Los primeros 45 minutos están bien armados. Hay misterio, las pistas se te van entregando lentamente por lo que quieres seguir ahí y saber más. Ahora, develado el misterio el asunto se vuelve bastante cliché, predecible y con decidiones absurdas por parte de la protagonista. La última media hora es lamentable y echa por tierra todo lo bueno que en un comienzo se había construido.

En definitiva, de más a menos. De todas formas se deja ver, hay buenas ideas y lo mejor es que es corta, solo 80 minutos.

Me encantan las películas desafiantes y atrevidas, aún si no funcionan del todo, como es el caso de Club Zero, dirigida por la austríaca Jessica Hausner. En esta, la cineasta mete el dedo en la llaga e indaga respecto a temáticas tan actuales como las pseudociencias, el mindfullness, la meditación y/o la obsesión de la sociedad actual respecto a la alimentación saludable. Lo hace también rozando la crítica social pues nos da a entender que estos son "temas de ricos" al instalarnos en un colegio de clase alta donde conoceremos a un grupo de jóvenes educados y de elevado nivel cultural, cuyas preocupaciones van desde el cuidado del medio ambiente hasta el bienestar emocional.

Jóvenes también que viven en soledad pese a pertenecer a familias a las que materialmente no les falta nada, fuera de lucir "modernas" hacia afuera (genial el matrimonio con roles patriarcales invertidos, con un padre que se sienta a la mesa con el delantal de cocina puesto). Es por todo esto que cuando la Srta. Novak (Mia Wasikowska) les ofrece avanzar en sus inquietudes mediante un taller de "alimentación consciente", bueno, pues les hace todo el sentido del mundo.

El perfil del creyente en pseudociencias está muy bien trabajado en la película: la soberbia ("quienes dudan de esto es porque no lo entienden"), los aires de superioridad ("el mundo no está preparado para estas ideas"), la fe ("¿Por qué buscar pruebas científicas cuando algo evidentemente funciona?") o la falsa rebeldía ("estamos yendo en contra de los grandes poderes económicos, porque a estos les conviene mantenernos en la ignorancia"). Todo metido en un cóctel que acabará por convencer a un grupo de chicas que se entregarán de cabeza al proyecto, esto ante el poco control (y desconocimiento) de sus padres y madres.

La película en sus primeros cuarenta y cinco minutos explota con mucho talento cual bomba de racimo, sin embargo, lamentablemente en su segunda mitad no logra cuajar ninguno de sus puntos, solo se da vueltas y gira repitiendo ideas. No hay una profundización respecto al personaje de la Srta.Novak, por ejemplo, solo sabemos que es una mujer solitaria, rarita y que no tiene hijos, pero poco más.

Ahora, con todo, tan solo por las temáticas que toca y la estética que propone (un trabajo de colores que le acerca a un Wes Anderson), Club Zero se anota como una experiencia exquisita de seguir, con una directora a la que habrá que seguirle la pista a futuro.

¿Lo mejor? Los primeros 45 minutos. Todo lo que se plantea.
¿Lo peor? En el Spoiler.

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¿Te imaginas un mundo en donde un examen pudiese asegurar si dos personas están realmente enamoradas? Pues esta fantasía es la que nos propone Fingernails, una película a la cual llegué por Jessie Buckley (of course), una actriz que es apuesta segura pero que me resultó curioso verla en una película romántica ya que habitualmente realiza dramas bastante profundos. Supongo ha querido acá cambiar un poco el giro y ver como le iba en un papel distinto.

Tan liviana no es esta película de todas maneras y más bien intenta plantear dilemas interesantes desde dentro del género. En cierto modo critica la obsesión de nuestra sociedad por la búsqueda amor romántico y la obsesión por encontrar pruebas (dolorosas incluso, como en este caso) para proyectarlo de alguna manera por el resto de tu vida. La presión por "estar enamorado/a" acá se vuelve carne en la existencia de este examen, el cual divide a la población entre quienes sueñan con "dar positivo" (e incluso se someten a una especie de entrenamiento para esto) y quienes no se atreven a realizarlo, seguramente por miedo a que se evidencie la ausencia de amor.

En este contexto, Anna (Jessie Buckley) ingresará como a trabajar en el "Instituto del amor" como asesora de parejas para la realización de este test, situación que en el camino la moverá a cuestionar la rutina, monotonía y falta de pasión de su propia relación de pareja. Siendo este el eje principal en la película. El problema es que esta pasando la hora el trámite comienza a alargarse demasiado, incluso con el conflicto ya desatado en pantalla tenemos unos cuarenta minutos finales que redundan y redundan, estirando el argumento innecesariamente por demasiado tiempo. Definitivamente a la película le falta intensidad (incluso dosis de humor en algún momento) por lo que el asunto va de más a menos, planteando un buen dilema, insinuando una especie de comedia romántica ácida que acaba siendo un drama de plano pero que no logra cuajar del todo.

¿Lo mejor? Si bien puede parecer ridículo el que este examen conste se sacarse una uña, la metáfora del sufrimiento ligado al amor me ha parecido interesante.
¿Lo peor? Los cuarenta minutos finales. Alargan demasiado algo que se ve venir siempre por donde va.

Si hay algo que me encanta en el cine es cuando una película "desde dentro" (como me gusta decir) te mete ideas, recursos y/o imágenes potentes. Encontrar ese equilibrio no es cosa fácil, armarte una película interesante/dinámica/entretenida pero al mismo tiempo tremendamente profunda. Y esto es lo que ocurre con Vidas pasadas de Celine Song, película que puede verse perfectamente en continuo y disfrutarse como una "buena historia de amor", aunque a la vez la directora se ha encargado de meterte en el camino una serie de reflexiones que quedarán ahí, dispuestas para quien quiera, tenga el tiempo y ganas de tomarlas. Si a eso agregamos un uso de las imágenes sencillamente brillante, que decir, el cóctel es completo y perfecto.

¿Existirá algo más puro que el primer amor?
Dividida en tres momentos temporales, Vidas pasadas abre de manera cruel recordándonos que parte importante de aquello que marca nuestras vidas no lo decidimos nosotros. Nos muestra los caminos de Na Young y Hae Sung, niña y niño coreanos separados en su infancia debido a que la familia de ella ha decidido emigrar a Canadá por motivos laborales, dándole con esto un giro a la vida de la niña, quien incluso cambiará a futuro su nombre por uno más occidental: Nora. Con este viaje, la chica ha debido abandonar forzosamente a su amigo de infancia pero no solo esto, iniciará un camino práctico ligado al desarrollo personal y profesional, que la alejará de Corea y de Hae Sung, con quien iniciará un ida y vuelta a través de los años que contrastará decisiones prácticas con la emocionalidad.

La película toca muchos temas, lo hace además desde una perspectiva feminista no declarada (no se cuelga ningún cartel ni panfleto) al mostrarnos a una mujer tremendamente empoderada en su vida e invertir los roles tradicionales que nos ha impuesto el patriarcado (aquí Nora es la "práctica y dura", Hae Sung el "sensible y vulnerable"). Sin embargo, nunca abandona el contraste entre lo que decidimos ser y aquel camino que no tomamos, Nueva York vs Corea, lo cual se encuentra siempre plasmado en los diálogos ("Aquí es donde me encontré a mi misma. Aquí es donde debo estar..." - le afirma Nora a su marido en algún momento) y también en pantalla: lo vemos cuando Na Young y Hae Sung son niños jugando en una plaza, cuando adultos paseando por la ciudad o cuando comparten en un bar, divididos siempre ya sea por el tronco de un árbol, por un pasamanos en el metro o por una lámpara en la mesa. En ese sentido, los planos urbanos donde los protagonistas comparten son hermosos, planos horizontales, sin diálogos, donde solo oímos el ruido ambiente. Momentos donde la directora nos recuerda que el cine no es solo guión e historia, pues las imágenes también pueden hablar.

Por si todo lo anterior fuese poco, un tema que me ha resultado particularmente fascinante en la película es el como aborda a las supersticiones: el "In-Yun" (me estiro con esto en el Spoiler), un elemento enorme que por si solo abre muchas reflexiones.

En definitiva, Vidas pasadas es una película que reflexiona constantemente utilizando una poesía visual exquisita e instalando una serie de preguntas en nuestro inconsciente. También es una película de contrastes enmarcada en una historia de amor de dulce y agraz, un constante ida y vuelta que Celine Song ha retratado impecablemente en pantalla tocando tópicos como la renuncia, la elección y esas decisiones que marcan nuestra existencia. El mundo moderno y práctico (Estados Unidos) y el mundo romántico pero lleno de tradiciones (Corea). Lo que debe ser versus lo que es. Una fotografía brillante respecto a la crueldad con que suele actuar la vida, aunque seamos nosotros mismos quienes decidamos al respecto.

¿Lo mejor? La cantidad de tópicos existenciales que instala.
¿Lo peor? Nada. Es una obra maestra de comienzo a fin. O bueno, si.. ¡el que una maravilla de este calibre no se haya llevado ningún premio!

No solo es interesante lo que Martin Scorsese ha intentado desarrollar en su más reciente película, también es potente y necesario. Básicamente ligar el "sueño americano" con la historia del despojo indígena, sumado a su absoluta desprotección y abandono (algo que la historia acabaría por corroborar).

Para esto, el director nos instala en su escenario novedoso e inesperado: la nación Osage millonaria a causa del descubrimiento de petróleo en sus tierras. Scorsese nos muestra por tanto que alguna vez en algún lugar del planeta el mundo fue "al revés", con indígenas millonarios y el hombre blanco mirando desde abajo. ¿Y qué ocurrió? Pues el crimen y el robo. Esto ante los ojos de todo el mundo, incluido el propio gobierno de los Estados Unidos. El tema es que el director cuece a fuego lento todo esto pero lo baja demasiado, algo que por cierto ya le había ocurrido años atrás en El Irlandés (vengan de a uno...), llevando a la película por sobre las tres horas de duración en un acto que solo puede ser explicado por su edad y esa necesidad imperiosa de establecer un legado que perdure en el tiempo. Como quien desea contar un cuento con lujo de detalles pero solamente porque necesita imperiosamente ser escuchado y no tanto porque el cuento lo requiera.

Scorsese nos explica entonces el paso a paso de un par de personajes que se han propuesto robarle a los Osage desde adentro, con el objetivo de hacerse de su fortuna. Y ahí se da vueltas, demasiadas. El puzzle no deja de ser interesante pero hay asuntos que se ven venir mucho antes de que sucedan por lo que en varios momentos quieres que la película se apure porque, insisto, ya entendiste por donde va esto. Finalmente, recién en los últimos diez minutos de película el director muestra las cartas y de manera de manera absolutamente magistral y brillante (todo hay que decirlo) nos explica con manzanitas que es lo que estaba tratando de decir, cual era el sub texto de la trama. El problema es que antes nos encajó más de tres horas de historia. De hecho, la aparición en escena del personaje de Jesse Plemons (un policía que llega al pueblo a investigar que está ocurriendo) resulta realmente un alivio, pues ¡al fin! comenzamos a ver la luz al final del túnel.

Las actuaciones están bien, sorprende y destaca la aparición de una inédita Lily Gladstone, mientras que Leonardo Di Caprio + Robert De Niro (musas habituales del director) se mueven en lo suyo. Si me apuran, los papeles me parece les quedan grandes a ambos. Vengan de a uno nuevamente...

Killers of the flower moon es una película de autor que debe revisarse como tal, una que no se entiende si no por los ochenta y un años de edad de un director que nos pide paciencia, porque tiene un punto. Que lo tiene pero efectivamente este tarda muchísimo en llegar. La película se agradece, evidentemente es un "hay que verla", primero porque es Scorsese y segundo porque lo que el director se trae entre manos (la mentira en torno al triunfo del "emprendedor" en el mundo libre) es digna de reflexión. Sin embargo, verdad sea dicha, la película a ratos es tan pesada y redundante, que entorpece su propio mensaje.

¿Lo mejor? La interesante revisión del "sueño americano" que muestra el director.
¿Lo peor? Lo dicho, es eterna y redundante.