Punuación: 3,5

La nueva prospectiva del cortometraje

La cinta debutante de los hermanos Baker es el resultado de su interesante cortometraje Bag Man. Tras su paso por varios festivales en el 2014, llamó la atención de varias productoras que finalmente les dio la oportunidad de realizar su primer largometraje. Nadie pone en tela de juicio de que el cortometraje es una buena prueba de fuego, ejercicios para demostrar el potencial. Lo que sí se puede poner en duda es en realizar tu primera película a partir de un corto. Una tendencia que se lleva poniendo de moda en los últimos años. Es decir, el cortometraje está perdiendo su valor estético per se para convertirse en una escena de un proyecto de película. Historias que por otra parte no dan más de sí, se convierten en simples high concept que se pierden en la nada.

Antes de que nos puedan llover palos, es cierto que hay bastantes películas buenas basados en cortos. Por citar algunos ejemplos: Napoleon Dynamite, Distrito 9 o Whiplash. Es más una tendencia que se produce últimamente en películas de género. Grandes cortos con conceptos espeluznantes como Mamá o Lights Out dieron cintas muy pobres. Tal vez sea por guiones poco trabajados que no suelen estar a la altura de ese gran concepto. El caso de Kin pertenece a este último grupo. ¿De verdad que un concepto de un chaval que se encuentra un arma futurista da para un largometraje? Por el resultado visto, nos atrevemos a decir que no.

Desde la referencia a lo vacío

Daniel Casey es el guionista encargado de dar más entidad a la película de los Baker. Pese a que tenga poca experiencia, Casey tiene varios proyectos interesantes en un futuro cercano como Fast & Furious 9 y Kill Or Be Killed. En el caso de Kin tenemos un guión que se esfuerza por llenar la película de elementos dramáticos: niño adoptado, madre fallecida, hermano recién salido de la cárcel, problemas escolares… Al final la película está tan recargada que es imposible creértela y entrar en su juego. Por lo tanto en vez de ser una película emocionante, queda una película hueca, sin personalidad, en definitiva, sin alma. Las relaciones entre los personajes son frías y distantes, funcionan como collage, como elementos puestos al azar.

Respecto a la trama en sí, la película pasa de ser una película “amblin” a una road movie. Como road movie la película se cae también. Y eso que contamos con una buena actuación de James Franco que interpreta a una suerte de capo criminal sin escrúpulos y la presencia de dos misteriosos motoristas que persiguen a los hermanos. De hecho esta relación de los hermanos es otro gran tema de la película. En boca del propio personaje de Jimmy (Daniel Casey) “Por fin podemos tener una relación de hermanos”. Y esta relación fraternal es uno de los aciertos de la película ya que pasan de ser casi desconocidos a buenos hermanos.

POST-apocalismos

En último lugar vamos a comentar varios elementos audiovisuales de la película. En Kin tenemos dos partes completamente diferenciadas: la primera parte está compuesta por un aura postapocalíptica ya que transcurre en Detroit, una ciudad casi fantasmal que ya ha sido aprovechada en películas como It Follows o Lost River. La segunda parte, la road movie, esta llena de paisajes desolados, gasolineras en medio de la nada, etc. Todo esto reforzado por la banda sonora compuesta por la banda de post rock, Mogwai. Nos encanta la banda escocesa y apenas está aprovechada en la película. Así pues no es de locos pensar que durante toda la película flota un sentimiento de la soledad, la tristeza… Una buena intención que no termina de funcionar porque en ningún momento se atisba la cohesión entre los elementos.

Conclusión

Pese a una prometedora premisa y un póster alucinante, Kin no consigue desarrollar el potencial que se le presuponía. Queda demostrado que no hace falta acumular de elementos una película para dotarla de personalidad. En el caso de la película de los Baker tenemos una película impersonal, que no transmite emociones, que queda deslavazada en un sinfín de elementos sin personalidad. Lo mejor que se puede decir de ella es que es un corto alargado.

Escrito por David Domínguez
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Qué pruebas puede soportar el cariño y el tiempo compartido? Qué puede derrumbar las relaciones más funcionales (aunque no sean poseedoras de una exultante felicidad) Las respuestas son amplias, pero nacen en el poder de secretos que ya son imposibles de llevar cargando y Joan lo sabe bien.

Close encarna a una mujer dedicada, extraordinaria, amante absoluta al grado de subyugar todo su ser a la figura de su hombre; pero ese arrobamiento se comienza a desquebrajar cuando el sube y sube extasiado de si mismo en los pináculos de la fama; sobre todo porque esa fama es una fama tan frágil y efímera como una burbuja de jabón.

Glen Close quien ha estado seis veces tan cerca del Oscar, realiza una absolutamente impecable y definitiva encarnación de Joan, como para desear verla estar nominada como mejor actriz. Su contención y dominio de su rostro la hacen exquisita, etérea, pero con una fuerza capaz de derrumbar murallas si es necesario y lo mejor es que lo hace con la elegancia y la inteligencia completa que la envuelve. Close no simplemente es el corazón de la trama, sino que es el intelecto manejado con una gracia omnipresente. Es el fuego y el agua contenida cuyo oleaje emocional bulle bajo la aparentemente perfecta y resignada superficie.

El guión de La Buena Esposa está esplendorosamente escrito por Jane Anderson, basado en la novela “La Esposa” de Meg Wolitzer. Cada palabra es sopesada y dicha en el lugar y momento adecuado, siempre agudas, siempre bellas, poderosas, con la fuerza definitiva que le imprimen las actuaciones de Close y Pryce. Simplemente disfrutar de esa clase magistral de actuación por parte de ambos ya es en sí un deleite.

El Director Bjorn Runge guía el trabajo de esta sensacional pareja con una sólida familiaridad. Son una pareja que se conoce demasiado, que se ha vivido demasiado, que se ha compartido demasiado. Y que se ha tolerado demasiado.

Esperan una noticia ansiosos, pero eso no impide los devenires de la relación: el ansia, la felicidad y hasta el deseo desmadrugado. La noticia del triunfo sin embargo, nos queda claro, trae consigo otras cosas que nos dejan pensando y deseando ver que nos las descubran.

La trama de La Buena Esposa nos seduce, nos encadena, porque abre lecturas en varios planos; expone desde la raíz la intimidad de la pareja, los silencios, los anhelos y las cosas que por obvias se callan. Joan y Joe son dos entidades que se han amalgamado pero que en el fondo saben perfectamente que solos no podrían haber llegado hasta ese momento.

Y por medio de flash backs nos dejan penetrar al cómo fue que toda su historia comenzó, cuando Joe era profesor de la universidad y Joan solo una estudiante brillante. Y como una cosa va llevando a la otra, la base de su relación, pero también de su separación, comienzan a dibujarse en el panorama.

Cuando en su juventud Joe (Lloyd) y Joan (Actuada por la verdadera hija de Close: Annie Starke) se conocen, las chispas no solo estallan físicamente, las mentes y su capacidad literaria entran en el mismo crisol. El mismo donde se fraguará el elemento más sólido de su relación: su complicidad laboral.

Obviamente, como sucede muchas veces, en cuanto el nombre de Joe llena la escena del Nobel; un periodista Nathaniel Bone (Slater) quien está demasiado interesado en escribir la biografía de Joe, al grado de que los sigue a Suecia esperando sacar material jugoso para su labor, no va a dudar en usar los trucos que sean necesarios para desentrañar algo que a él le huele demasiado “raro” la carrera de Joe comenzó a cambiar radicalmente desde que se unió con Joan. Nathaniel va a seguir los cabos sueltos (y los no sueltos), apostando por una historia que sabe jugosa. La entrevista de Joan y Nathaniel es toda una historia en si misma.

Close y Pryce se deslizan como en un ballet cuando están juntos en pantalla, ante el ojo de la cámara existe tal intimidad y extremos emocionales que casi se es un observador fantasma que invade su matrimonio.

Joan como en muchas familias es la figura materna que prodiga sabiduría ante lo que puede presentarse, con esa presencia que controla dulce y tranquilamente desde los egos extremos hasta los hijos inseguros, pareciera doblegada, dócil, pero sin embargo internamente posee una profunda fuerza y determinación que nadie podría pasarla por alto.

La Buena Esposa encierra en su mundo de cotidianeidad todo un arsenal de sentimientos, de secretos compartidos y del agridulce sabor de la fuerza del cariño que se ve llevado a extremos en los que el desenlace puede ser una salida, pero no es en lo absoluto la que se deseaba. El destino siempre tiene la última carta y puede dar un giro inesperado a los deseos de buscar una salida como muchas veces sucede con las parejas que en su propia y extraña forma se aman… a pesar de todo.

Escrito por Fabian Quezada Leon
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No se puede decir que esta comedia negra (negrísima) fuese un éxito rotundo e inmediato. Es más, el representante que tenía por aquel entonces Ryder le espetó a la joven actriz que participar en semejante largometraje dañaría irremediablemente su carrera de actriz. Pero ella no le hizo ningún caso y “Escuela de jóvenes asesinos” terminó convertida en toda una película de culto; en un título clave dentro del subgénero.

A día de hoy parece todavía más inviable que algún estudio se plantease dar luz verde a una historia como la ofrecida por “Escuela de jóvenes asesinos”. Por eso me sorprende que (tras muchos intentos, eso sí) se hayan atrevido con una serie como la que nos ocupa.

Lo que no me ha sorprendido tanto es su accidentado estreno. En Estados Unidos estaba previsto para el pasado siete de marzo, pero fue pospuesto tras el terrible tiroteo que acabó con la vida de 17 personas en un instituto de Parkland (Florida). A España iba a llegarnos, de la mano de HBO España, un día después, pero también se pospuso.

Paramount Network, el canal estadounidense que iba a emitir Heathers, ofreció posteriormente una nueva fecha de estreno, el 10 de julio, para, posteriormente, cancelarla de manera definitiva. Seguramente temerosos de que una historia tan provocadora pudiese llegar a dañar su imagen corporativa. Porque al actual clima que se vive en su país de origen se sumaron unas críticas ciertamente frías y una recepción pública particularmente molesta con una de las decisiones de su creador: convertir a las tres Heathers en parte de distintas minorías.

Los que no vivimos en Estados Unidos vamos a tener más suerte, ya que la serie sí podrá verse en el resto del mundo. Aquí podremos verla a partir del 11 de julio gracias a HBO España. También aparecerán en su catálogo la película original y “Chicas malas” (Mean Girls), clara deudora de la cinta protagonizada por Ryder y compañía.

Nacida como una antología (a lo “American Horror Story”), Heathers toma como base la película dirigida por Michael Lehmann y le da un giro poco convencional, convirtiendo, como ya apuntaba antes, a las tres Heathers en parte de distintas minorías. Heather Chandler (Melanie Field), la líder, es ahora una joven obesa, Heather Duke (Brendan Scannell), su mano derecha, no se define ni como chico ni como chica, y Heather McNamara (Jasmine Mathews) es negra y lesbiana.

Pero más allá de la polémica auspiciada por aquellos que creen que la serie se ha convertido en un canto en contra de la inclusión (nada más lejos de la realidad, ya que, tal y como apuntaba uno de sus guionistas, la misma cuenta con la implicación de un importante número de gente perteneciente a alguna minoría), este primer episodio se presenta como toda una oda a la película original. La cantidad de guiños, incluida la aparición especial de Shannen Doherty durante los primeros minutos de metraje, es abrumadora. Y es que Jason Micallef, el creador de esta Heathers, es un gran fan de “Escuela de jóvenes asesinos”. Y se nota.

El reparto principal está compuesto por un buen puñado de rostros jóvenes y desconocidos. Tenemos a Field, Scannell y Mathews, pero también a Grace Victoria Cox, a la que hemos podido ver en la serie “La cúpula” (The Dome) y en uno de los capítulos de la tercera, y tardía, temporada de la mitiquísima “Twin Peaks” (además aparecerá en “Now Apocalypse”, la serie que preparan Gregg Araki y Steven Soderbergh), y James Scully. Estos últimos son los encargados de meterse en la piel de los personajes popularizados por Winona Ryder y Christian Slater.

De su apartado técnico me gustaría destacar prácticamente todo, desde su colorida fotografía hasta el apartado musical (incluida su actualización de la banda sonora original), pasando por un vestuario de lo más extravagante y ‘kitsch’.

Esta sátira, más cercana, por momentos, a la parodia que a la comedia negra, lo va a tener francamente difícil. Son muchas las voces que se han levantado en su contra. Pero el amor que su creador profesa a la obra original, que hayan apostado por actores que se salen de la norma (mucho se han quejado algunos, pero, ¿cuántas series han puesto en el centro de sus ficciones a intérpretes como Field o Scannell?; ¡si hasta en la reverenciada “Riverdale”, actualmente uno de mis culebrones juveniles favoritos, el papel del gay parece escrito con el mero objetivo de cubrir expediente!) y su muy festejable apartado técnico hacen que yo, fan fatal de la película original, tenga muchas esperanzas depositadas en ella.

Lo mejor: Los actores (rostros frescos y prometedores), el desenlace de este primer capítulo (y las múltiples posibilidades que presenta) y su ingente cantidad de guiños. ¡Si hasta Daniel Waters, guionista de la película “Escuela de jóvenes asesinos”, ha dado su visto bueno!

Lo peor: Que sea vista como un ataque en contra de las minorías (o como una especie de canto supremacista). Eso sí, me resulta imposible no mostrar mi disconformidad con alguno de sus discursos. O, mejor dicho, con el discurso de alguno de sus personajes. Sirva como ejemplo cierto momento en el que nuestra protagonista (Grace Victoria Cox) lamenta que la gente no sea más normal. Considero insultante que alguien me diga que soy normal. ¡No quiero ser normal! ¡Quiero ser especial! ¡Viva lo diferente!

Escrito por Javier Mazo
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Puntuación: 7,5

Es difícil escribir acerca de Dos Mujeres sin desvelar los secretos que encierran sus dos protagonistas. Hacerlo sería obligar a Claire y Béatrice a descubrir sus cartas antes de que las apuestas estén hechas y eso sería de todo menos justo. Lo que sí resulta fácil es confirmar el gran trabajo de las dos actrices principales, que acompañan a sus personajes en una especie de película de carretera de corta distancia pero largo alcance.

Catherine Frot, como de costumbre, actúa desde la tranquilidad, haciendo creíble cada una de las miradas, palabras y acciones que hacen de su personaje una mujer de carne y hueso. Catherine Deneuve no se queda atrás. A sus 75 años y con más de cien títulos en su haber, la actriz interpreta a la perfección el papel de “adolescente” irresponsable incapaz de vivir sin maleta en mano.

A pesar de lo complicado que debe resultar compartir pantalla con estas dos grandes actrices sin ser eclipsado, Olivier Gourmet (“Cambio de reinas”) lo hace con pasmosa facilidad. El actor belga interpreta al entrañable Paul, un personaje que irrumpe en la vida de Claire al mismo tiempo que lo hace Béatrice y con la misma intención, despertarla de su letargo.

Aun a riesgo de aburrir a espectadores con prisa por obtener respuestas, Provost escribe y dirige Dos Mujeres a fuego lento, despojando a las dos protagonistas de las capas que las envuelven poco a poco. Aquellos que tengan más paciencia agradecerán el tiempo que los personajes se toman en conocerse y descubrirse porque así podrán pasar más tiempo en su compañía, disfrutando de una buena historia.

Escrito por Esther Alvarado
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*LA REGATA

“La gente no decide ser extraordinaria, deciden lograr cosas extraordinarias”, decía Sir Edmund Hillary.

Esta historia de la que estamos hablando no es la típica crónica de una regata en la que vamos a ver la competición pura y dura entre los participantes, o las mil y una peripecias y trampas que el mar suele ofrecer a los incautos que se adentran en sus aguas.

Aquí vamos a ver más cosas. Por un lado, sí que vemos la lucha de un hombre contra el mar. Por otro lado, tenemos el miedo de un navegante sin experiencia, con un barco que no está en condiciones de emprender un viaje transoceánico, pero que, llegado a un punto, ya no puede echar marcha atrás, por vergüenza y por pura necesidad económica.

Además, hay que tener en cuenta la feroz campaña de marketing que lanza The Sunday Times, y la agonía que produce en el protagonista y su familia el acoso y venta de su intimidad por parte de los medios de comunicación.

Y, por otra parte, vemos la verdadera trama, misteriosa e interesante, de lo que realmente debió de pasar en esa singladura en solitario, que comenzó con mal pie, con un barco mal acabado que dio problemas nada más salir del puerto.

Esta es la historia de un hombre común, anodino, que quiso ser un héroe, para la sociedad, para sus hijos, para su mujer. Pero la empresa en la que se embarcó era tan grande como pequeño su barco y sus posibilidades. Los problemas, la culpa, la soledad y la vergüenza se convertirán en los verdaderos protagonistas de la travesía.

*SEPARADOS POR UN OCÉANO

El director James Marsh, ganador en la categoría de mejor Largometraje Documentación en 2008 por “La Teoría del Todo”, llevó a cabo una meticulosa investigación de los hechos acaecidos en aquella regata y en los motivos que llevaron a un navegante poco avezado en navegar en aguas del océano a embarcarse en semejante experiencia.

Tenía a mano numeroso material para inspirarse. Existen las grabaciones de los periodistas, las bitácoras de la singladura y los vídeos que Donald Crowhurst grabó, y que constituyen un testimonio gráfico valioso.

El guionista, Scott Z. Burns conocía la historia de Crowhurst ya que la había seguido durante años. El resultado ha sido una narración completamente creíble, muy aproximada a la historia real en los momentos que se basa en hechos comprobados, pero que en lo tocante a los que sucedió en alta mar, no se ha profundizado ni se ha dado el empaque que este enigma merecía.

Un Océano entre Nosotros tiene dos partes bien diferenciadas: los preliminares, y la travesía propiamente dicha.

La preparación del viaje, las dudas y el miedo de un marinero de agua dulce que se ve abocado a un viaje para el que no está preparado, es el plato fuerte de la película. Ahí es donde la película gana en fuerza y es adictiva.

Sin embargo, la parte de la travesía, que debería ser la más importante, hace aguas. No engancha, no explica bien el problema existente, y no se concede importancia al escenario del océano, que es la razón de ser de la regata.

*LOS CROWHURST

Colin Firth da vida al regatista. Profundamente interesado por la epopeya que vivió este hombre en el océano, nos introduce en su piel, en su barco y en su mente con una de sus mejores interpretaciones, alejada del estereotipo que normalmente suele interpretar.

Rachel Weisz, ganadora del Óscar a la mejor actriz de reparto por “El Jardinero Fiel”, interpreta a Clare Crowhurst, la sufrida esposa del protagonista. Discreta y natural, es la perfecta compañera de reparto de Colin Firth.

*CONCLUSIÓN

Una magnífica interpretación de los actores y una historia con mucha fuerza e interés humano que en su día tuvo al mundo pendiente de este viaje incierto, no alcanzan a suplir la ligereza con que se trata el misterio marítimo que aquí se narra.

Por otra parte, tratándose de una película que transcurre en el mar, que es el otro gran protagonista, se echa de menos muchas veces los sonidos inherentes al medio acuático, el sonido del viento, de los aparejos; no “se sienten” los embates de las olas. El hechizo del mar no traspasa la pantalla. Es un mar triste y aburrido.

De todas formas, la primera parte de la película nos atrapa y nos hace caer en su red. El enigma que envuelve esta aventura es absorbente y, aunque después naveguemos entre dos aguas, sin viento en las velas, nos mantiene ojo avizor hasta el final, abriendo un debate moral que daría para muchas horas de conversación.

Escrito por Luz Nogues

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