Revisitando películas españolas, aprovechando que mi hija debe visionarlas para un trabajo de fin de carrera (El Retiro madrileño como plató de películas), vuelvo a tener el placer de disfrutar de, seguramente, la mejor película del gran Vicente Aranda.

Un director quizás poco recordado ahora pero que tuvo la influencia de introducir el cine de suspense, con toques de cine negro clásico, en un cine español ochentero que apenas había explorado este género, además de hacerlo añadiendo lugares icónicos que parecen personajes y que resultan muy reconocibles (el policía corrupto de Fanny Pelopaja, la Barcelona de Si te dicen que caí, ese barrio de Tetuán de las Victorias o Burgos y su catedral gótica en esta Amantes).

Además, Aranda supo adaptar la obra literaria de Juan Marsé como nadie ha hecho ni, creo, será capaz de hacerlo en un hipotético futuro: El Amante Bilingüe, la magnífica e icónica La Muchacha de las Bragas de Oro, la antes mencionada y también magnífica Si te dicen que caí.

Su cine está lleno de personajes marginales, de mucha sensualidad, a veces incluso sexualidad, es un cine que podríamos denominar realista, muy urbano, lleno de sombras y negro, casi siempre, muy negro.

Amantes está en mi lista de 20 mejores películas españolas de la historia, sin duda. Verla después de varias décadas no defrauda: Victoria Abril lo borda, está inmensa, con una Verdú en la que ya se adivina una grandísima actriz y un Sanz eficaz y cumplidor, con un retrato de una España de estraperlo, hambre, militares, modistillas, criadas internas, pueblos rurales y frío, mucho, mucho frío.

Con un fondo de Nochebuena y villancicos, Aranda nos muestra a una mujer fatal que finalmente no lo es tanto, una viuda de vida disipada y fuera de la ley, metida en negocios sucios con gente todavía más sucia, capaz de enamorar mediante sus artes en la cama a un jovenzuelo que acaba de dejar el servicio militar y al que le gusta la vida contemplativa y rehúye del trabajo.

Frente a la experimentada y volcánica viuda, la virginal criada que encarna Verdú ponen en un brete al joven y en este triángulo que forman fluye el cine negro de Aranda, en la línea de Perdición, El cartero siempre llama dos veces o Fuego en el cuerpo, con todos los maravillosos clichés del cine negro americano más canónico (la mujer fatal, el desenlace terrible, la ambición, el sexo y la mentira).

En el pero, quizás adolece de diálogos más potentes, de sentencias habladas que este género demanda y que quizás le hubieran venido algo grandes a Sanz (no es ni Lancaster, ni Mitchum ni mucho menos Bogart) pero que creo hubiera defendido muy bien Victoria Abril (grande siempre) como si fuera Ava Gardner, Joan Bennet o cualquier otra grande del género).

Una muy buena película que no ha perdido calidad con los años.

Esta especie de ejercicio de metacine homenajea al cineasta sueco más celebrado de la historia y pasea al espectador por el refugio que encontró en la isla de Faro, al norte de Gotland.

Con dos intérpretes tan solventes como Roth y, sobre todo, Vicky Krieps, acompañados por secundarios de la altura de Mia Wasikowska, la historia transcurre de manera más que fluida, atrapando la atención del espectador sin demoras, desde el inicio mismo del film.

El problema es que se precisa de un espectador avisado, algo mitómano y, por supuesto, cinéfilo, que sea capaz de encontrar las referencias al cine del maestro sueco que se hacen en la película y que Mia Hansen-Love va desgranando, a veces de una forma un tanto atropellada. En el caso de plantarnos ante esta película sin conocer la obra de Bergman y sin tener una idea aproximada de sus inquietudes, de sus obsesiones, la película pasará por nosotros como una historia de dos creadores,los personajes interpretados por Roht y Krieps, que dialogan sobre la dificultad de concebir un proyecto partiendo de la temida hoja en blanco.

Una película interesante pero minoritaria, me temo.

Una película dirigida por el maestro de maestros, John Ford, interpretada por su actor fetiche John Wayne, por una estupenda siempre, mitica, Maureen O'Hara y con Ward Bond o Ken Curtis entre los secundarios no puede ser nunca desdeñada.

Y es que no está entre las cinco mejores, quizás tampoco entre las diez mejores películas que dirigió el maestro. Pero con todo y eso estamos ante una comedia dramática o más bien ante una comedia, a ratos, y un drama, en otros momentos, de gran calidad y originalidad.

Sin dejar de ser un biopic sobre la vida del guionista amigo personal de Ford, Frank Wilbur "Spig" Wead, que anteriormente sirvió en la Armada estadounidense, sin dejar tampoco de ser una exaltación de la vida militar (típico en Ford), de la amistad entre hombres (sello Ford) y de la abnegación por la patria (ADN Ford), estamos ante una película con escenas memorables, rodada con mucho vigor y con un punto de rebeldía ante el canon de rodaje de un melodrama.

Una gran película que parece algo oculta a los espectadores.

Entre el melodrama y el cine de terror, Aldrich maneja un maravilloso blanco y negro y a dos actrices descomunales para crear una historia en la que el espectador navega entre el miedo a la vejez, al proceso decadente que conlleva y al odio entre seres tan cercanos como dos hermanas que conviven entre las mismas paredes.

Apoyándose en resortes del cine clásico, incluyendo incluso referencia y planos muy relacionados con el cine mudo, Aldrich es capaz de mostrarnos el resentimiento, la envidia y la ira de una manera tan evidente que hasta podemos decir que hace daño.

No habrá espectador capaz de aguantar sin inmutarse un primer plano del rostro envejecido, grotescamente maquillado y con una expresividad que raya lo malsano, de una espléndida Bette Davis, espléndida en su decadencia, espléndida en una vejez que aún prolongaría otras dos décadas largas. Tremenda, maravillosa, la maldad hecha arte.

Y qué decir de Crawford, más contenida, perfecta en su papel desvalido, con momentos de thriller, en el que es capaz de llevar el suspense a niveles estratosféricos.

Todo funciona en este melodrama de suspense o suspense melodramático, la película se disfruta, por decirlo de algún modo, desde el primer minuto hasta el último, incluyendo a unos actores secundarios, muy pocos, ya que la película gira en torno al descomunal dúo protagonista, que aportan a la historia cotidaneidad (maravilloso Victor Buono) y una cierta dosis de cordura entre tanta locura.

Es una película imprescindible.

El gran Zinnemann nos sumerge en una película amable, de aventuras y con un cierto tono de western tardío, trasladando la acción a tierras australianas y mostrándonos unos personajes amables que afrontan las dificultades cotidianas con buena disposición y siempre unidos.

Con este resumen parece que estamos ante una película edulcorada y de poco nervio. Nada más lejos. Zinnemann se rodea de unos monstruos de la interpretación en su momento más álgido, destacando una maravillosa Deborah Kerr que acarició el Oscar, lo mismo que la película.

Zinneman introduce un personaje más: los paisajes australianos, rodando escenas con aroma a documental (excelente el incendio que afrontan los protagonistas mientras conducen el rebaño de ovejas a su destino).

Todo funciona en este film que se ve con agrado y creciente interés y en el que se degusta el aroma del cine clásico en cada plano.