mark que también actúa y lo hace muy bien. La música, realizada por Ryan Ross Smith, esta en muchas ocasiones estorbando la conversación o con demasiado protagonismo cuando en realidad no debería tenerlo. Y por último me gustaría destacar la fotografía de Helge Gerull, muy buena, le da a la película un aspecto oscuro, que acompaña al dramatismo de la trama.

En definitiva una película conservadora, que gusta por su buena trama y una historia que indignará a más de uno. A mi me gustó con unos cuantos peros y mi nota se quedó en un 7 corto.