Durante la primera media hora, casi nos olvidamos que es una película más de Alien, hasta que el adorable alienígena hace su aparición (en una de las mejores escenas de la película, con un montaje paralelo entre el nacimiento del alien y la cremación de los cuerpos de los compañeros de Ripley).

Lo mejor de la película, sin duda, es el estilo visual de Fincher, diferente a los de Scott y Cameron, pues la película tiene un montaje y unos planos sencillamente soberbios, además de una fotografía oscura y tenebrosa perfectamente conseguida. Es significativo también que Fincher, a día de hoy, no quiera saber nada de esta película, sobre todo tras los obstáculos que, parece, le fueron poniendo los productores, ansiosos por lograr un producto veraniego de acción y fácil de consumir por el americano medio. También es gracioso comprobar como, en el extenso making of de la película, todo el mundo parece lavarse las manos y mirar para otro lado sobre esta cuestión. En fin.

Quizá, en determinados momentos, a la película se le echa en falta algo más de coherencia entre los planos (sobre todo en su versión cinematográfica, en la versión extendida del DVD el ritmo mejora) y las secuencias, y cuando se piensa en ella, se recuerda más escenas sueltas que el todo. Lo que importa es que Fincher logró una muy meritoria película sombría y tenebrosa, claramente deudora del Alien de Scott, por momentos desquiciada y en tensión, con escenas ya para el recuerdo, como las persecuciones frenéticas, maravillosamente rodadas, por los túneles de la cárcel, con puertas abriéndose y cerrándose mientras el alien aparecía y desaparecía. O escenas como la autopsia de Newt, la breve reconstrucción de Bishop, el primer ataque del alien al médico y el final, ese polémico y grandioso final con Ripley dejándose caer al fuego. Muy meritorio el trabajo de los actores, aparte del mencionado Dance. Sigourney Weaver le tiene cogido el punto a su personaje, pero Charles S. Dutton, Brian Glover y la caterva de presos histéricos no le van a la zaga. El diseño y la música de Goldenthal son excelentes, y contribuyen decisivamente a crear la atmósfera de la película. Lástima de los montajes y los problemas que tuvo en su día, que mermaron la calidad de la película y su fama, pero el tiempo está poniendo en su lugar a un filme que es un referente en el cine de ciencia-ficción de los 90. Tras su estreno, Fincher fue labrándose una carrera magistral, mientras que la saga de Alien acabaría con el despropósito que es "Alien: Resurrección", una locura que nunca debió ver la luz y que nunca tuvo que dirigir Jean-Pierre Jeunet. De momento, la saga está hibernando. Veremos si Ridley Scott es capaz de revivirla con la precuela de su propia película de 1979.

También me sobran historias completas, como la de Belén Rueda. No me dice nada su desgracia, su amor por Sampedro, y su personaje. Amenábar se equivoca también, confundiendo lirismo con pastel, y no se da cuenta que el lirismo se consigue a través del diálogo de los personajes, de su crecimiento interior y de cómo lo proyecten. No encontré nada de eso en la historia de Julia con Sampedro. Vuelvo a remitirme a Eastwood en este aspecto. Y aunque repito que no es que sea una mala película (funciona a ratos sí, a ratos no; y hay personajes conmovedores como el de Lola Dueñas), no es la maravilla que todos se apresuraron a ensalzar.

Evidentemente, la interpretación/caracterización de Javier Bardem es portentosa, pero no basta, hay que ser, vuelvo a repetir, mucho más sutil con temas como el de la eutanasia y el deseo de morirse de un hombre perfectamente cuerdo, que puede hablar y comunicarse. Quizá penséis que todas las escenas del juicio y de los abogados bastan, pero para mí no, la película peca de ser demasiado parcial, demasiado defensora de la actitud de Sampedro, cuando lo que la historia pedía a gritos era otra cosa. El final es muy bonito y muy emotivo... provoca torrentes de lágrimas en los espectadores que se han conmovido a lo largo de la historia (y que, al fin y al cabo, es lo que Amenábar busca), pero cuando comienzan los títulos de crédito, y volamos sobre el mar, lamento que esta historia no se hubiera contado de otra manera, con más sencillez y poesía, y menos énfasis y efectismo. Ojo, Amenábar cuenta con mi simpatía (de hecho, "Ágora" me parece espléndida), pero aquí quiso ser Spielberg cuando lo que tenía que haber hecho es fijarse en Eastwood o en Schnabel, quien, por ejemplo, sí dio en la diana con una historia parecida, "La escafandra y la mariposa", que contiene todas las virtudes que le faltan a ésta.

Martin Campbell, zorro viejo, sabe moverse muy dignamente en el cine de acción (la entretenida Bond "Goldeneye" y la estupenda "La máscara del Zorro"), y aquí lo demuestra dotando al buen guión firmado por, entre otros, Paul Haggis, de un ritmo vertiginoso, combinando hábilmente escenas trepidantes (y magníficas) de acción con otras más relajadas y trufados de buenos diálogos, pero nunca llegando a la parsimonia o al aburrimiento.Sí es verdad que el metraje del filme se acaba haciendo un pelín largo, y que unos minutos menos de metraje habrían dejado un mejor acabado en algunas escenas; pero es un mal menor en una película muy decente, que recoge todo lo bueno que posee el actual cine de acción (argumentos y tramas complicadas, villanos tortuosos y héroes complejos; más unas escenas de acción casi hiperrealistas y espectaculares), introduciendo al personaje en medio de todo ello. Y respecto al debate de si James Bond nunca debería reinventarse, y siempre tendría que tener una serie de características (elegancia, estilo, mano con las mujeres, etc, etc) que jamás deberían cambiarse... pues lo dejo para los fans de la serie. En mi opinión, el personaje, por su misma forma de ser y por lo que hace, debe reinventarse cada cierto tiempo, debido al riesgo que corre de convertirse en algo anacrónico y risible. Y esta "Casino Royale", una película Bond (con todo lo que ello supone de estar atada a una serie de características inviolables tales como el exotismo, la acción, las mujeres, los coches, los villanos...), es quizá lo mejor que podía dar de sí.

Pero, lamentablemente, Renée Zellweger es la que se encarga de dar vida a Mae, la abnegada y sufrida esposa del boxeador. Zellweger, actriz sobrevaloradísima (su Oscar es de chiste de mal gusto) y con una asesinable tendencia a los mohines y a los pucheros, la caga cuando trata de mostrar pesar, sufrimiento o tristeza, ya que, si Crowe y Giamatti saben moverse perfectamente por esos estados de ánimo, ella lo convierte todo en una sucesión de muecas y caritas que te hacen vomitar sobre el sofá. Es incapaz de mostrar la MISERIA, como lo hace Crowe, ya que ella se pasea con su rebequita y sus mohines, toda pulcra y limpia, y no te la crees para nada. Una pena, sabiendo que hay actrices que ese papel lo hubieran bordado (se me ocurren Maggie Gyllenhaal, Samantha Morton o Holly Hunter). Por otro lado, me sobran ciertas escenas lacrimógenas made in Howard, como cuando, en el inevitable combate final, en la Iglesia, el cura pone la radio a todos sus feligreses o el discurso repelente pre-combate de la Zellweger de los cojones. Si dejamos a un lado ésas y algunas escenas más, tenemos una película aceptable, sólida, con una factura de lujo y una gran recreación del Nueva York de los años 20 y 30, que alcanza sus cotas más altas en la etapa de la pobreza de Braddock (la escena de Crowe pasando la gorra ante sus antiguos conocidos es ciertamente emotiva), con buenos puntos, lo que la convierte en, quizá, la película mejor acabada y correcta de Howard. A destacar esos dos buenos secundarios como son Paddy Considine y Bruce McGill, y la música del gran Thomas Newman. Lástima de la Zellweger, pero esta película es de lo mejor del blando de Howard que anda ahora metido entre códigos y ángeles. Que le vaya bien.

Es curioso que el personaje de Sean Connery, Ramírez, sea considerado egipcio-español. Una rareza. La película está llena de momentos ya míticos, como el duelo final entre Kurgan (Brown) y Connor en la nave industrial abandonada; todas las instrucciones y consejos que ofrece Ramírez, el duelo Ramírez-Kurgan, etc. El hieratismo de Lambert favorece la melancolía y rudeza de su personaje.