Tras sus taquilleros éxitos con las películas de las sagas de "Padre no hay más que uno" y "A todo tren", Santiago Segura vuelve a presentar el estreno de entretenimiento familiar para el verano. Sin embargo, la cosa no le sale tan bien como desearía, al igual que a los protagonistas de la película: Félix (el propio Segura, como siempre) y Óscar (otro recurrente en sus films: Leo Harlem).

El largometraje acaba siendo una mezcla esperpéntica de actuaciones impostadas, diálogos artificiosos y descafeinados, personajes estereotipados que no saben más que verbalizar sus intenciones y sus sentimientos –eso de que una imagen (o una acción) vale más que mil palabras no acaban de asimilarlo– y una fortuita frivolidad en ciertos temas que se acaban resolviendo dulcemente de forma precipitada.

Todo este conjunto de elementos acaba convirtiendo una supuesta propuesta de divertimento en una obra que se agota rápidamente. Aunque mantiene correctamente esa característica esencia familiar, su talón de Aquiles se halla en el hecho de que los chistes, los chascarrillos y las gracietas se prevén –consecuencia de ese flojo guion– y gran parte de su metraje sobreviene una comedia que no consigue hacer reír.

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Empieza a ser un reto cada vez más insuperable escribir un comentario sobre un producto Pixar en general, y Toy story en particular, sin que parezca que nos hemos limitado a acudir al archivo y desempolvar las críticas anteriores.

Se nos acaban los adjetivos y las expresiones con las que calificar, entusiasta y objetivamente, el trabajo de estos realizadores que han sido capaces de regalarnos una nueva entrega de las aventuras de Woody, Buzz y compañía sin restar ni un ápice de calidad técnica, agilidad narrativa y profundidad humana.

En manos de Josh Cooley (en su primer largometraje como director, pero responsable del inteligente guion de Del revés) y recuperando para el libreto a Andrew Stanton (que dirigió, por ejemplo, Buscando a Nemo o Wall-e) la cuarta entrega de Toy story se presenta como una digna continuación de las anteriores.

Mantiene lo esencial: una animación exquisita, un perfecto equilibrio entre los momentos de acción alocada, los de acción de verdadera supervivencia y las escenas entrañables y universalmente emotivas, una galería de personajes que no pierden la juventud (ventaja de ser un juguete) y una explicación natural y plástica de las grandes virtudes del ser humano (lealtad, valentía, superación, responsabilidad, confianza, sinceridad, redención, fortaleza…).

Sobre este sustrato, comparecen los nuevos personajes, con especial protagonismo de Forky, la pareja de peluches descerebrados o de Caboom (un motorista setentero que en la versión original tiene la voz de Keanu Reeves, quien no se había visto en otra mejor desde Speed o Matrix). Y reaparecen otros (no estropeo nada porque se ven en el cartel publicitario) como la lámpara-pastora o Bonnie, la niña que en la tercera entrega heredó los juguetes de Andy.

Para la nueva trama, Folsom y Stanton diseñan unos nuevos escenarios que amplían las posibilidades dramáticas y los efectos de correrías y fantasía visual. El parque de atracciones y la tienda de antigüedades suben unos cuantos escalones más la apuesta para genialidad de este equipo de realizadores.

Y por seguir yéndonos a la estratosfera no me resisto a realizar un comentario teo-filosófico-psicológico: el personaje de Forky, analizado, como digo, desde la atalaya académica, es toda una lección de antropología sobre el sentido de la vida del ser humano; sobre la necesidad de entender el valor incalculable de toda vida humana que solo se comprende al 100% cuando se asimila que es el amor el que genera la vida y el que garantiza la verdadera autoestima y el que da razones para seguir adelantes.

En fin, que hay que verla.

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Siguiendo la estela de En busca del arca perdida o filmes recientes como Jungle Cruise y el remake de Jumanji; La ciudad perdida, plantea una aventura trepidante en torno a un tesoro escondido en las profundidades de una lejana y vetusta metrópoli. Mediante la hibridación de géneros (comedia, aventuras y romance) los hermanos Nee construyen una premisa original, sin muchas pretensiones, con la que pasar un buen rato.

El elenco estelar está capitaneado por Sandra Bullock, en una cinta donde utiliza la incomodidad a su favor, y por Channing Tatum, que consigue con creces representar a un apuesto chico tontorrón con un trasfondo amable. Asombrosamente, muestran gran química entre ellos y, a pesar de que el romance es predecible, es también efectivo.

A ambos se les contrapone el villano encarnado por Daniel Radcliffe, un multimillonario estrafalario obsesionado con un gran tesoro. Su rol, precisamente, flojea, pues no es más que un estereotipo inglés cuya única motivación es la envidia que siente por su exitoso hermano menor y, a lo largo de la película, alude reiteradamente a ello.

Aunque, sin duda, lo más memorable es el hilarante cameo de Brad Pitt, que sobresale por su gran carisma y agudeza. De hecho, después de su aparición, el film comienza a decaer un poco y se hubiera agradecido más metraje con él. Asimismo, los diálogos, a ratos, son empalagosos y cursis, pero los momentos cómicos funcionan y sacan más de una sonrisa.

En definitiva, La ciudad perdida es una grata sorpresa, una apuesta amena y confortante por la que acudir a las salas de cine. Es cierto que reproduce una fórmula que hemos visto hasta la saciedad, pero se alza como aquel tipo de entretenimiento palomitero que nos permite escapar de la realidad para adentrarnos en un mundo selvático de imaginación y ensueño.

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Sebastián Borensztein adapta al cine La noche de la Usina, una novela de Eduardo Sacheri que relata la odisea de un grupo de vecinos de un pueblo de la provincia de Buenos Aires para recuperar el dinero que les estafaron aprovechando el llamado corralito argentino de 2001.

Según nos explica el protagonista al comienzo del film, en aquellas tierras, “gil” es el equivalente a la expresión castellana “pardillo” o “pringado”. Aunque no nos hubiese proporcionado el dato, hubiésemos llegado a esa conclusión de todos modos, ya que la presentación de los personajes, su descripción, la maravillosa interpretación de sus actores y la precisión con la que se retratan los distintos paisajes y escenarios en los que se mueven, nos hablan indudablemente de ese grupo humano tan común en cualquier sociedad: trabajador, solidario, receloso pero confiado ante los que percibe como más preparados que él, buen camarada y capaz de saltar cuando se le arrebata lo que de verdad importa.

El guion entreteje con habilidad la trama del engaño con el drama social de sus protagonistas. Y aunque experimenta algunos cambios de ritmo que entorpecen la tensión, no consiguen restar atención e interés y el espectador se ve recompensado, en muchos sentidos, cuando llega el final.

De todos modos, intrigas aparte, la mayor riqueza de La odisea de los giles son, precisamente, los propios giles y el mimo y cuidado con el que los realizadores consiguen meternos entre ellos.

Esta película nos ayuda a caer en la cuenta de que, cuando se habla de grandes estafas o millonarios casos de corrupción, lo que hay debajo son los pequeños sueños y proyectos de calderilla de la gente de a pie. Por ello, a pesar de que, en algunos momento,s los giles parezcan algo caricaturizados, la variedad y honestidad de los matices que les rodean los hace muy reales y cercanos, con elementos sencillos y eficaces como el anhelo, que todos tuvimos, de un móvil “con tapita”.

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A partir de la serie Unforgiven de Sally Wainwright, Peter Craig, Hillary Seitz y Courtenay Miles llevan a cabo una lúcida adaptación de un argumento dramático, alrededor de la reinserción de personas convictas en nuestra sociedad.

Nora Fingscheidt dirige su segundo largometraje, que cuenta con la propia Sandra Bullock como protagonista y productora. La conocida actriz interpreta un papel poco habitual en su carrera, pero lo lleva a cabo con convicción.

A favor de este resultado juega la contención general con la que se escriben los diálogos y se ruedan las escenas. Si bien algún pasaje resulta menos comedido, la luz gris, las frases escuetas y los encuadres fijos hacen de la película un repaso sobrio, aunque inquietante, a un intento de recuperar la vida, después de la cárcel.

La creación de diversas subtramas, todas confluyentes con el conflicto principal, aporta dinamismo y movimiento al guion. Mientras, la brevedad de los flashbacks (algo que se entiende solo y del todo al final) también suma en la intensidad narrativa, que solo se resquebraja por algún giro menos elaborado en algunos de los personajes.

Es verdad que Imperdonable no resulta especialmente innovador en ningún terreno. Sin embargo, esta propuesta de la cineasta alemana relata, de forma más que aceptable, un trayecto sobre el perdón, la reconciliación, el acoger a las personas para sus segundas oportunidades y el sacrificio por la familia.

Además, su recorrido coral permite ir empatizando con roles y situaciones diversas para, de este modo, poder ver todas las caras de la moneda.

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