Un filme literario de dispositivo narrativo potente y críptico, narración en primera persona con constante e introspectiva voz en off y asfixiantes planos cerrados. Película hermética y estelizada que retrata psicológicamente con minuciosidad a su personaje femenino central, poderoso y bien interpretado. Una película de excelente dirección artística y sobria música que refuerzan su ascetismo sobrio e incómodo, que se ve lastrada de todos modos por su lento ritmo, larga duración y carece de más personajes de interés o líneas narrativas que doten de matices las literarias reflexiones de Duras. Con todo, es un ejercicio ejecutado con mucho gusto en el que, aunque cueste entrar, seduce de manera paulatina hasta desembocar en un satisfactorio clímax. Una nueva y fresca mirada al sufrimiento de la Segunda Guerra Mundial, y una ingeniosa concreción del horror general en un malsano caso particular.

Leo (Peter Lanzani) es un joven muchacho argentino de fe cristiana que con la ayuda de una prostituta estafa a hombres de negocios, grabándoles a escondidas comprometedoras grabaciones sexuales. Pero un día se encontrará por azar siendo espectador indeseado de un negocio clandestino de los mafiosos López (Santiago Segura) y el gran capo Duges (un Gérard Depardieu como estrella internacional con papelito jugoso del reparto). Para salvar su vida y huir de ellos y sus secuaces, entre ellos el morisco Harken (Hugo Silva), deberá camuflarse haciéndose pasar por un rabino. Una comedia de enredos, persecuciones, tiroteos y desarrollo personal, dónde aquellos que son diferentes se unen ante el enemigo común creando disfuncionales familias. Una coproducción de varias productoras y película de envergadura diseñada para funcionar en taquilla en múltiples países. Gracias a su reparto internacional y su trama universal y familiar de gángsteres e identidades ubicuas, sus responsables conseguirán que la película tenga piernas entre el vulgo. Su ritmo argumental, brío de montaje y uso de planos con dron aportan un cierto dinamismo, y desde luego es fácil ver esta película sin sentirse aburrido. La producción se siente, y el engranaje de unos personajes majos interpretados con acierto logra que sonrisas puntuales asomen, sin olvidar el placer que siempre da ver a Depardieu explayándose en pantalla, aunque sea en un film menor. Una comedia de líos y personajes de pasados tormentosos redimidos por la amistad que integra una violencia explosiva como elemento fresco y rítmico.

Funciona en tanto ser el entretenimiento ligero de masas que pretende, la película está vacía, y no presenta ningún interés en su forma, sus temas, ideas o ejecución. Cine rutinario, cine de piloto automático, de fórmula, de plantilla, apenas sacado adelante con un mero conocimiento del oficio. Ruido enmarañado y chiste fino, que cae como un ladrillo y no cala el subconsciente. Desarrollo que ahonda cada vez más en lo predecible, el cliché y el desastre. Ligereza extrema y reducción al mero apunte de los pocos elementos de interés: las dudas de fe de Leo y su reconciliación con su pasado. 90 minutos que pueden dar para una cómoda desconexión ante un televisor o una sala de cine, pero nada más. Chusco película que dudo que triunfe por aquí.

Chapucera, ruidosa y cuñada, Sólo se vive una vez es una comedieta de balas y rabinos que entretendrá a mediana edad y adolescentes, y sumirá en irritante indiferencia al resto.

Zev Gutman (un excelente Christopher Plummer), un anciano judío aquejado de demencia y paciente de una residencia geriátrica, queda viudo tras décadas junto a su mujer. El día que esto sucede su amigo paciente Max Rosenbaum (un entonado y recientemente fallecido Martin Landau) le recuerda la tarea que prometía hacer el día de la pérdida de su mujer, y sabedor de su alzheimer incipiente le redacta una carta con todos los pasos que debe seguir en su aventura: coger un tren e ir a Canadá y buscar a Rudy Kurlander, el nazi responsable del asesinato de su familia y la de Max en Auschwitz, para acabar con él. Hay varios Rudys Kurlander, y deberá reconocer al auténtico, pero para Zev, que necesita que todo le vaya indicado, organizado y escrito de antemano, será muy difícil recordar ese duro pasado. Una intriga con toques humorísticos sobre la vejez, la recuperación histórica de las heridas nacionalsocialistas y, en definitiva, de la memoria y del olvido o suplantación vital como vía de escape. Un relato con giros, incógnitas y plagado de implícita tensión espeluznante hacia el fascismo oculto que atormenta a sus protagonistas. Un relato que capta con precisión el peliagudo tema de la decrépita senectud, habitada por interesantes personajes interpretados por ancianos actores en estado de gracia: Landau se muestra reservado, calculador y cerebral, el entrañable y olvidadizo y asustado Zev de Plummer brilla como un astro, y Bruno Ganz exprime al máximo su breve papel. Pero la comedia geriátrica es sólo un simpático apunte ante la potencia emocional de su inquietante plan de asesinato central, plagado de escenas que erizan el bello y un clímax devastador. Y es en la dosificación de la información y en el emplazamiento de las revelaciones dónde el guión de Benjamin August se muestra como un rotundo éxito. Un guión que eleva por encima de la media un ejemplo loable de cine de género, a la antigua usanza, que muestra que la Segunda guerra Mundial aún tiene mucha vida cinematográfica, con el enfoque adecuado.

De entrada resulta inevitable constatar el mayor problema de esta película: un acabado formal pobre, con una fotografía y realización cercana al telefilme, una banda sonora pobremente enfática usada con poca elegancia y un uso de los elementos cómicos cercano a la tosquedad paródica involuntaria. Su sorprendente final es efectista, pero a cambio de rozar peligrosamente lo inverosímil. Y como esta, tantas otras escenas se enredan de manera atropellada, o se desarrollan de manera poco orgánica, pareciendo más escenas de guión que sucesos reales. Pero todo ello son minucias de analista quisquilloso que palidecen ante los grandes logros de este estupendo trabajo, una de las mejores películas vetustas de los últimos años.

Inquietante, terapéutica, fina y contundente, Recordar roza el efectismo, pero es una espectacular película de suspense absolutamente recomendable.

La joven pareja universitaria de Elliot y Sasha se mudan a una vieja casona de dos pisos con terreno que pose mobiliario del anterior dueño, entre ellos una mesita de noche. En el cajón de esta Elliot encuentra escrito a mano de manera reiterada y maníaca No lo digas, no lo pienses y el nombre de Bye Bye Man. Desde el momento que los cuatro personajes principales conozcan este nombre una maldición se adueñará de ellos, y esta maligna presencia intangible les atormentará el subconsciente, haciéndoles ver y oír cosas que no suceden o alterando peligrosamente su comportamiento, todo a través del miedo más visceral. Una película más sobre maldiciones y espíritus malévolos ocultos en casas que tras sepultarse en el olvido vuelven a atormentar a pobres incautos, cómo ya hicieron hace décadas con otros que intentaron ocultarlo de las maneras más radicales. Un personaje, este Bye Bye Man, que sin ser revolucionario sí que presenta un cierto interés iconográfico y procedimental, y Doug Jones hace un buen trabajo con lo poco que se le ofrece. Y aunque familiar la premisa per se es inquietante, y la película abre con un impactante prólogo ambientado en 1969, en el que un personaje interpretado por el ya icónico guionista de terror, y mano derecha de James Wan, Leigh Whannell pone fin a su pesadilla por la mano, ajustando la justicia del jarabe de palo con aquellos conocedores del nombre de la criatura. Y pese a ser testimonial y desaprovechada, siempre es un placer reencontrarse con Carrie-Anne Moss y Faye Dunaway. Y en tanto se trata de una película de terror al uso (su uso de la música y el sonido para crear atmósferas tensas está logrado, y si bien no te asustas nunca siempre te hallas en un tenso malestar9, puede consumirse cómo tal, y el aficionado fiel la verá sin recelo. Pero a aquel fascinado con estimulantes sorpresas del género en los últimos años (It follows, el cine de James Wan…) se sentirá decepcionado ante tamaña oportunidad perdida.

Una vez se plantea, con desidia y cuantiosos vacíos, la sugerente premisa, el filme transita por todos los clichés más comunes del género de la manera más torpe e irritante. Los ingenuos estudiantes, personajes irritantes y antipáticos de acciones incoherentes y comportamientos ajenos al sentido común con el sentido único de avanzar el guión, cómo hacen ciertos secundarios; la investigación policial oculta, la investigación en archivos bibliotecarios, la discordia entre afectados, los jump scares, un timing irregular y apropiado en pos del texto, el atropellamiento cercano al clímax, el comportamiento de los jóvenes al descubrir el nombre, las incongruencias relacionados con el proceder de la criatura, sus habilidades y las visiones que provoca…y por último, un buen puñado de escenas hilarantes de puro fallidas, y un final abierto perezoso hasta la legua. El desempeño cinematográfico es pobre, el guión famélico y malherido y los personajes, el alma de la fiesta, un auténtico desastre, interpretados con la destreza de una fregona. Todo se desenvuelve dentro de los márgenes de la previsibilidad, lo absurdo, lo peliculero y, en última instancia, de lo más netamente ridículo.

Tortuosa, risible y abundante en clichés, Nunca digas su nombre se mueve dentro de la medianía de los parámetros del terror, pero su desidia hará que se abandone la sala con una clara sensación de tiempo perdido.

La jovencísima Jesse llega a Los Ángeles huérfana de padres con su arrebatadora belleza como único activo y el deseo de llegar a ser alguien en el mundo de la moda. Gracias a la bisoñez que transpira y a su belleza pura y natural, sigue una evolución meteórica en el universo de las pasarelas, provocando envidia y desolación entre sus veteranas compañeras. La joven, que tras su aparente fragilidad esconde una personalidad depredadora y sin escrúpulos, se adentrará sin remedio en un abismo de vanidad y envoltorio, de tiburones y muñecas rotas y de falsedad y apariencia. Una película articulada no tanto sobre un cuento sobre la pérdida de la inocencia, que parte de eso hay también, sino un retrato psicológico sobre la malsana obsesión hacia la belleza y una feroz crítica al represivo mundo de las top-models y la hipercompetitividad de estas mujeres destruidas para devenir en estatuas orgánicas. Una narración audiovisual sobre el brillo, el neón, la purpurina y el maquillaje, y de sus efectos sobre delgados y estilizados cuerpos femeninos. El fashionfilm definitivo, pero también uno de los mejores giallos contemporáneos, deudor del mejor Argento. Una película sobre sensaciones que, pese a su frialdad, sordidez y morbo incómodo, transmite un torrente de ellas. Un producto atmosférico tenso y envolvente, seductor y agresivo, que consigue imbuir al espectador a la desolación onírica de la psique de una Jesse que se adentra en el infierno de terciopelo y luces rojas y azules. Una obra dónde Refn saca las mejores artes de su directora de fotografía Natasha Braier y la magistral banda sonora del habitual Cliff Martínez. Un espacio intangible dónde Elle Fanning nos seduce con su magnética presencia y su sensualísima gestualidad y Jena Malone nos sorprende con un personaje tan amable como desestructurado y feroz, aquejada de cuestionables filias. Barroquismo visual y asepticismo interpretativo entre las gentes que pueblan estos decorados tan bellos como letales y vacíos. Y en esta hipérbole que envuelve a este relato metafórico y abiertamente poco realista, como no podía ser de otra manera, también se abraza el horror, y las representaciones icónicas de los diferentes sentidos y grados de la devoración. Un ejercicio de provocación incómodo a la par que coherente, que hila por el camino no pocas secuencias de gran potencia cinematográfica.

Una película que bien puede causar un comprensible rechazo, pues acompaña su trémulo ritmo narrativo y su pretenciosidad con morbo, onanismo heteropatriarcal y derivas regodeantes hacia la violencia física y la perversión de los tabúes. y que aunque sí que es cierto que aunque el filme busque hepatar e incomodar, y dentro de su discurso la violencia tenga una razón de ser, ciertas derivas de su tercer acto, sino evitadas, podrían haber sido tal vez manejadas con menor subrayado y morbo. Pero en este caso, y por vez primero en el caso de Refn, creo que estos excesos e imperfecciones son consecuencia lógica y peaje casi necesario de la elaboración de un producto como este, y las grandes virtudes y el calado y pulsión que presentan las grandes secuencias de esta película bien invitan a tolerar estas pruebas que se pone a nuestra paciencia. Más que nunca, estas salidas de tono se erigen en virtud, ya que si esta película impacta, es en parte por estas pústulas.

A aquellos estómagos sensibles que no toleren la perversión física y moral en pos de una gratuita búsqueda de estilo y forma probablemente debería huir de esta película. Pero si entramos en la sala de cine en búsqueda de dejarnos llevar por sus pulsiones sensoriales y dejarse engatusar por la belleza de la imagen y el sonido, hallaremos muchas delicatessens que deleiten su paladar en, le pese a quién le pese, una de las películas del año.