El gigante egoísta es la primera película de la directora Britanica Clio Barnard. Su obra es una revisión, inspirada en la realidad, del cuento con el mismo título de Oscar Wilde.
En la reinterpretación de la fábula de Wilde, el jardín del gigante donde juegan los niños es ahora una chatarreria, en la que su propietario, el egoísta Kitten, se relaciona con adolescentes que buscan satisfacer sus necesidades trapicheando con el cobre y la chatarra, o cuidando y montando los caballos a los que es aficionado el chatarrero. Al igual que en el cuento de Wilde, un suceso dramático desencadena un cambio de actitud en la relación de explotación que une a Kitten con los dos jóvenes protagonistas.
La película dibuja un retrato sincero, conmovedor y debastador de la amistad entre dos adolescentes, Arbar y Swifty, enmarcada en una trama social que recuerda a la filmografía de Kean Loach, donde las familias desestructuradas y la falta de respuesta de las instituciones constituyen el paisaje donde se mueven sus personajes.
Los niños, Conner Chapman –el hiperactivo Arbar- y Shaum Thoms –el reflexivo y simpático Swifty-, en su primer trabajo para el cine, realizan una magnífica interpretación en las que sus papeles, tan diferentes, se complementan perfectamente a lo largo de todo el film.

Basada en hechos reales, PLAY cuenta la historia de una pandilla de niños negros y pobres, que se sirven de los prejuicios sobre ellos para robar a niños blancos acomodados.

Partiendo de ese planteamiento, el director juega con los escrúpulos del público para aflorar nuestras miserias y hacernos pensar en la facilidad que tenemos para intercambiar nuestros roles sociales. La imagen estigmatizada del hombre negro a la hora de crear un sentimiento de amenaza, la conducta de los adultos blancos maltratando “por su bien” a niños inmigrantes, ya de por si doblemente vulnerables, nos genera una reflexión sobre: la pobreza, el miedo, la segregación, el odio y nuestras normas de convivencia. Ruben Östlund deja al espectador el posicionamiento moral hacia lo que sucede en pantalla.

Con su característico estilo distante de planos largos y fijos, te hace sentir un espectador curioso en todas las escenas, amplificando nuestra atención para observar todo lo que sucede en el plano, y relacionar a los personajes dentro del cuadro.

En definitiva una descripción de una sociedad de clases, en este caso la sueca, pero que podría ser cualquier otra, de unos suecos contra otros que intercambian los papeles. Quién roba a quien?, quién amenaza a quien?, quién extorsiona?, quién agrede?, quién mete miedo?… En definitiva, como ya he comentado antes, un permanente cambio de roles.

Heli no es una película más sobre el régimen del terror de los narcos y su guerra contra la policía y el ejercito mexicano. Heli no cuenta historias de mafiosos que manejan ejércitos de sicarios con actitudes frías y chulescas. Heli no tiene lucecitas, putas, lujos, cocaína esnifada, mujeres guapas que rodean al Jefe del cartel de Sinaloa, coches lujosos, guerra de mafias, tiroteos interminables…
Heli es una historia de niños y jóvenes que han tenido que madurar con urgencia para sobrevivir, de amores con huída hacia delante, de explotados, de chabolas, de terror y silencio.

Amat Escalante, conecta con Los olvidados (Buñuel, 1950) en el retrato de la vida de los habitantes de un poblado sin alma que subsiste del precario empleo de la fábrica de ensamblaje de coches o de ocupar los escalones más bajos del negocio de la droga. Beto de 17 años, enamorado de Estela, 12 , planea la huída de su reducido universo de la única manera posible en ese territorio hostil, el mercadeo de droga sustraída, lo que le va a provocar dramáticas consecuencias a ellos y a su entorno familiar.

El mérito de Escalante es lograr desde el primer momento hacerte prisionero, intencionadamente, de las impactantes imágenes de su film. A primera hora de la mañana, por una carretera poco transitada, una camioneta trasporta dos cuerpos inertes escoltados por siniestros matones. El matón marca la huella de su bota en el rostro ensangrentado del joven herido tumbado en la caja de la furgoneta. En una rápida maniobra detienen el vehículo debajo de una pasarela de peatones que cruza la carretera. Los sicarios descienden rápidamente con uno de los cuerpos y lo cuelgan del puente para escarmiento y advertencia pública. Esto que parece un lugar común en todas las películas de narcos mexicanos, en esta película suena a verdad, a un ejercicio honesto por contar la cruda realidad desde el inicio y de emplazar al espectador a compartir el punto de vista de los protagonistas que viven el problema desde una dimensión diferente a la del estado, la policía y los narcos

Mi pasión por el cine francés me llevo a ver la película La hija del Pocero, de la que no tenía referencias; sólo conocía al director, Daniel Auteuil, pero en su faceta de actor (Cache, Los ladrones, Mamá, hay un hombre blanco en mi cama, El manantial de las Colinas…).
Éste melodrama se sitúa al comienzo de la Primera Guerra Mundial, en una pequeña población de la Provenza marcada por el ambiente rural, las clases sociales, y un código moral muy estricto al objeto de salvar “la honra” y “la dignidad” de las mujeres y familias.
En su debut como director, Auteuil, trata el argumento con una trama sencilla que desarrolla con una naturalidad plagada de reflexiones sobre la moral y la conducta, aportando a esta nueva versión de La fille du puisatier, una ligera pincelada de humor e ironía que, en mi opinión, da al film un aire actual que permite al espectador una mejor visión de esta revisión del film original de 1940 del novelista y cineasta francés Marcel Pagnol.
Auteuil conoce el territorio en que se desarrolla la acción, el mundo campesino, los códigos morales de la sociedad rural de la época y las relaciones entre las clases sociales y además utiliza la cámara para darle protagonismo al paisaje en el que rueda.
Para terminar comentar que La hija del pocero guarda muchas similitudes con El manantial de las colinas, dirigida por Claude Berri en 1986 y basada también en una novela de Marcel Pagnol. Tengo un maravilloso recuerdo de la película de Berri, en la que, como ya he comentado, ya interviene como actor Daniel Auteuil, interpretando a un desaliñado campesino tosco y simple.

El 31 de agosto, las piscinas públicas de Oslo se vacían anunciando el final de la temporada de baños y el inicio del frio que impregnará todo ciclo vital hasta el siguiente verano. La gente abandona las heladas calles para recogerse en sus casas, se aleja de los espacios de ocio a la intemperie y se traslada a lugares oscuros y claustrofóbicos, los desplazamientos del trabajo a casa se hace con la urgencia necesaria para huir del hostil y largo invierno, viven encerrados en sí mismo contagiados del gélido ambiente.
El 31 de agosto, el joven Anders, que abandona el día de antes un centro de desintoxicación y rehabilitación, se traslada a la ciudad para una entrevista de trabajo. Deambula de nuevo por el tortuoso y salvaje camino de la desesperación, la oscuridad, la soledad, la miseria, la distancia y el desamor, como el negro espacio invernal que ya advertía el fin de la temporada estival en Oslo. En una continua busca de sí mismo y de los motivos de su desoladora desilusión, el protagonista camina por las calles de Oslo, enfrentado a sus pesadillas, intentando responder las preguntas que le torturan de las que no encuentra respuesta en sus amigos y conocidos.
Oslo, 31. August. es la segunda película (Reprise, 2006) de Joachim Trier primo lejano del director danés Lars Von Trier. Ganó los premios a la Mejor Película y Mejor Fotografía en el Festival Internacional de Cine de Estocolmo del 2011.Fue presentada en la terna de candidatas junto a Sons of Norway (Jens Lien , 2011) and Happy, Happy (Anne Sewitsky, 2011) a los Oscar por Noruega en el año 2011. Participo en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes del mismo año y fue nominada a los premios Cesar de la Académia del Cine Francés del mismo año a la mejor película extranjera.