Tercera parte del Hobbit, algo más corta que las otras dos. Solamente 165 minutos.
Me apetece verlas todas, efectivamente. son muy entretenidas, y aunque se positivamente que están hechas por ordenador, que hay mucho menos cine del que parece, en el sentido de que se prioriza la edición digital y no la trama actoral, me parece que está perfectamente conseguido.
Tiene epopeya, tiene honor, venganza, anhelos de una vida mejor, puede leerse como una historia iniciatica del Hobbit, como un viaje del pueblo abandonado en un éxodo anterior, el viaje de los enanos hacia la tierra prometida, como un discurso político ejercido por un líder, como una tensión entre pueblos, casi como una guerra civil, etc. Tiene una lectura filosófica, otra política, desde luego una social y otra psicológica.
El dragón es el mal, la montaña es la tierra prometida, los enanos el pueblo, el Hobbit Bilbo Bolson es el conducto del pueblo, el héroe es el del escudo de roble, e incluso cuentan con un druida, con un agorero, con un augur, algo así como un líder espiritual.
Tiene guiños a otra películas y otras series, no necesariamente de ficción tipo el Arca Perdida o Mad Max y demás parecidas. Particularmente tiene cosas de Lang en Metrópolis.
Me está gustando mucho. Es un mundo al que no estoy acostumbrado, pero es muy entretenido.

La vi hace muchos años, y me gustó mucho. Ahora la veo en Movistar y me ha gustado más si cabe. No sé por qué tiene esa fama de mala película. Bien es cierto que, al parecer, fue un fracaso comercial gigantesco, pero supongo que, al final, después de muchos años y su gran carrera, la cinta habrá tenido retorno económico.
El reparto es muy bueno: Clint Eastwood es el director (John Huston), Jeff Fahey el guionista (Peter Viertel), George Dzundza es el productor (que es Sam Spiegel), Alun Armstrong, Marisa Berenson (muy conocida por "Muerte en Venecia" de Luchino Visconti y "Barry Lyndon" de Stanley Kubrick), Timothy Spall, Charlotte Cornwell, Boy Mathias Chuma, Mel Martin, Clive Mantle.
Es toda una enseñanza sobre cómo vivir dentro del mundo creativo. Las obsesiones del director de La Reina de África, John Huston por cazar un elefante narradas en un libro por su guionista, Peter Viertel, marido de la guapísima Deborah Kerr.
No sé realmente si es un fiel retrato de aquel rodaje, probablemente no del todo. Sí es una película del guión que hizo Peter Viertel para la película. No creo que a Eastwood le preocupase mucho esta cuestión. Quiero decir, el hacía una película escenificada, ambientada, en África y guionizada alrededor de las tensiones que se producen en un rodaje de cine. Si el propósito de Huston era verdaderamente cazar un elefante o si este planteamiento es una exageración del director o de este guión no lo sé realmente.
Sí es cierto que a Eastwood le importa un carajo lo que se diga de él. Atreverse en 1990, antes de sus mayores éxitos, a rodar una cinta sobre un mito del cine como Huston, bien a favor bien en contra, quiero decir de manera elogiosa o criticándole, revela, desde luego, una forma de ver el cine y la vida muy interesante.
"Acabaremos el guión y nos iremos de safari" le dice el director al guionista. Tal y como se expone en la película Huston no tenía el menor interés en rodar una película. Sólo quería cazar. Punto. Este punto está muy bien narrado, no deja lugar a dudas. No recuerdo de la biografía de Huston que leí si efectivamente era tan así como se cuenta en esta cinta.
La película respira un profundo racismo de los blancos que viven allí, especialmente el director del hotel, con el que Huston tiene una pelea un tanto ridíciula. En los comentarios de los participantes de las películas, y en la forma de tratar a los aborígenes se respira racismo.
Si el rodaje de La Reina de África fue como lo narra Eastwood lo desconozco. Tampoco puedo valorar si la película es fiel al libro de memorias de Viertel. La duda que me surge es si el proceso creativo que lleva a una obra de arte absoluta como lo es la película de 1951 tiene que estar rodeado de tanta farfolla, de tanto capricho y de tanta ensoñación. Es decir, ¿la obra de arte es fruto del método o de la inspiración? Porque es evidente que lo que busca Huston con su obsesión es despertar ese motor creativo, esa fuente primaria de inspiración que le permita encender la mecha de su cerebro.
Soy una persona mediocre y por tanto valoro el esfuerzo y envidio el talento. Me encantaría ser talentoso en algo, pero, desde luego, no perdiendo el método, que efectivamente sí tengo. Con talento eres un director de cine magnífico. Welles sería el ejemplo estupendo. Luego hay directores con método, supongo que miles. Y otros que reúnen las dos virtudes, resultando lo intemporal y lo epopéyico: Lang, Bergman, Fellini. Creo que en cine no se puede sobrevivir sólo con talento. Es un arte, un oficio, incompatible con la falta de método, de necesaria atención a las pequeñas cosas, a los detalles.

Temática difícil donde la haya. Me llama la atención lo poco que me sonaba la película... No es de las más conocidas suyas, probablemente porque tampoco es de las mejores. Me ha llamado mucho la atención y el tratamiento que se le de a la cuestión. No me parece de Scorsese. No sé cómo decirlo, pero me parecería más propia de Fuqua o incluso de Abel Ferrara. De este tipo de director neoyorkino hasta la médula que se dedica a mostrar el lado más sucio de la gran ciudad. No es que él no lo sea, que lo es, porque nació allí. Es que no ejerce como tal. Sus películas no tiene a NY con protagonista. En esta película tampoco.
La inhumanidad de un servicio público de urgencias en la ciudad de Nueva York por la noche.
Un conductor de ambulancias muy quemado con la noche y los tipos de atenciones que realizan comienza a sufrir alucinaciones. Ve a personas que ha intentado salvar en otras ocasiones, especialmente se le aparece el fantasma de una chica de 18 años. Nicolas Cage es el conductor, Patricia Arquee es la chica del padre que intentan salvar al comienzo de la plelícula y John Goodman el compañero en la ambulancia.
Homicidios, suicidios, sobredosis, todo tipo de penurias y problemas. Toda una locura, una paranoia de intervenciones, drogas, marginalidad y psicosis de estos trabajadores. Es natural que este tipo de estrés acumulado de días y días conlleve una auténtica psicosis...
La música es de Elmer Bernstein, básicamente retazos de canciones de rock duro. Elmer es un clásico absoluto, bandas sonoras míticas del cine llevan su sello.
No me ha gustado especialmente. Creo que el director eligió a Nicolas Cage antes de que se construyera el guión (por Paul Schrader, nada menos -habitual suyo en varias películas-, sobre novela de Joe Connelly) y elegir actores y casting. Ese punto de ido, de neuroriquillo, de pasado de vueltas creo que le va bien al personaje. Hay algo de autenticidad en ello, de no necesitar actuar. Es cierto que tiene un Oscar, pero no es un buen actor y cuando le vi en el reparto pensé, guauuuu, ¿cómo puede ser que Scorsese, que tan bien elige a sus actores cuenta con él para esta cinta? Me sorprende, mucho además...

Brando desde el minuto primero. Piel de serpiente es un vagabundo, un fuera de todo que sólo le preocupa su guitarra y su chaqueta de piel de serpiente.
Abandona un pueblo en el que ha tenido alguna bronca -no se especifica cuál- y el juez le deja ir a condición de que no vuelva más a él. Treinta años cumple ese día, pero se siente viejo porque lleva desde los quince rodando... Llega a otro pueblo y se aloja casualmente en la casa del shérif, cuya mujer le ofrece trabajo en una tienda de comestibles, pues su dueño ha tenido un percance de salud. La galería de personajes del pueblo es peculiar, entre ellos un brujo loco, una mujer joven desequilibrada y alcohólica (Joanne Woodward) que se empeña en decir que conoce a piel de serpiente, un par de señoras mayores solteronas y la mujer del dueño (Anna Magnani), de mediana edad un tanto hastiada por la vida que lleva.
Drama social -drama sureño- escrito por Tennessee Williams, en la doble condición de escritor de la novela y guionista. Son decenas las películas basadas en sus obras, algunas famosísimas.
Tiene algo director al mentón, pero no con fuerza, no con la violencia emocional de otras obras suyas: Un tranvía llamado deseo, De repente del último verano, La rosa tatuada, La gata sobre un tejado de zinc, Dulce pájaro de juventud, o La noche de la iguana.
La suavidad al ritmo que impone el director a las conversaciones entre la señora de la tienda y Piel de Serpiente son de una intensidad voluptuosa, con una sexualidad a flor de piel. El trabajo de él como vendedor de zapatos a niñas en la edad del pavo también tiene su aquel. Me ha gustado mucho el uso de las sombras en las conversaciones entre los protagonistas, especialmente en las relaciones hombre/mujer, siempre al borde de lo carnal, de lo sexual, del fuego del cuerpo.
Los personajes no tienen pasado, no se sabe de dónde vienen o por qué. Tampoco exponen sus proyectos, ilusiones o deseos. Solo tienen en consideración el hoy, el presente, la realidad.
Me ha gustado mucho, los ritmos, los tempos, la profundidad de los diálogos y sus dobles sentidos. La rudeza de las relaciones, la bestialidad de sus crudos planteamientos es el sello de calidad de Tennessee. Personajes desgarrados, simples pero con una sensibilidad locuaz y a la vez oculta.

Una especie de "Lo que el viento se llevó" pero en versión menos glamourosa. Clark Gable imperial como siempre, con una Yvonne De Carlo guapísima. Con Sidney Poitier, Efrem Zimbalist Jr. y Patric Knowles.
Drama racista y amoroso eficaz y resultón, pero con falta de profundidad. Emocionalmente solvente pero poco trascendente. No es de los mejores trabajos de Raoul Walsh, ni mucho menos, pero se puede ver. Un poco larga quizá, dos horas es mucho metraje.
No se entiende bien cuál es la razón por la que el rico propietario de la recién esclava es tan bondadosa con ella y con otros esclavos. Tampoco se explica bien cómo y por qué una mujer de sangre blanca y negra llega a ser esclava. El papel de la mala de la película, de la mujer que encandila al padre de la muchacha y por la que pide dinero al prestamista no está bien desarrollado. Quizá se había rodado material luego desechado.
No se llega a apreciar si es un alegado contra el racismo, la historia de una venganza -la del nuevo propietario contra quien quiso comprarla-, o una simple historia de amor. Desde luego no es historia e identidad propia.
Clark Gable está como desencantado, cansado de sí mismo, pasota, fuera de ese punto de intensidad dramática que requiere cualquier actuación si quiere ser auténtica. La película es de 1957, y él murió en 1960.
La belleza de Yvonne De Carlo es clásica, rotunda, racial, muy sexual, enigmática, y profunda. Una belleza 'de largo recorrido', de hoy, de ayer, de siempre.
El papel de Sidney Poitier tampoco está muy explicado. Se me hace raro que un negro se haga cargo de los negocios del amo. Se intuye que puede ser su hijo, pero no se explicita.
Rosa dice que la ha visto, pero yo creo que no. Me suena, porque es un tema absolutamente conocido, pero no la he visto, al menos no la tengo ni fichada ni guardada.