Estamos ante un verdadero portento de película. Es una película que habla de la vida misma, de esas curiosas y desconcertantes vueltas que da la vida. Aquí se habla del racismo, de los fracasos y los triunfos, de la ambición, del amor, de la amistad, de la aceptación de uno mismo, de la juventud... es toda una meditación de la condición humana. Todas las interpretaciones son portentosas y todas muy en su nivel. Pero de toda la película me gustaría destacar un tema que está más presente incluso que el del racismo, y es el de la madre, la maternidad encarnada en el papel de Juanita Moore. Yo creo que es todo un homenaje a lo que es y significa una madre, ese primer regalo que nos da Dios al nacer, el amor de una madre. Es un personaje que personifica muy bien ese amor que solo una madre es capaz de dar, una mujer que ama y que sufre con el desprecio de su hija, pero sin embargo una madre nunca deja de creer y de esperar por un hijo. Los últimos veinte minutos de esta película son la cosa mas hermosa y emocionante que jamás se ha rodado en el cine, la escena en la que aparece la desconsolada hija deja sin aliento. Si tuviera que dedicar una película a mi madre, sin duda le recomendaría esta. Cuando uno ve esta película piensa inmediatamente en su madre y se da cuenta en seguida de que no hay nada tan grande en este mundo como el amor y el cariño de una madre. Un homenaje a una madre, esto es esta película.

Siempre he considerado a esta película como mi preferida por ser mi primer contacto con el mundo del cine. Estamos ante una película sorprendente, brillante y emocionante. Es la película por la que nunca pasa el tiempo, parece haber sido hecha para todas las generaciones, para grandes y pequeños y lo pasmoso es que nunca defrauda. Todo en esta película es destacable, las fabulosas interpretaciones de los protagonistas, en especial de Julie Andrews, y de los niños, de los cuales sobresale la madura interpretación de Charmina Carr. El guión y la historia enganchan de principio a fin, una historia que habla de la vocación, de la felicidad, del amor, de la familia, de la unidad, de las personas... La banda sonora ha pasado a la historia como una de las mejores de la historia del cine, una música que no deja de ser referencia de muchas bandas sonoras y que también hoy siguen al día. La dirección, portentosa, y aprovecho esta pequeña critica para rendirle el merecidísmo homenaje a Robert Wise que ha fallecido en el día de hoy (15-9-05). La dirección en esta película demuestra su perfecto conocimiento del género musical, comedia y dramático. Es una película demasiado grandiosa como para acabar de definirla, siempre que se ve aporta cosas nuevas. Una de las escenas más conmovedoras es la de María con la madre superiora, donde aparece uno de los muchos mensajes de esta película; escalar el ideal, encontrar el sueño. Una película totalmente inmprescindible y de esas que una vez que se ve ya forma parte de nuestras vidas.

Muy pocas películas tiene esa capacidad, casi mágica, de conmover hasta la lágrima como lo hace esta película. Y realmente no se sabe muy bien por qué es, si por la propia historia, por la conseguida interpretación de los actores o por la música. Lo cierto es que es una película que no nos deja indiferentes. Quizá sea porque nos sentimos identificados con ese sentimiento tan universal como es el amor. Y precisamente este es el tema de la película; el amor. Un amor verdadero y sincero que no conoce el olvido, las reglas del tiempo o la distancia. Una pelícual que nos habla de esos recuerdos del primer amor, de las amistades o de las tardes de domingo en el futbol. Hay momentos especialmente emotivos como son la conversación de Antonio Ferrandis con José Bódalo o esa despedida final de la pareja en el aeropuerto. Solo el cine es capaz de reproducir, aunque solo sea a base de miradas, la dura despedida en un aeropuerto de dos personas que se aman o de transmitirnos el mensaje de como tan solo dos días (un fin de semana), dos personas que se quieren lo transforman en toda una vida. Destacar los planos de los amaneceres, atardeceres y la noche misma, junto con esos arreglos musicales de la canción de Cole Porter y de Pachelbel. En definitiva toda una lección de lo que es el verdadero amor que no conoce edad y una lección de lo que es una buena película que se llevó un Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

Estamos ante una interesante adaptación de la vida de una de las mejores voces femeninas de la historia de la música; Edith Piaf. Es una película interesante y que ha intentado reflejar buena parte de su biografía desde la admiración y con bastante credibilidad.

Es una película construida a base de flash back, pero en la que tantos saltos en el tiempo tan sucesivamente llegan por momentos a descentrar la historia. Lo más a destacar es que en ese contraste entre el antes y el después, entre el pasado y el momento presente, en ninguno hay una vida feliz. Es una constante en toda la película el querer marcar el carácter trágico de su vida. Exceptuando los momentos de su relación con el boxeador.

Destacar la caracterización de Piaf que es absolutamente soberbia, muy bien conseguida. Incluso hay momentos en los que tiene un cierto parecido con Bette Davis.

Es una película que logra cumplir su principal objetivo que es retratar la tragedia de una vida marcada por la enfermedad, la adicción, la pobreza, los excesos, el sufrimiento... Todo esto se expresa en escenas realmente duras. Quizá su gran sufrimiento, además del de la enfermedad, fue no encontrar un autentico sentido a su vida, a su talento, a lo que hacía. En este sentido destacar la magistral interpretación dramática de la protagonista, Marion Cotillard, que resulta del todo convincente.

Y por su puesto destacar la banda sonora. Durante toda la película escuchamos las maravillosas canciones de Piaf, y conocemos las historias que había detrás de muchas de sus canciones, como es el caso de “La vie en rose” dedicada a su amor, o aquella otra compuesta a raíz del accidente de este. En definitiva es una película que vale la pena ver, se sea o no admirados de Edith Piaf, porque es una película deslumbrante que habla de y desde la vida misma, y también porque nunca he escuchado tan portentosamente el “Rien de rien” como se escucha en esta película.

William Peter Blatty, el que escribió la novela "El exorcista", dirige aquí la adaptación de su propia novela "Legión", una especie de continuación de "El exorcista" pero teniendo como protagonista al teniente Kinderman, ese simpático policía, amante del cine, amigo del padre Karras, y ahora del padre Dyer. Se plantea aquí una visión del terror distinta, como esa fuerza maléfica ante la que el hombre, si no tiene fe, no puede hacer nada. Se plantea muy bien teológicamente las distintas formas que puede adquirir el poder del mal y de como solo la fe en Dios es capaz de destruirlo. Es una película que intenta mantener ese clima de suspense y terror que consiguió la primera parte. Hay que destacar el protagonismo que adquiere las escaleras por las que murió el padre Karras como un lugar tenebroso donde se halla el mal y que está presente durante toda la película. También hay que destacar momentos de auténtico terror y tensión como la escena de la enfermera asesinada por detrás o la de la enferma poseída esperando a Kinderman en su casa con unas enormes tijeras de podar. En definitiva es una película que reflexiona sobre el mal, sobre el Bien, la locura, la fe... Evidentemente no es una obra maestra y, aunque no está a la altura de sus predecesoras, sí logra mantener un buen clima de misterio y terror y plantea reflexiones filosófica-teológicas muy interesantes. Vale la pena verla.