Recomiendo la lectura del libro "Las paradojas del guionista", de Daniel Tubau. Hace frecuentes alusiones a esta película, desmenuzándola un tanto, y la verdad es que es un ejercicio creativo interesantísimo.

Resalto un par de ironías: la de la voz en off con McKee, como éste llega en un momento dado y tacha de despreciable el recurso que el director lleva usando toda la película. Y cuando dice que no querría un final de Hollywood con "sexo, persecución, aprendizaje de una gran moraleja, cambio de los personajes..." y al final, en efecto, es inevitable que ocurra, así como el deus ex machina de los cocodrilos.

Muy muy recomendada a personas interesadas en el aspecto teórico del cine y del guion.

De lo mejor de Disney. Desde el primer instante, el efecto de tridimensionalidad, la animación dinámica y los vivísimos colores nos introducirán con dulzura en la historia de Rapunzel.

La situación inicial, de la madre que no la deja salir por nada del mundo, nos estremecerá. Dieciocho años sin salir de esa torre, donde supuestamente está "a salvo". Me ha parecido una metáfora muy bonita. Habla, obviamente, de una "madre" sobreprotectora, que lo hace todo por su bien y porque la quiere y quiere estar con ella (desde el principio sabemos que no es así, por eso nos da tanta rabia). Me ha gustado esta alusión a los amores que encadenan en lugar de liberar, que intentan encerrar a la otra persona haciéndole creer que es lo mejor. Pero entonces llega la novedad, alguien del exterior (los farolillos, y después el bandido) que hace que el deseo confuso de Rapunzel despierte y se enganche a ello: quiere ir a ver los farolillos el día de su cumpleaños. El camino y la lucha por la libertad ya ha comenzado.

El resto del film transcurre de forma muy amena. Cabe destacar el papel del camaleón y del caballo como personajes de alivio cómico, un tanto más agudo de lo que había hecho Disney hasta el momento, provocando auténticas carcajadas. Y el final es bonito (además de previsible, lo cual no quiere decir que esté mal) y enternecedor.

¡Recomendada!

El mundo es un cementerio postindustrial en el que un padre y su hijo deben emprender un camino hacia el sur para sobrevivir. Se trata de una inquietante adaptación de la novela de Cormac McCarthy que consigue mostrar al espectador los rincones y los instintos más profundos del hombre, aquellos que sólo afloran oprimidos por el filo de unas desoladoras circunstancias. El protagonista, un hombre viudo y algo desesperanzado al principio, interpretado con maestría por Viggo Mortensen, encuentra en la vida de su hijo, su “pequeño dios”, el único motivo para seguir adelante.
John Hillcoat consigue que entremos en la historia con los cinco sentidos ofreciéndonos una ambientación de fotografía en clave baja, grisácea y hueca (a cargo de Aguirresarobe) y unos escenarios que indican que el planeta ya no es un lugar habitable. El caos y el desconcierto se tornan palpables en recursos como el gran plano general de los postes eléctricos que ya no siguen ningún tipo de equilibrio visual ni cumplen la función para la que existen. Añadiendo a esto una música sobria, basada en un sencillo piano a una mano que respeta los profundos y necesarios silencios, la atmósfera ya está creada y se nos acelerará el pulso cuando comprobemos que la falta de fraternidad entre los hombres es el auténtico drama de este apocalíptico thriller.
No conviene pasar por alto la extraña e intensa relación que viven los dos protagonistas, cuyas vidas están puestas al límite con una única promesa: sólo la muerte podrá separarles. Es importante contrastar la mirada autoritaria y recelosa del adulto, infectada de una irrevocable desconfianza prejuiciosa, con la actitud del niño ante las otras personas que se encuentran: inocencia aparentemente ingenua y sin ánimo de dejar a nadie a su suerte, una postura que usa la razón como apertura arriesgada y que es ejemplar para su padre. Éste deberá tomar decisiones difíciles, e incluso violentas, con tal de seguir con vida, viéndose tentado constantemente por la opción de suicidarse. Cuando duerme acuden a su mente los momentos bellos de su vida junto a su mujer, una especie de fuga psicológica y sentimental de la que hablará después para decir que lo último que necesitan es evadirse con sueños bonitos; las pesadillas son mejor señal, puesto que pese a su crudeza ayudan a alimentar “el fuego” que mantiene a los protagonistas con vida.
La meta del viaje no es tan clara como podría serlo en Camino a la libertad; se da la vertiginosa visión de que apenas existe un lugar seguro. Sólo queda buscar el sitio menos peligroso y una compañía humanizada. En efecto, el destino estaba escrito; tras llegar a la costa y morir el padre, su hijo se abandona a las buenas manos de otra familia de supervivientes, cuyo cabeza es un irreconocible Guy Pearce. Es significativo que sea así como se cumple el destino del padre; muriendo en el momento adecuado para que su hijo pueda seguir el camino.

Un anciano de espíritu aventurero se embarcará en un viaje lleno de fantasía hacia Venezuela. Al fin, cumple su sueño de visitar las Cataratas Paraíso y lo hace a bordo de su propia casa con la ayuda de Russell -un niño explorador que ha conocido accidentalmente- y de cientos de globos que elevan su hogar hacia el cielo.

Hasta aquí puede parecer una historia de lo más normal, quizás poco original. Sin embargo, la película comienza con una apuesta fuerte, y es que la vida pasada de Carl Fredricksen, nuestro protagonista, la conoceremos en los primeros cinco minutos. Se trata de una secuencia carente de diálogo, en la que Pete Docter, el director, se basta de imágenes animadas y música enternecedora para agarrar los sentimientos de los espectadores (de cualquier edad) y hacerlos vibrar.

¿Cómo es posible sentir compasión y simpatía por un personaje -¡de animación!- que conocemos desde hace 5 minutos? ¿Qué se nos muestra para hacérnoslo tan cercano? Las imágenes que vemos son las de un hombre sencillo, cariñoso, con ilusión por la vida y con un inextirpable deseo de vivir cosas grandes. Cuando sus intentos de viaje con su mujer se frustran uno tras otro por problemas varios (economía, salud...), o cuando fallece su mujer (que era el auténtico motor de su corazón), nos damos cuenta de lo frágil que puede llegar a ser la realidad. Es esta perspectiva del hombre lleno de deseo y al que la vida le da la espalda la que nos conmueve, asi como su empeño por seguir adelante a toda costa, porque comprendemos que es algo posible y, de hecho, habitual.

Con este arranque sólo cabe esperar cosas buenas del resto de la película. Y así termina siendo; una aventura a varios metros sobre el suelo, llena de humor, conflicto (sobre todo en cuanto aparece Charles, el antagonista) y muchos valores sobre los que se lanzan algunas reflexiones; el viaje hacia el cumplimiento de un deseo, el aprendizaje de las personas mayores y la amistad, entre otros. Un filme que no decepcionará a nadie.

He aguantado solo dos episodios. Debo decir que cada vez me dan más tirria los personajes que pretenden ser "excéntricos, irónicos e inconformistas", gente solitaria que parece que no se atreva a mostrar los sentimientos más sinceros y desnudos que -supongo- alberga en realidad. No me parecen vidas atractivas, ni mucho menos modélicas o admirables, aunque supongo que sí son un reflejo de formas de vivir que uno se puede encontrar hoy en día. Lo cual también me da lástima, pero en fin.

Una protagonista hablando a cámara, ¡wow! ¡Nunca se había visto nada igual! ¡Qué forma de narrar tan alternativa y osada! Por favor, que estamos en 2021. "Amélie" estuvo bien en su momento, porque al menos había una trama central y la protagonista tenía algún propósito en la vida, y narrativamente era coherente y novedosa.

Si a todo eso le sumas la rabia que da la forma de expresarse de los ingleses, con ese desprecio y falsedad que llevan intrínseco en su entonación de mierda, pues el coñazo está asegurado. No voy a perder 20 minutos más de mi vida en una serie que de momento no me ha contado nada interesante. Para ver vidas sin rumbo prefiero bajar al bar o hacerme Tinder.

"Euphoria", en cambio, sí me pareció algo más honesta por mostrar cómo los afectos heridos de la posmodernidad no encuentran consuelo en los excesos que ésta tiene para ofrecer a los jóvenes.