Fred Cavayé repite en Cuenta Atrás la misma receta que le otorgó éxito y reconocimiento con su ópera prima, Cruzando el Límite. El director francés vuelve a firmar un thriller europeo a la americana con un marido dispuesto a cualquier cosa por salvar a su mujer, en este caso embarazada. En Cruzando el Límite, la mujer era acusada de asesinato y su pareja hacía todo lo posible por demostrar su inocencia, mientras que en Cuenta Atrás, la esposa es secuestrada y el marido debe realizar un ‘encargo’ si quiere volver a verla con vida.

Cruzando el Límite tuvo un enorme éxito en Francia. Ese triunfo provocó que dos años después el ‘oscarizado’ Paul Haggis realizara el pertinente remake ‘hollywodiense’ bajo el nombre de Los Próximos Tres Días protagonizado por Russell Crowe y Elizabeth Banks. ¿Ocurrirá lo mismo con Cuenta Atrás? Yo apostaría a que sí. Y es que los americanos tienen la manía de rehacer todos los éxitos del cine europeo, ejecutando en muchas ocasiones verdaderos estropicios. En los últimos años han destrozado grandes películas europeas como Abre los Ojos (Vanilla Sky), Deliciosa Martha (Sin Reservas) o 13 Tzameti (13) por poner algunos ejemplos.

Volviendo a Cuenta Atrás, la película no da ni un segundo de respiro desde su arranque. Persecución tras persecución asistimos a un rutinario aunque endiabladamente entretenido polar francés con un bueno (Gilles Lelouche), un feo (Roschdy Zem) y un malo (Gerard Lanvin) como protagonistas. El adrenalítico ritmo que impone Cavayé provoca que la cinta se pase en un suspiro, a lo que también ayudan sus escasos 85 minutos de metraje. Y es que el director francés no ofrece nada nuevo, pero tira de oficio para ofrecer un producto más que digno.

Pocos directores tienen la capacidad de atracción que posee Quentin Tarantino. El estreno de sus películas se convierte en todo un acontecimiento para los amantes del cine, desde que en 1992 debutara con Reservoir Dogs. Dos años después llegó Pulp Fiction, la obra que le elevó para siempre a los altares del séptimo arte. El Festival de Cannes se rindió a la evidencia y le entregó la Palma de Oro, convirtiéndole en uno de sus protegidos. La Academia de Hollywood, tan reticente en ocasiones a reconocer a los nuevos talentos, también le concedió un Oscar por su guión junto a otras seis nominaciones. Desde entonces, muchos han intentado imitar al ‘enfant’ terrible de Hollywood, pero ninguno ha alcanzado su nivel de genialidad.

Veinte años después de su debut cinematográfico, Tarantino estrena Django Desencadenado. El realizador norteamericano rubrica al fin un western, un género cuyas influencias siempre han sobrevolado su cine. Pero para ser justos, tendríamos que señalar al spaguetti-western y a su gran maestro, Sergio Leone, como los grandes inspiradores de Tarantino. El director italiano revitalizó el western durante la década de los 60 con joyas como Por un Puñado de Dólares, La Muerte Tenía un Precio o El Bueno, el Feo y el Malo con un innovador estilo. La música de Ennio Morricone, que aparece con desigual fortuna en Django, fue el ingrediente perfecto para que el curtido rostro de Clint Eastwood adquiriera una fuerza arrolladora durante los eternos duelos bajo el sol almeriense.

Las comparaciones son odiosas y el Django Desencadenado de Tarantino está lejos de las grandes obras de Leone, lo que no resta méritos al aventajado discípulo. En recientes declaraciones a El País, el propio Tarantino reconocía su predilección por esas películas: “Amo los westerns, pero sobre todo los spaghetti westerns. Pulp Fiction para mí era un rock & roll western, Kill Bill tenía muchísimas influencias y lo mismo la primera secuencia de Malditos Bastardos. Además siempre he usado sus músicas”. En este caso, el Django de Corbucci y su protagonista, Franco Nero, tienen su guiño en la película. El alabado estilo ‘tarantiniano’ es una amalgama de influencias nacidas de un cinéfilo empedernido y el director no se esconde a la hora de reconocerlo. Es esa vasta cultura cinematográfica la que convierte al de Knoxville en un maestro a la hora de contar historias sin perder un ápice de originalidad.

El cine negro de los años 40 estaba presente en Pulp Fiction, mientras que Jackie Brown era un homenaje al ‘blaxploitation’. En Kill Bill, Tarantino mezcla con mano maestra artes marciales, spaguetti-western y manga, sin olvidar a La Novia vestía de Negro de François Truffaut. La venganza hace su aparición como ‘leitmotiv’ de sus películas con la doble entrega protagonizada por Uma Thurman, motivación que también mueve a sus personajes tanto en Malditos Bastardos como en su última creación. Tarantino merece el aplauso por Django Desencadenado, pero se le puede y se le debe exigir más. Los críticos volverán a alabarle con razón, pero el cineasta también merece un toque de atención porque, en ocasiones, uno tiene la vaga sensación de que solo ha cambiado el decorado respecto a sus anteriores películas.

…Y no las 'castañas' que programa Antena 3 en el espacio de dicho nombre. En fin después de este palo gratuito (aunque merecido) a la cadena de ‘Física o Química’, ‘DEC’ o ‘Los Protegidos’, me centraré en alabar esta gran película de Álvaro Brechner. Hace poco ya hice una crítica sobre ‘El Baño del Papa’ ensalzando el cine uruguayo, pero después de ver ‘Mal Día para Pescar’ no me queda otra que volver a escribir sobre otro film de ese país.

Típica película de la que no te esperas mucho y luego te llevas una sorpresa mayúscula. Además conviene comentar que te enteras de absolutamente todos los diálogos, algo que no ocurre en muchas las películas rodadas por esas latitudes. Álvaro Brechner firma una opera prima prácticamente perfecta, algo que parece increíble tratándose de su primer largo. Incluso iguala, sino supera, a ‘El Luchador’ de Darren Arronofsky, un pedazo de director.

Pero si alguien se merece todos los halagos, ese es Gary Piquer. Cuando empieza la película dices, “la cara de este tío me suena”. Pasan los minutos y ya te da igual, porque no te importa lo que interpretara antes, en ese momento no es otro que ‘Príncipe Orsini’, un personaje que emociona y obliga al actor a hablar en varios idiomas, cantar, etc. Y no solo realiza una interpretación de Goya (lo siento por Luis Tosar y su ‘Malamadre’), sino que además escribió el guión de la película. ¡Que más se puede pedir! Luego cuando acaba la película, la curiosidad puede contigo y ves que era el protagonista de ‘¡Ala…Dina!’ Lo dicho mejor quedarnos con ‘Mal Día para Pescar’.

En definitiva, una película sobre el ocaso y la añoranza de tiempos mejores, con dos personajes entrañables y una mujer de armas tomar. La aparición de Antonella Costa me recordó una película que no puedo dejar de recomendar, ‘Garaje Olimpo’. Después de esto, nada más, solo apremiarles para que no pierdan el tiempo y se dispongan a disfrutar de una de las mejores películas del 2009.

1. Una de las mejores COMEDIAS de la historia:
‘Con Faldas y a lo Loco’ es una película capaz de tenerte con la sonrisa en la boca durante 120 minutos. Las escenas y los diálogos ideados por Billy Wilder y su guionista, I.A.L Diamond, son absolutamente geniales. Otras grandes comedias como ‘Ser o no Ser’, ‘El Gran Dictador’ o ‘El Verdugo’ por poner tres ejemplos, contienen una carga crítica que acaba helándote la sonrisa, algo de lo que carece esta obra. Esta es un puro divertimento.

2. Marilyn Monroe es el CINE:
Su presencia desarma desde que aparece en la estación de tren contoneando las caderas. Voluptuosa, sugerente y sexy, todo eso era Marilyn en todas y cada una de sus apariciones en pantalla, pero además era una gran actriz, algo que muchos tienden a olvidar. En esta película se propone resucitar a un ‘muerto’ y a fe que lo consigue. Y es que pocos podían (y pueden) resistirse a Norma Jean.

3. Billy Wilder es DIOS:
Ahí va una reflexión, Stanley Kubrick (para mí, el mejor director de la historia del cine) hizo 13 películas, de ellas, 11 pueden considerarse obras maestras. Billy Wilder realizó 27 y unas 20 podrían alcanzar dicha distinción. Todo esto puede ser rebatido y discutido, pero lo que nadie puede negar es que el director austriaco fue capaz de mantener un nivel de excelencia asombroso durante toda su filmografía. Aunque la comedia era el género en el que mejor se movía, Wilder, al igual que Kubrick, también filmó grandes películas en terrenos como el cine negro (‘Perdición’), la intriga (‘Testigo de Cargo’) o el drama (‘El Crepúsculo de los Dioses’) A esto habría que añadirle sus trabajos como guionista, ya fuera junto a su maestro Lubitsch o para sus propias películas. En definitiva, Billy Wilder era un ser omnipotente en el séptimo arte.

4. Jack Lemmon es un GRANDE:
Uno de los pocos actores capaces de hacerte reír y llorar al mismo tiempo, quizás el otro sea Pepe Isbert. ‘El Apartamento’ es un buen ejemplo de sus dotes para combinar ambas cosas. Siempre se le ha considerado un actor de comedia, asociándole a su ‘extraña pareja’ (Walter Matthau), aunque en su haber tiene dramas como ‘Días de Vino y Rosas’, ‘Salvad al Tigre’ o ‘Missing’, Sin duda, uno de los mejores actores que ha dado Hollywood.

El neorrealismo italiano es un movimiento que surge en el país trasalpino tras el final de la II Guerra Mundial. Las duras condiciones de vida durante la posguerra se convierten en el leitmotiv de las películas surgidas al calor de esta nueva manera de ver el cine. Si algo une a estas obras es la autenticidad y sinceridad que transmiten cada uno de sus fotogramas. Ver ciudades como Roma (‘Roma, ciudad abierta’) o Berlin (‘Alemania, ano cero’) poco tiempo después de finalizado el conflicto tiene una fuerza y un valor como documento histórico absolutamente imprescindible. Este tipo de películas son las que no deberían caer en el olvido, porque son CULTURA. Y sé que puede dar pereza ponerse a verlas; son antiguas, en blanco y negro, para cinéfilos, pero eso no son más que excusas sin fundamento, porque el esfuerzo es mínimo y la recompensa muy grande.

Pero ‘Milagro en Milán’ no es ‘Roma, ciudad abierta’, ni ‘Alemania, año cero’, ni ‘Ladrón de Bicicletas’, es otra cosa completamente distinta. Hay realismo (el frío de Milán, la pobreza, la corrupción) pero al mismo tiempo introduce algo completamente diferente, la fantasía. Y este nuevo elemento enraíza a la película con otro movimiento de mediados del siglo XX, el realismo mágico. Esta corriente literaria, propia de Hispanoamérica tuvo como máximos representantes a Alejo Carpentier, Gabriel García Márquez o Juan Rulfo. Mirando en la Wikipedia se nos habla de algunos de los rasgos característicos de dicho movimiento: contenido de elementos fantásticos percibidos por los personajes como parte de la ‘normalidad’, transformación de lo cotidiano en una vivencia que incluye experiencias ‘sobrenaturales’, hechos de la realidad que se combinan con el mundo irreal con un final inesperado, escenarios ubicados en los niveles más duros de la pobreza y la marginalidad social. Una vez vista la película las similitudes son obvias, aunque no sé si De Sica y sus guionistas se vieron influenciados por dicho realismo mágico o fue pura casualidad.