*El mejor Bond

Cuando pasen los años y se mire hacía atrás se dirá con más soltura, pero un servidor ya piensa que Daniel Craig ha sido el agente 007 definitivo. Cinco películas y quince años a la espalda han valido para construir un James Bond que pasará a la historia, si no lo ha hecho ya.

En Sin tiempo para morir vemos a un Bond más humano que nunca, que cierra una historia que va más allá de un agente del MI6 que dispara a los malos. Este Bond ha dejado de lado su vida como espía. Hay vida más allá de la licencia para matar. Se ha convertido en una persona real que quiere vivir dejando de lado sus fantasmas y trabajo.

Además, el 007 que vemos en esta entrega es seguramente el que cuente con un mayor componente emocional. Se nota desde el primer momento que estamos ante el fin de una era. La de uno de los grandes personajes de la historia del cine. Y desde luego que Sin tiempo para morir cumple con su cometido de cerrarla a la altura.

*El 007 más romántico

De las cinco entregas que forman la saga de Daniel Craig, Sin tiempo para morir se alza como la más romántica de las cinco. Incluso por encima de la magnífica Casino Royale, donde James Bond queda marcado para siempre debido a la aparición en su vida de Vesper (Eva Green).

En Spectre dejamos a Bond junto a la doctora Madeleine Swann, donde comenzaron una relación amorosa. En esta nueva entrega la pareja formada por unos espléndidos Daniel Craig y Lea Seydoux se comen la pantalla. Será una de los romances más recordados de la saga del agente 007. Tanto por sus actores, como por los giros y secretos que esconde la relación.

Esta relación, además de los años en el papel de Craig como Bond, hacen que el cierre de la película sea aún más emotivo y deje huella tras el fundido a negro.

*Aprendiendo de los errores

Si bien Casino Royale y Skyfall habían dejado el listón muy alto, la última entrega de la saga, Spectre, resultó decepcionante en varios sentidos. De hecho, la relación de Bond y Madeleine no me convenció del todo en la cinta dirigida por Sam Mendes. Tampoco lo hizo su villano principal, interpretado por Cristoph Waltz.

Sin embargo, en Sin tiempo para morir se solucionan estos errores. La relación amorosa es mucho más creíble, la breve aparición de Waltz es mejor que todas sus escenas en Spectre y definitivamente se cierra la trama que comenzó en Casino Royale.

Aun así, la película es imperfecta. Era de esperar que en su extenso metraje hubiera momentos que podrían haberse hecho más cortos. En todo caso, las épicas escenas de acción filmadas por Fukunaga, con algún plano secuencia por ahí, siempre son efectivas y nos mantienen dentro de la historia en todo momento.

Seguramente la parte que se llevará más críticas sea la correspondiente al villano interpretado por Rami Malek. Es cierto que no está a la altura de los papeles de anteriores antagonistas como Javier Bardem o Mads Mikkelsen. Tampoco resulta la mayor amenaza a la que se ha enfrentado James Bond. Aun así, la cinta nos deja una gran escena entre villano y héroe en el clímax.

*Conclusión

La era de Daniel Craig como el espía más célebre de la historia del cine acaba por todo lo alto. Sin tiempo para morir (No Time to Die) es una despedida a la altura del James Bond más humano, romántico y épico que se ha enfundado el traje de 007.

Y aunque la película dirigida por Cary Joji Fukunaga puede resultar demasiado larga para algunos y haya algunas flaquezas en el villano, la película lo compensa con todos sus aciertos. Al final, cuando se mire hacía atrás se recordará a esta película como el gran final del Bond de Craig, el James Bond definitivo.

Escrito por Víctor Pérez Cañete

*Por ellas

Neus Català (1915-2019) dedicó la mayor parte de su vida a la lucha por la memoria histórica. Y la reivindicación de la memoria es, precisamente, la esencia de la ópera prima de Miquel Romans. Cenizas en el cielo nos obliga, durante sus 100 minutos de metraje, a mirarnos larga y concienzudamente en el espejo. Se trata de un homenaje sentido no sólo a Català, sino también a todas las mujeres invisibilizadas que lucharon por los mismos objetivos.

*La comunidad como refugio

Cenizas en el cielo está menos interesada en exhibir los horrores de Holleischen, y más en mostrar la comunión forjada entre las prisioneras. Asimismo, el film de Romans evidencia el contraste entre la conexión que se establece entre individuos sometidos a situaciones extremas, y el inevitable choque emocional entre sendos individuos y aquellos que no las han sufrido. “De hecho, la vemos sonreír menos cuando vuelve a casa,” apunta Nausicaa Bonnín.

*Bonnín (con)vence

Nausicaa Bonnín resuelve esta tarea hercúlea con solvencia. Ya sea con rostro impenetrable frente a sus carceleros, firme, organizando el sabotaje en la fábrica de armamento, o finalmente vulnerable en el momento de la liberación, la Neus Català de Bonnín cumple todas las expectativas. Le acompaña un elenco de nivel, que cuenta con caras conocidas por el seguidor de las series más populares de la televisión pública catalana (que coproduce el film). Entre ellos, Rachel Lascar, Roger Batalla, Iria del Rio, Natalia Barrientos, Paula Vélez o Laura Conejero.

*Conclusión

La figura de Neus Català se erige como ejemplo de compromiso con la lucha antifascista y referente imprescindible. Cuatro años después de su muerte a los 103 años de edad, Cenizas en el cielo sirve como un potente vehículo para mantener vivo su legado y, a la vez, para transmitirlo a las generaciones más jóvenes.

Escrito por Laura Sala

*Amplitud de campo

Más dura será la caída (The Harder They Fall) es un un goce sangriento, un western repleto de personajes memorables interpretados por un reparto a la altura. Cada escena y momento escenificados con una belleza voluptuosa y pura energía cinética. Jeymes Samuel, que ha escrito, dirigido y compuesto la música de la película, no sólo ha estudiado las obras de los directores a los que emula, sino que comprende lo que estaban haciendo con la imagen y el sonido. No se trata de otra película homenaje más de la que ir sacando una lista de referencias.

Es una pena que esta película de Netflix probablemente se vea en dispositivos móviles, portátiles y tablets, cuando se concibió claramente para exhibirse en salas de cine. Samuel usa planos muy amplios para encuadrar tomas que contienen mucho espacio vacío. En esa amplitud encontramos capas de información en las que poder enfocarse para apreciar pequeños detalles visuales. Regala a sus actores momentos preciosos en los que sus personajes pueden escuchar, mirar en silencio. unos a otros, y reflexionan sobre su próximo movimiento. Todo ello, mientras soportan las miradas asesinas de enemigos armados hasta los dientes.

*La realidad plegada a la ficción

Los aficionados a la historia del western esbozarán una sonrisa con los nombres de personajes que son tomados de personas reales que vivieron y murieron en el Viejo Oeste, incluidos Nat Love, Bass Reeves, Stagecoach Mary, Jim Beckwourth y Cherokee Bill. Sin embargo los eventos en los que participan son una maravillosa y alocada ficción. Tienen tanta relación con la realidad como los eventos de un western de paisajes oníricos como El bueno, el feo y el malo, Rápida y mortal o Los justicieros del oeste, tres de las muchas referencias utilizadas; o una película de gánsters como Dillinger o Los intocables de Elliot Ness, cuyos principales acontecimientos resultan tan ridículos analizados bajo la óptica de lo verosímil que bien podrían haber tenido lugar en otro planeta o en una dimensión alternativa.

Pero esta es una característica de Más dura será la caída (The Harder They Fall), no un error. El cineasta apuesta por transmitir una sensación de pesadilla, sueño operístico, creando, como Leone antes que él, una versión paralela y alternativa del oeste americano en la que los disparos de pistola reverberan como cañones, el fuego y los tiroteos son tan acrobáticos que parecen una extensión de las artes marciales. Siguiendo los consejos de Hitchcock se aleja de lo real y lo verosímil para centrarse en la ficción como núcleo vertebrador.

Por otro lado, lo que comienza como una gran broma, llega un punto en que borra esa sonrisa arrogante de su rostro, abraza los aspectos melodramáticos de su historia central y se convierte también en un romance, una tragedia familiar y una cuasi historia mitológica sobre cómo la violencia engendra más violencia. La crudeza de los actos violentos se ve reflejada ya sea en un salón, en calles polvorientas o en la privacidad de un hogar familiar.

*Excelencia en la interpretación

Jonathan Majors, que pareció surgir de la nada hace unos años para convertirse en un actor protagonista destacado, interpreta a Nat Love. Al que vemos representado por primera vez en un flashback durísimo, como un niño aterrorizado cuya madre y padre son asesinados por el forajido Rufus Buck, Idris Elba. Como regalo de despedida Buck marcará para siempre al niño. Señala al protagonista de la película de forma tan significativa como la cicatriz vertical en el rostro del forajido Josey Wales. De adulto, Nat se convierte en un temido pistolero y forajido, envuelto en una combinación de aventura y misión de venganza contra el hombre que mató a sus progenitores.

La banda de Rufus incluye a Regina King, Trudy y LaKeith Stanfield, Cherokee Bill. Respaldando a Nat, tenemos a Zazie Beetz, Stagecoach Mary; Danielle Deadwyler como Cuffee, una suerte de trasunto de Calamity Jane; RJ Cyler como Beckwourth; y el experto en rifles Bill Pickett, Edi Gathegi.

*Espectáculo visual

Durante el metraje nos encontramos duelos, tiroteos masivos, acrobacias a caballo, persecuciones, un robo de trenes, asaltos a bancos y un par de peleas cuerpo a cuerpo con puños, pies y armas improvisadas. También hay números musicales y grandes decorados pintados en tonos variados y vibrantes, con tantos toques modernos que a veces parece que estamos recorriendo una museo de arte contemporáneo. Una pelea a muerte entre dos personajes en un granero es precedida por un paseo entre telas teñidas de vivos colores que cuelgan de tendederos, creando imágenes dignas de cuadros impresionistas.

Samuel y el también guionista Boaz Yakin, Titanes: Hicieron historia, construyen la primera parte de la película con narrativas paralelas, siguiendo a cada una de las bandas criminales. Al comienzo de la historia, Rufus está cumpliendo condena en la prisión federal. Se necesita un actor excepcional para justificar el desarrollo creado para Rufus. Un rostro que no es mostrado en su primera escena y durante veinte minutos desaparece por completo. Cuando entra en plano de nuevo, asistimos a una tensa escena que podría formar parte de una película de terror. Elba hace que la espera valga la pena, imbuyendo su carácter cínico y seguro, sumando una melancolía que recuerda a El Indio, el villano interpretado por Gian Maria Volontè en La muerte tenía un precio.

Complejidad con apariencia ligera

La historia llena la pantalla con personajes cuya excentricidad, frialdad y psicología estratificada se transmite, en unos pocos detalles. Aunque las simpatías de Más dura será la caída parecen estar con Nat, un niño traumatizado que impone su voluntad sobre un universo injusto.

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Escrito por Juan Avilés Torres

*La huesera, la trapera, la loba

Huesera, trapera y loba. Estas tres palabras dan nombre a la vieja del mito. Una anciana solitaria que busca los huesos de aquellos que se han perdido por los montes —especialmente de lobos— y los colecciona hasta poder recomponerlos. Cuando consigue un esqueleto completo, entonces canta una canción que hace que la forma cobre vida y salga aullando del escondite para posteriormente transformarse en una mujer que corre hacia el horizonte mientras ríe a carcajadas, libre.

De esta manera, Huesera se adentra en esta creencia para transformarla a través de un prisma feminista. Valeria (Sonia Couoh) está buscando tener un hijo con su pareja, Raúl (Alfonso Dosal). En el momento en que queda en estado, toda su realidad se verá cuestionada y acechada por una criatura que cruje todos y cada uno de sus huesos.

La reflexión de la película gira en torno a si podemos ser nuestras propias hueseras, si realmente Valeria está viendo a esa criatura o si necesita verla para recomponer todos sus pedazos perdidos y ser una mujer nueva, libre.

Este canto a la libertad, a la ruptura con la norma y la tradición consigue todo lo que se propone. Muestra una crítica muy acertada al sistema, a la manera en que se dictan una reglas sociales que deben seguirse para ser una persona de bien. Y, por otra parte, la representación de la disidencia, de la existencia de personas que se salen de esas normas, que necesitan realidades distintas para poder ser ellas mismas.

*Terror corporal y psicológico

Son muchas las obras de terror que se desarrollan a partir de un concepto social. Y cada vez más son las mujeres que representan sus realidades y miedos a través del terror. Películas como Babadook (2014) o Prevenge (2016) hablan de las maternidades disidentes, de las diferentes maneras de afrontar el tener hijos, relacionarse con ellos y de los efectos que puede conllevar el hecho de engendrar.

Garza Cervera se aventura a adentrarse en estos conflictos creando una atmósfera de suspense psicológico en la que no es sencillo saber qué es real y qué no, donde las emociones de la protagonista están a flor de piel y sus impulsos lideran sus acciones.

Asimismo, el body horror presente en la zombificación de sus miedos y en los movimientos corporales que realiza tanto ella como la criatura resulta de lo más siniestro. La repulsión que generan los crujidos de huesos y la angustia que es capaz de representar la actriz protagonista. La repugnante criatura. Todo.

Huesera juega con estos subgéneros para dar vida a ese terror tan silenciado que supone revelarse contra lo establecido, querer algo distinto al camino que te han hecho seguir. La manera en que se utilizan estas técnicas es tan efectiva que es demasiado sencillo empatizar con el personaje de Valeria.

*Conclusión

Huesera supone una folclórica y terrorífica visión de la maternidad no deseada, del deseo, de la sociedad y de la libertad; una —en el fondo enternecedora a la par que aterradora— búsqueda personal.

Con un suspense que funciona a la perfección con las apariciones de la criatura y un reparto con un carisma muy atractivo que consigue vender de manera creíble la película, Michelle Garza Cervera trae una revisión feminista del mito de la huesera que se alza como una más que interesante incursión en sus andadas como directora.

Escrito por Ana Aliaga Díaz

*Kobe y su amigo, Pau Gasol

No falta el hueco en la serie para Kobe Bryant, el amigo fuera y dentro de la cancha de Pau Gasol. Un repaso y un recuerdo memorable el que se encuentra en Pau Gasol: Lo importante es el viaje. Sin duda, lo más emotivo son las palabras que dedica Pau Gasol a su amigo haciendo a su vez un repaso de lo que fue estar a su lado jugando en Los Angeles Lakers.

Pau Gasol relata en el documental Pau Gasol: Lo importante es el viaje: "En Washington Kobe Bryant me da la bienvenida al equipo a mi llegada sobre la una de la mañana. Quiso venir a mi habitación a mandarme un mensaje de líder para darme la bienvenida, pero para decirme también Aquí has venido a ganar el anillo. Eso se traduce al final en dos anillos, tres finales y una amistad que trasciende el baloncesto."

Entre lágrimas Pau Gasol recuerda anécdotas, victorias y derrotas, alegrías y frustraciones pero sobre todo la amistad que se forjó con Kobe Bryant. Dentro de la pista se entendían pero sus valores y sus personalidades congeniaban también a la perfección. Fue una relación más allá del baloncesto.

*La pura adrenalina no se olvida

Una cosa que se repasa en Pau Gasol: Lo importante es el viaje, es lo que viene después del deporte, en este caso del baloncesto. Pau, por tanto, se pregunta, ¿hay vida después del baloncesto? Y es que es una cuestión a resolver con una profundidad increíblemente poderosa, peliaguda y un tanto escabrosa.

Un deportista de élite que se ha pasado más de media vida entrenando a diario y dedicándose en cuerpo y alma al baloncesto, lo pasa mal cuando todo eso desaparece y el no saber gestionar esa transición puede ser mortal para uno mismo. Aquí en, Pau Gasol: Lo importante es el viaje, se muestra cómo hace mella en la persona y cuan difícil es poder aceptar la realidad de que se acaba. Una realidad que inunda la vida del deportista.

Pau Gasol en este ámbito se prepara mentalmente y físicamente para el cambio de paradigma que va tener su vida, dado que su rutina y todo su alrededor cambiará para siempre en un giro de 360 grados. Estar preparado para ello es primordial y a cada paso que Pau Gasol da, se ve cómo el jugador de baloncesto lo encaja. Cada decisión influye en un futuro temeroso.

*Doloroso pero reeconfortante

"Todo empezó con esa lesión en Portland, sabía que iba a ser una etapa complicada sobre todo en mi vida profesional y también iba a ser difícil gestionarlo a nivel emocional, y quería capturarlo y transmitirlo. Hemos querido transmitir como hemos hecho las cosas a nivel familiar y el efecto que tienen en las personas, que es muy difícil de verlo e imaginarlo", explicó Gasol a los medios de comunicación durante la presentación del trabajo de Bosch.

En Pau Gasol: Lo importante es el viaje, se muestra lo doloroso por dejar una vida atrás, como es el mundo del baloncesto, pero habiéndolo intentado por pasiva y por activa. Pau Gasol no ha dejado de insistir y se nota a lo largo de todo el documental como con ganas, ilusión, esfuerzo, compromiso y positividad, se pueden lograr cosas que uno mismo no se espera.

En el documental, Pau Gasol: Lo importante es el viaje, vemos rostros conocidos de la NBA que refuerzan la estela que dejó Pau Gasol en la cancha. Phil Jackson, su entrenador de Los Ángeles Lakers, Tony Parker, Kevin Garnett, Lamar Odom o Shane Battier son algunos de las personalidades que comentan el paso de Pau Gasol por la NBA.

*Conclusión

Pau Gasol: Lo importante es el viaje es la dura batalla que ha tenido que librar Pau Gasol para volver a jugar al baloncesto con el equipo que empezó a hacer historia, el FC Barcelona Baloncesto. Un documental con todo tipo de testimonios, situaciones y vivencias. ¡No dejará indiferente a nadie!

Escrito por Cristian Urriaga Sepúlveda