Creo que es una muy buena película. no sé como envejecerá. Habría que verla despacio. El "toque Almodolar" se va refinando con el tiempo.. Voy en el Bus pensando., escribiéndole una nota.
No me gusta: El auto-homenaje cromático. El ensimismamiento morboso. Hay que decirle a Pedro que las manchegas no hablan como PE. Y que deje de hacer de PE una Sofía Loren con 20 años menos. Esta sobre valorada actriz acabará sabiendo hacer solo de madre italiana. Un hombre no se engancha al jaco en la tercera edad. ni siquiera terapeuticamente.La música de A. Iglesias me parece escuchada tantas veces.Se cuenta mucho a si mismo. La heroína como una realidad paralela.Poco dibujo del deseo y un tanto intelectualizado.El piso- museo de rosales, un poco obvio. La ayudante "cuidadora". Ese aparente renunciar....

Me gusta: Por fin Pedroooo... dirige igual de bien a los hombres. El ensimismamiento a su tiempo.. El cambio de tempo e incluso de estructura fotográfica según esté en su piso o en exteriores y enorme lo de San Lorenzo del Escorial. La fotografía en Pedro A. imita al arte.Que para lo que hay rezuma sinceridad. La dirección de actores. para mi Banderas está muy bien, incluso va refinándose y relajando la piel. Dan ganas de preguntarle si es "una persona afectuosa".. Que puede ser la película que definitivamente le guste a los que no les gusta Almodovar.. Su aceptación del tiempo como enemigo silencioso, "Son tus ojos los que han cambiado, no la película". El recurso excepcional de hacer que los flasbaás sean mas almodovarianos que el presente. Que lo estaban esperando y lo sabia. Vaya que si lo sabía..
Con todas estas consideraciones una película notable bastante redonda con las trampas justas y con una carpintería dramática muy bien trabajada. Escritor y cineasta. Solo y haciendo un film que aunque frio es muy poético, incluso para vengarse de Eusebio Poncela, Pero también para reconocer su vida, su niñez, sus miedos y fervores. Pero metiendo al espectador en su mundo mientras el lucha cinematográficamente contra eso que los modernos ilustrados llaman "zona de confort".. Una historia simple pero valiente. Cine de verdad. De sala de cine de mirar al lado a ver si... A la espera de que nos obliguen a verlo en casa.Bonita envoltura para que Mallo le diga a su verdadero amor cuando sabe que lo ha vuelto a perder (amor encontrado, perdido, más importante que la vida), para siempre algo parecido a no dejaré de quererte y de desearte nunca. Después todo excede y ahí es genial y maravilla , el resto de la película sobra pero es necesaria. El cine es su vida, Pero cuando el amor de su vida se vuelve a ir con aquiescencia, es poca película para el dolor, poca para la gloria. !!! Poca !!!.

Vuelvo al cine. me quedé mirando la ventana, pero no se asomó la realidad. Vuelvo al cine. La naturaleza siempre imitó al séptimo arte y me recibe con un flequillo turbio y falso. Claro que solo hay dos flequillos hermosos. El de Rosario y el de Taylor en Cleopatra. Clara Lago estuvo a punto de ser bonita con c.
No creo que sea para siete, pero es una muy buena película. consecuentemente turbia y pervertida. Carente de hombres conscientemente y con todas las trampas legales del cine negro. Por cierto Boyero la intensidad tortuosa quiere eso.... ponerte de los nervios. La perfección dramática del flequillo es la del vacío . Ese flequillo como corona de rosas. Una mezcla de Almodóvar y cine negro. no Bergman. Un flequillo en el centro de la pantalla, en el centro de la vida.. Como lo hace ?. Con un gris y pulcro desarrollo de la puesta en escena.. Espejo para la intuición del espectador. Najwa haciendo de la presa aquella de amarillo pero a ambos lados de la pantalla (es listo Vermut). Y lo estupendo de la peli es eso. Vermut hace que Najwa juegue a ser Ella misma, actriz y personaje. Llorach enorme, merecido Goya. Sobre todo a la cara de mengajo que pone sintiéndose inferior pero luego prota...Un juego de volver a ser igual a si misma aun siendo obvio que la mentira se adivina. Y Vermut no engaña es de agradecer. En el firmamento de los algoritmos toda diferencia es repetición. El reflejo del reflejo. No le pidas que se asome a la ventana.
Es mucho mejor la puesta en escena que la historia. Y hay que pararse en lo extradiegético.de la música. Hay que pararse en esas dos canciones antiguas y casi horteras de Rocío y mocedades que sin embargo arroyan una vez santificadas por el vidrioso asunto. Quien te cantará ?. Procuro olvidarte... Sabes ?..
Ponerle un fallo. la relación madre hija un poco forzada. A pesar que la penúltima secuencia con la niña en el sofá es de elipsis de las buenas del cine español. Tampoco me gusta el recurso dramático de "Alfonsina y el mar" en plan cambio dramático. Para mi lo mejor. la identidad que se fragmenta con los espacios. El mito y la fan. Una mujer ciclotímica y rehén de la mentira de su madre que encuentra la cuadratura del circulo al poner esa ciclotimia en dos cuerpos. El paraíso de lo doble.La perfección y la negación. Se ve bien. y es de las que te reconcilian con el cine. Solo un poquito. Hubieras querido ver la ciudad de las estrellas ?.Cine negro moderno. Tan cine como el de colorines. Como el de dibus..... Pocahontas forever.

Bonita, agradable y entretenido película. Una redactora es contratada para darle un toque femenino a una cinta propagandística en medio del “Bliz” londinense para animar al pueblo británico en su lucha contra los nazis. Y de cómo esta mujer acaba siendo la guionista y script principal de la peli. Y en medio historias de la vida paralelas a las de la película… Ah y una historia de amor, lenta, intensa, escondida, casi como lo de la canción de Maná sobre el amor clandestino. Y a pequeñas dosis mucho, mucho más.
Y sobre esto una mirada muy femenina y por ende muy feminista. Un guion románticamente serio. Chica y chico guionista y entre medio… Están en medio de una Pero el está obligado a la distancia. Gran Bretaña está siendo acosada por Hitler. La victoria tardará. Y el está en su mundo deseando gritar…Y Ella nunca compartirá “un hala”.
Con todo el guion podría estar un poco más elaborado. Claro que en ese caso igual perdería esa frescura de salita de estar británica a la que solo le falta esa perrita ratuna blanca y gris que hace las delicias de las trasnochadas. Macramé sentimental. En conjunto puede parecer una visión de Dunkerque la reciente película, pero vista por unos Muchachada Nuit pasados por Oxford. Y tiene una gran parte de gran película. No es pastelera en todo caso lo que hace es homenajear el cromatismo de las películas de Douglas Sirk y cía. Hay una muy otra y premeditada intención, quizá excesivamente cinéfila. Cierta tristeza, vida, amor y mucho sarcasmo eso sí con una buena taza de té de esas que beben las ricas del norte, aunque sea té verde.
Enormes Gemma Aterton y Sam Clafin. Contenidos, muy buenos, comprendiendo sus papeles. El grandioso Bill Nighy haciendo de la vieja gloria del cine de entre guerras, estrafalario e histrión creo que se pasa pasándose, pero sobre gustos hay mucho escrito.
Muy buena música incidental. Muy buena fotografía y una cadencia acertada. El guion a mi modesto entender un poco flojo. Pero claro es difícil cuando cuentas algo tan difícil como que la protagonista va escribiendo dos vidas paralelas. La suya trasladada a la épica de Dunkerque y su marido guapo y ex luchador de las brigadas Internacionales en la Guerra Civil española, solo y al albur de la primera lagarta con “ínsulas” …. En fin. La vida.
Cine de verdad, detallista y sin trampa. Esas historias que te dicen “Esto es lo que hay”.
Recomendable a todas luces. Y seguir hay que seguir a Gemma Aterton. Ese tipo de mujer morena, rotunda., guapaza y enamorante; la que se lleva la luna debajo del brazo.

Dunkerque es la a Nolan lo que la decimosegunda Champions al Madrid. Y el Barca es Spielberg y su Salvad al soldado Ryan.
Los sacerdotes del director americano (un buen director con buenas películas, ojo), ya había difundido por el mundo la religión cuyo evangelio eran esas tramposas imágenes en blanco y negro del Día D, con ese romanticismo añoso y esas tomas de Tom Hanks con cara de estreñido. De tal manera que nunca supimos si sufrió los avatares de la guerra una dolencia estomacal. Y con una catarata de celuloide repetido y sobre dimensionado en pos de un romanticismo bélico y patriotista que si la primera vez engañaba. Si lo digerías acababas por descubrir el enredo. Un fastuoso y falsamente triste tebeo de hazas bélicas. Esa especie de “Qué bello es vivir” en la playa de Omaha y un pueblo de la costa, y con una estructura grandilocuente y “cinematográfica alrededor”. Y desde la neutralidad no me extrañaría que Spielberg y su Iglesia a estas horas se sientan tan devastadoramente confundidos como los seguidores culés.
Nolan nos da a saber ; Si es una película bélica. Una hermosa y gran película
Si es un documental; Uno de los mejores documentales de la historia.
Y no he podido verla en 70 mm como me gustaría.
Una carpintería dramática pluritemporal como le gusta al director inglés. Pero con incisiones en leit motivs narrativos. El eje central de ese aterrado soldado británico. Real y miedoso, destrozado por lo que ha vivido al que da vida un enorme Aneurin Barnard. El Padre que redime a su hijo muerto con una heroicidad doméstica en su doméstico barco , un “Coach” del sentido común y la grandeza, bordado por Mark Rylance. Un Tom Hardy como siempre grande, aunque casi no le veamos la cara (lo que da una idea) en ese aviador (Por favor mirad su cara después del aterrizaje. Un poema). Y no hay protagonistas. El protagonismo es el miedo. La verdad de la guerra. La cochambre moral que supone. El enemigo está oculto. No sale en toda la cinta. Todos culpables. Uno se identifica antes con los asustados que, con los valientes, Nolan nos ayuda.
No voy a pararme en las obviedades que muchos colegas ya han glosado generosa, elegante y acertadamente. Quiero indagar en lo que para mí es novedoso y fundamental en esta astuta, coral y triste por dolorosa narración guerrera. En primer lugar, cinematográficamente es una especie de secuencia que dura toda la película. Pero no os preocupéis amiguitos modernos si os fijáis podréis unir las piezas de la maquiavélica confusión. Dos una música incidental al borde de la perfección. No es que subraye la configuración dramática, es que parece que resuene en los cerebros de los personajes. No hay héroes. O no hay heroicidad. El protagonista es el miedo y sus variantes. La tragedia de morir o quedarte impedío. Eso es la guerra. Nos muestra en imágenes que la guerra no es lo que vemos en la tele. Ni siquiera en los mediáticos aparatos de propaganda. Mucho más cerca de “Senderos de Gloria” que de otras rimbombantes épicas. En este sentido y para cinéfilos. Hermosísima escena la de Dunkerque con la gran noria, el oficial inglés sacrificando caballos para que no caigan en manos enemigas y el coro de soldados ingleses cantando el precioso salmo Dear Lord and Father of Mankind, mirando al horizonte del Canal de la mancha, con la misma precisión e intensidad que la devota del norte mira a la sierra.. Una de las más “bonitas” y elegiacas escenas. Pero la guerra no es eso. Eso es la épica literaria y musical. Nolan no va por ahí. Su Iliada al revés es mucho más triste, dura, cruel… verdadera.
La angustia en sus diversas modalidades espacio temporales. Cada una de las partes está ribeteada por la angustia como una especie de aglutinante dramático. Y su corolario, el miedo, la desconfianza, la bajeza moral…. La guerra. No me extraña que a algún líder radiofónico de inveterado corte fascistoide no le haya gustado nada la película de Nolan.
En el balneario de la Unión Europea en que vivimos y gracias a los dioses que cada uno elija, llevamos más de un seventín Pascualín sin una guerra de esas proporciones y bueno sería pedir a Nuestra Señora de la Divina Providencia que siga siendo así. Que haríamos nosotros en la situación de ese soldado inglés en la playa de Dunkerque ¿. Por no hablar del francés. Entiendes por que no puedo soportar la expresión “cuídate” ¿
Sigo en zona spoiler. Pero sin desvelar nada. Sigo....

Película mala y somnífera. Tirar el dinero gastado en una aceptable fotografía y en una música incidental estimable. Paisajes en ese punto blanco y negro que tanto gusta a los nuevos intelectuales del séptimo arte.
Un batiburrillo hilarante sobre una buena base cromática enseñándonos “en argentino” con perdón sobre eros y tanatos. El incesto como materia central, conocida y sobrevenida. Y para dar carnaza todo sobre un ambiente malsano a posta. Esas elipsis de la culpa sobre la familia como centro. Esas bases perversas disfrazadas de posición liberal, cuando esconden un silogismo reaccionario. Prefiero lo peor del Opus a estos redentores del paisaje.
Y encima mucha parafernalia para un nudo que rompes cual Alejandro unos minutos antes.
Y la elipsis de la culpa y el pobrecico que carga con las culpas en vez por la vía dolorosa aislado en un paisaje nevado rodado en Andorra y el pirineo.
Darín haciendo de Darin. Sbaraglia haciendo de malo malote pero ama a su mujer. Luppi el gran Lupi ni siquiera se salva. Es como si estuvieran forzados a actuar. Se miran diciendo que el guion no hay quien se lo fume… Ni con María. Por no hablar de la actriz española Laia Costa. Guapaza de peluquería , pero con una expresión de tontarra y de estar esperando los flasbaás… es esa mujer que aunque celebre el Pentecostés y todas fiestas de guardar, hubieras… ¡¡¡ Dios no la perdones que sabía lo que hacía !!!.
Y la confusión final. La nieve el sarcófago del perdón. Como el cierre de A day in the life. Ahora que celebramos el cincuentenario del Sargento.
Prescindible. Absolutamente prescindible......

¡¡¡¡ DICEN QUE LA, LA, LA LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS ES TAN BONITA !!!!.......