Debo reconocer que en su día me irritó bastante la forma en que Clint Eastwood nos despachó el bodrio de "El principiante", sobre todo porque todo el mundo tenía muy reciente la grata sorpresa que fue descubrir su gran talento como director en dos joyas del calibre de "Bird" y "Cazador blanco, corazón negro".

Ahora que he vuelto a ver "El principiante", he podido hacerlo con otros ojos, y sí, efectivamente estamos ante una de las mayores bazofias de Eastwood como director; pero he reparado en algo que se me escapó en su día y es cómo la propia película está concebida deliberadamente para ser un bodrio.

Si uno analiza atentamente, puede percibir en todo momento cómo el film no se toma en serio a sí mismo en ningún instante; todo es un absurdo exagerado, incluso una especie de parodia de los films de acción de la década de los 70 y 80. Todo es un manantial de tópicos desmesurados, excesivos, rimbombantes e incluso yo diría que hasta circenses.

Quizás el fallo de Eastwood sea que debería haber hecho directamente una comedia, pero estaba claro que su finalidad en "El principiante" era recaudar mucho dinero para así financiar el coste de su siguiente Obra Maestra (la emblemática "Sin perdón") y la mejor forma de obtener beneficios económicos era dando a las masas lo que le pedían: una vuelta de tuerca exagerada y paródica al fascistoide personaje Harry el Sucio.

¿Debemos juzgar severamente a Eastwood por ofrecernos de forma tan descarada y desvergonzada un film de pretensiones meramente comerciales? Pues yo creo que no; al fin y al cabo el cine, como todo negocio, tiene que financiarse, aunque a veces sea con productos de tan baja calidad. Y es algo que se debe perdonar y permitir a todos los directores, pues, por ejemplo, jamás La lista de Schindler hubiera pasado a formar parte de nuestras vidas si Spielberg no hubiese hecho antes la jugada (brillante comercialmente, pero nefasta cinematográficamente) de "Parque Jurásico".

El Despotricador Cinéfilo

Leo McCarey es un director muy dotado para la comedia, incluso para el cine romántico, como muy bien han demostrado sus grandes películas. Pero dudo mucho que tenga talento, temple o simplemente artesanía para rodar un buen film dramático. Y este "Hubo una luna de miel" es una buena prueba.

Por una parte es una película que me ha sorprendido muy gratamente, pues esperaba una insulsa comedia, y me encuentro inesperadamente con un terrible drama político y humano ubicado en la Europa del principio de la II Guerra Mundial. Una crítica durísima al nazismo y como fueron invadiendo o anexionando a todos los países de Europa. Un tema muy interesante y que, al menos yo, he visto poquísimas veces en el cine.

Y ahí está el gran error de este film. Pues si Hubo una luna de miel hubiera sido solo una película seria, dramática, concienciada y de propaganda bélica podría perfectamente ser un excelente producto, muy hijo de su época (se rodó en el año 1942, en pleno apogeo de la guerra). Pero todas esas buenas intenciones se quedan en nada con los desafortunados toques de comedia que una y otra vez McCarey mete, incluso con calzador, en la amplia mayoría de las escenas.

Por supuesto que es muy loable intentar buscar un tono desenfadado y divertido a tan gravísimos acontecimientos, y combinarlos para aportar un tono agridulce a dicha historia, de hecho, ahí tenemos la soberbia Obra Maestra de Lubitsch Ser o no ser (1942) con la que este film tiene muchos puntos en común. Pero si la maravillosa película de Lubitsch sale airosa, no se puede decir lo mismo de la de McCarey, pues los inapropiados toques de comedia restan veracidad a la historia global. Y de hecho, reconozco que las escenas más tristes, violentas y dramáticas están muy bien dirigidas y resueltas, pero no encajan de ninguna manera con la ligereza, superficialidad, humor y banalidad de las escenas románticas entre Cary Grant y Ginger Rogers.

Y es que resulta evidente que el poder combinar sabiamente comedia con drama es un talento que no está al alcance de todos, es más, está al alcance de muy pocos.

El Despotricador Cinéfilo

Son muchos los que encumbran a Mitchell Leisen como uno de los grandes del cine de la época dorada de Hollywood y que es lamentable que hoy en día su nombre no tenga el renombre, el prestigio y la fama de otros autores de esa época. Yo no soy uno de ellos, de hecho me parece un cineasta sobrevalorado y que tiene muchas películas insulsas y anodinas, pero eso no quita que reconozca sin problema que también dispone de joyas asombrosas en su filmografía como "Si no amaneciera", "Medianoche", "La vida íntima de Julia Norris" y sobre todo esta espléndida obra llamada "Recuerdo de una noche" por una sencilla razón: cada vez se me hace más difícil que una película o una canción me emocione (de hecho últimamente solo lo consiguen algunas canciones de Extremoduro) y por ello lo admiro profundamente cuando un film también produce esa reacción en mí.

Lo primero que me llama la atención es que la mítica química entre MacMurray y Stanwyck en esa Obra Maestra llamada "Perdición" de Wilder no fue fruto de la casualidad, y que ya quedó palpable 4 años antes en esta película. Sinceramente no se puede hacer mejor. Qué interpretaciones, qué soberbia sintonía entre ambos actores y sobre todo, y lo que más admiro, la gran autenticidad en lo que se está contando.

Siempre me ha parecido doña Barbara Stanwyck una actriz prodigiosa en todos los géneros y que brilla en cualquier papel, pues su inmenso talento la hace estar siempre perfecta. De lo que no estaba tan seguro es que Fred MacMurray llegase a estar a su altura interpretativa y que mantuviese el tipo en todas las escenas que comparten (que son muchas y muy intensas). Pues bien, se podría decir que estamos ante una de las más grandes interpretaciones de la carrera de este magnífico actor, a la altura de sus emblemáticos papeles en "Perdición" o en "El apartamento".

Esto en cuanto a las impecables interpretaciones, pero en cuanto a la labor de Leisen como director yo destacaría, una vez más, la autenticidad, sobriedad y realismo de la puesta en escena. Cómo una simple historia de amor puede ser contada con tanta verosimilitud, tanta sencillez, tanto candor y tanta sensibilidad. Se respira el calor humano de los personajes, tanto en la pareja protagonista, como en esa entrañable y dulce familia liderada por una soberbia Beulah Bondi como adorable madre repleta de ternura, comprensión y bondad. Dan ganas de que vuelvan a repetirse los momentos amargos, duros y decepcionantes si con eso consigues ser amparado, arropado y querido por estos personajes. Y que una película consiga esto dice mucho a su favor. Que cale así y que te involucres en la historia, y que solo con la mirada de los personajes ya sepas lo que están pensando solo lo consigue el cine en estado puro, y aquí los hay. Vaya que sí los hay.

Por tanto, seamos justos, pongamos a Leisen donde se merece: un realizar de filmografía muy irregular y mediocre, pero que cuando atinaba (y atinó varios veces) conseguía oro en los fotogramas que filmaba, consiguiendo además que, por enésima vez, me enamore de nuevo ante la gran Barbara Stanwyck.

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Mi ingenuidad cinéfila me sorprende más a menudo de lo que yo pensaba, pero vamos, yo encantando con ello, porque cuando ya pensaba que, tras verme cerca de un centenar películas del Maestro Ford, había disfrutado de sus mejores obras descubro inesperadamente que la última (y muy desconocida) película que rodó en su extensa filmografía, "Siete mujeres", es una auténtica joya a reivindicar desde ya.

No sé por qué razón nunca he tenido especial interés por verla, nunca me ha llamado la atención y de hecho de niño el único comentario que escuché (al extremadamente fordiano) Pumares fue lo suficientemente desganado como para aniquilar mi motivación por verla. Pues bien, desde ya ratifico que estamos ante una obra mayúscula fordiana a la altura de otras películas de mayor renombre de ese mismo periodo.

Puede que a muchos, empezando por mí mismo, descoloque e impacte que una película de Ford esté totalmente interpretadas por mujeres (salvo Eddie Albert en un pequeño pero decisivo papel) y que ese entorno esté tan alejado de su particular universo fílmico (siempre tan varonil, misógino, machista, testosterónico, etcétera) pero el resultado no puede ser más sorprendente y notable, así como una bofetada para todos los que creíamos conocer tan a fondo la obra de su genial autor. Ya que estamos ante una obra extremadamente liberal, feminista, transgresora y muy bien contada. Que detalla con destreza, vigor y maestría los peligros y la futilidad del falso puritanismo y la religión, lo miserable que puede llegar a ser el ser humano en sus actos, la violencia soterrada en la condición humana y sobre todo el sentido de la verdadera lealtad, generosidad, bondad y el sacrificio personificados en el personaje de una magistral Anne Bancroft en uno de los mejores papeles de su carrera, tan convincente en un difícil papel del que sale airosa, como si se tratase del mismísimo John Wayne en muchas de las demás obras fordianas. Eso sí, sería muy injusto solo alabar la labor de Bancroft cuando el resto de las actrices están todas a gran altura.

Pero no es esto lo que más me gusta de la película. Ni lo que más me ha sorprendido. Lo que me llama la atención es como muy sutilmente está inundada de múltiples matices muy políticamente incorrectos para la época (y más viniendo de un director tan… digamos… conservador como Ford): Esas indirectas, toques, deseos contenidos y miradas lesbianas entre la madura directora y la sumisa y virginal Sue Lyon, esa visión atroz del hombre en todas sus vertientes (ya sea como salvaje brutal asiático, como calzonazos domado por su dominante mujer, como incompetente de solucionar nada si se compara con las mujeres, …), esa crítica desalmada al falso puritanismo y al mal uso que se hace de la religión por muchos, etcétera.

Resumiendo ¿quién podría haber dicho o imaginado de Ford que acabaría haciendo en su última película uno de las análisis y disecciones de la psicología femenina más memorables e interesantes? La respuesta esta cuestión es la causa de porqué amamos tanto al cine.

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Ante todo soy un gran fan del western , ya que a mi juicio es el único género que aunque la película sea rematadamente mala no deja de entretenerte y distraerte por muy banal, simplón y lineal que pueda ser el guión. Por ello, de vez en cuando, me dejo caer en la tentación y me doy el gustazo de verme una clásica película del Oeste. ¿Y qué mejor opción que una obra del maestro Nicholas Ray sobre la legendaria vida de Jesse James?

"La verdadera historia de Jesse James" es un western visceral, espléndido, vigoroso, vibrante, excitante y sobre todo conmovedor por lo muy bien definidos que están los personajes y la maravillosa forma, a través de flashback, que Ray nos lo va contando. Explicando y justificando en menos de 90 minutos todos los claroscuros de la mítica personalidad de Jesse James, el magnetismo que siempre ha deprendido su leyenda y, sobre todo, los motivos de humillación que le llevaron a su vida delictiva y sanguinaria como atracador de bancos y ferrocarriles.

Eso sí, lo realmente divertido de visionar esta película de Nicholas Ray es que a pesar de que hace ya muchos años que vi "Tierra de audaces" de Henry King (y la posterior secuela, "La venganza de Frank James" de Fritz Lang) me las estuvo recordando continuamente. Cierto que la historia es exactamente la misma pero podría jurar que hay escenas calcadas la una de la otra, los mismos diálogos e incluso hasta los mismos encuadres y planificaciones. ¿Esto desmerece en algo la película de Ray? Pues claro que no, cierto que es deudora de esas otras películas, pero tienen lo suficientes ingredientes propios para hacerla incluso más atractiva e interesante (para empezar un espléndido cinemascope, unas impecables escenas de acción y una crudeza visceral ausente en los films de King y de Lang).

He leído por ahí que quizás La verdadera historia de Jesse James se resiente por culpa del poco carisma de sus dos actores protagonistas. No puedo estar más en desacuerdo. Cierto que Robert Wagner es un actor mediocre con muchas limitaciones interpretativas pero en este difícil papel de encarnar a un mito como Jesse James sale airoso y lo resuelve de manera digna y creíble. Y en cuanto a Jeffrey Hunter es un actor intocable para mí haga lo que haga, porque un actor que consiguió en "Centauros del desierto" mantener el tipo y estar a la misma altura interpretativa de John Wayne merece todos los elogios y consideraciones. Y si nos ponemos quisquillosos hasta se podría decir que físicamente dan mucho más el pego como hermanos Wagner y Hunter que Tyrone Power y Henry Fonda en los films originales.

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