Comedia bufa que contrapone de una forma un tanto gruesa los supuestos valores de la ciencia con la pasión. Y digo supuestos porque la ciencia no tiene unos valores fijos e inmutables, sino los que nosotros queramos atribuirles. La ciencia no defiende una sociedad mecanizada (como bien saben los seguidores de la física cuántica), por lo que me parecería mucho más interesante criticar los rasgos de autoritarismo que esconden los discursos científicos que asustar con la deshumanización de las relaciones personales cómo hace Renoir. Por cierto, que el mensaje de esta película me ha recordado en cierto modo al discurso de Jacques Tati.

Entre las fallas más evidentes de la película, la más grave es la falta de profundidad de los personajes, meros estereotipos con patas, cuya única misión consiste en dejar bien claro el mensaje que Renoir intenta inculcarnos. Y que conste que estoy de acuerdo con lo que dice, pero me parece un tanto innecesario recordarlo. Tampoco ayudan las interpretaciones de los actores, exageradas, bufonescas y faltas de recursos (Cfr. la escena en la que los primos del protagonista aparecen en casa de la campesina). Aún así la película se ve con agrado, y algunas de las situaciones, vistas con la adecuada predisposición, bien pueden arrancar una sonrisa.

Mal lo debía estar pasando Arthur Penn para aceptar este alimenticio encargo. Extraño, porque su anterior cinta, Georgia, sin ser ninguna maravilla, resulta mucho más interesante y propia de Penn que este ejemplar de cine comercial 80s, que incluye algunos de los tics más molestos de la década de los colorines: persecuciones a tutiplén que parecen incluidas a mayor gloria de los especialistas que las rodaron, mensaje ideológicamente plano, historia de superación y reencuentro vital más que previsible, etc. Penn intenta compensar estas concesiones dando un tono un tanto melancólico a las escenas más reposadas del metraje, pero sin que en ningún momento estas lleguen a emocionar o a causar una reflexión que pueda ampliar el horizonte del espectador. Además el guión deja algún que otro cabo suelto (ver spoiler).

Aún así, a pesar de sus evidentes defectos, la película se sigue con un cierto interés. Y a ello contribuye más que ningún otro factor la presencia de ese superdotado de la interpretación que es Gene Hackman; no que su labor resulte sobresaliente, pero siempre reconforta ver un actor que no tiene que forzar absolutamente nada para resultar creíble. Su actuación parece tan natural como el respirar; es como ver vídeos de Carl Perkins, en los que su forma de cantar parece brotar del mismo modo que el agua de una fuente. Por otra parte, ni Matt Dillon ni el resto del reparto desentonan o resultan poco creíbles, lo que eleva esta cinta, que podría resultar completamente vacua e insufrible en manos de otros, a la categoría de entretenimiento más o menos digno

Lo pongo en el spoiler para no fastidiarle la peli a nadie. En serio, si no la habéis visto ya, no lo leáis

Ya que estamos: primera aparición de Susan Sarandon en pantalla y en general fantástico trabajo actoral. Recomendable, y mucho, para cualquier fan del cine setentero americano. Además estamos hablando de uno de los primeros trabajos de la mítica Cannon, ojito.

Cuándo se rueda Skin Game, James Garner venía de firmar varios westerns seguidos de tono guasón claramente encuadrables en la misma casilla que otras cintas sesenteras cómo El Gran McLintock o La Leyenda de la Ciudad sin Nombre. Y antes se había hecho famoso en EEUU al protagonizar la serie Maverick, un "gambler" que algunos recordaréis por la versión que protagonizaron Mel Gibson y Jodie Foster en el 94. Por lo tanto, el personaje de bribón aventurero en el oeste ya lo tenía más que dominado. Un punto.

El segundo protagónico es Louis Gosset Jr., recién salido del rodaje de El Casero, debú de Hal Ashby, uno de los totems del cine setentero más injustamente olvidados. En todo caso, actuación muy destacable la suya en un rol que necesita (y mucho) un adecuado equilibrio entre drama y comedia para no hacer caer a la cinta en la patochada indigerible. Otro punto. Y por último la gran sorpresa de la cinta, una Susan Clark que lo clava en un papel de esos que cualquier actor con un mínimo de orgullo profesional debería alcanzar el orgasmo solo de pensar en que les sea ofrecido. Otro puntejo.

Por otro lado tenemos la historia y el tono de la misma. La primera no deja de ser una acumulación de anécdotas e historietas de embaucadores, pero ni molesta, ni resulta embarazosa, precipitada, infantil, liosa o aburrida. Medio punto. Es en el tono dónde la peli destaca realmente; sin dejar de lado nunca el humor, la cinta no esquiva las cuestiones que se derivan de la idea central que hace de motor del argumento, y siempre lo hace desde una perspectiva adulta y humanista. Es decir, en vez de las tonterías seniles y las resoluciones inverosímiles con las que nos castigaba la industria hollywoodiense cada vez que intentaba acercar el western a la comedia durante los 60s, esta peli tiene a personajes de carne y hueso con dudas y elecciones, no arquetipos que sólo sirven para contrastar más el carisma del Juan Guayne de turno. En definitiva, Skin Game se encuentra más cerca del "realismo psicológico" (cinismo protestarán algunos) de El Día de los Tramposos que de la memez que pretende resucitar el slapstick de Paint Your Wagon o McLintock!, y todo ello sin renunciar jamás a ser un entretenimiento plenamente consciente de ello, ni caer en la pretenciosidad. La cuadratura del círculo, o casi. 2 puntos y medio.

Y finalmente, aparece John Brown, primera vez que veo al histórico abolicionista en una peli. Otro punto.

Policíaco con ribetes noir que en su inicio puede llegar a parecer un clon de combate de On the Waterfront visto desde el otro lado de la barrera... pero no, tiene su chicha la cosa. Sin ser una obra maestra, puede presumir de una sensación de libertad narrativa en su desarrollo que me parece muy poco habitual en la época... a veces hasta casi se puede llegar a entrever un jirón de los nuevos cines que surgirán con fuerza comercial en Europa al principio de la siguiente década. Y todo ello gracias a sus 103 minutos, que le permiten huir del esquematismo de otras cintas de serie B del ocaso del cine negro americano y la rigidez cromática a la que obliga contar una historia en el menor tiempo posible. La película, pues, incluye giros humorísticos, escenas de tensión y acción, drama judicial y funcionarial, etc. A mayores, mencionar la partitura de Richard Rodgers, con un tema principal dinámico y tenso como una navaja de Taramundi.

En el debe del film, además de algunas actuaciones de las que dan algo de carraspera, una cierta sensación de ser una película de servicio público con un mensaje moralizante un tanto ingenuo.