Con rigor histórico o sin él, más bien sin él, la cinta nos presenta imágenes bellísimas que nos transportan a esas grandes galerías de imágenes testigos de su época que podemos ver cuando paseamos en museos como El Prado o el Louvre.

Las batallas están filmadas con maestría y Scott hace alarde de su gran capacidad y facilidad para dirigir, de la que nadie puede dudar, pues a sus 86 años y tras 55 largos y fructíferos años de carrera, nos ha dejado joyas como Alien, Gladiator, Blade Runner y Los Duelistas entre otras muchas, que forman ya parte de la Historia del Cine.

No obstante, a su Napoleón le falta alma. Siento como ya me pasó en Éxodo, que los personajes no están desarrollados en profundidad, no acabo tras más de 2 horas y media de metraje de saber bien qué clase de persona era ese emperador francés interpretado por un Joaquín Phoenix que no podía haberse esforzado menos y que junto a Vanesa Kirby que si está extraordinaria no acaban de tener química como pareja protagonista.

No me queda claro que punto de vista quiere explotar concretamente el director para conducir la historia, y además los vacíos en el tiempo con grandes saltos en el montaje no ayudan al ritmo narrativo.

Esperaremos a ver la versión extendida que aporta más de una hora extra a la cinta, por si se arreglaran entonces, si no todas, algunas de las carencias que le veo a la película.

Adaptación de la novela del mismo nombre, en la que David Grann relata los terribles crímenes ocurridos durante los años 20 en Oklahoma que más tarde serían conocidos como “El Reino del terror”, un genocidio cometido contra la tribu Osage.

En esta nueva película, Scorsese hace una revisión necesaria de esta parte de la historia americana y trata de hacer justicia. Con esta incursión peculiar en el género western, pretende corregir los graves errores cometidos por el viejo Hollywood, que en los westerns clásicos, victimizaban, ninguneaban y representaban sin ningún respeto, usando además actores blancos, a los nativos americanos.

Según los propios Osage, es ahora por primera vez, cuando se han sentido realmente representados.

El director, a sus 80 años pero en pleno uso de sus facultades, nos trae este trabajo titánico de tremenda envergadura, ejemplo del que podrían tomar buena nota otros muchos cineastas; Scorsese no sólo se esfuerza en tratar de contarnos algo que ocurrió, unos hechos acaecidos en tal fecha y en tal lugar, sino que ha venido a mostrarnos mucho más, quiere que veamos la verdad con nuestros propios ojos, quiere que la sintamos, que aprendamos de ella, que empaticemos con las víctimas y así evitar, de algún modo que la historia vuelva a repetirse.

Un Scorsese mucho menos frenético que en ocasiones anteriores narra esta historia con un ritmo más pausado del que nos tiene acostumbrados, más cerca de “Silencio” que del “Lobo de Wall Street”, nos sumerge en una trama de crímenes, drama e investigación judicial, pero también, nos insta a detenernos, tomarnos un momento para descubrir las costumbres, los ritos, en definitiva, un poco la cultura de esta gran sociedad.

El metraje claramente podía haber sido mucho más breve, pero en palabras del propio Martin, él sentía que había que hacerlo así, estaba obligado. Era lo correcto y estoy de acuerdo.

El film nos deja fotografías absolutamente preciosas, y secuencias ralentizadas con imágenes icónicas que no pueden ser más evocadoras. El lenguaje visual empleado en la película es brillante. El prólogo de la cinta al más puro estilo Scorsese, es una auténtica masterclass.

Los actores están magistrales todos sin excepción, sus personajes son en su mayoría crápulas movidos por pura avaricia, entre los que tan solo una persona parece ofrecernos un poco de esperanza, una mujer, un rayo de luz entre tanta oscuridad, la cándida Lily Gladstone, que me sorprendería mucho que no fuera varias veces galardonada por este magnífico trabajo, creo tiene todos las cualidades necesarias para conseguirlo, su presencia en pantalla es arrolladora sobre todo si tenemos en cuanta su escaso diálogo.

Leonardo DiCaprio frente a un Robert De Niro todavía en plena forma, aborda aquí uno de los papeles más difíciles de su carrera, y el resultado no puede ser mejor, prótesis incluida al más puro estilo Marlon Brando en 1972, está simplemente soberbio y también estoy segura competirá en la carrera hacia los premios de La Academia entre otros, aunque en esta ocasión no me la jugaría teniendo en cuenta la clara competencia que le ha vuelto a salir este año.

La película me ha encantado, sí que dura 3 horas y media, pero mantiene mi interés en todo momento. No recortaría ni un solo fotograma.

Bellísimo espectáculo de amor, humanidad y supervivencia, contado con absoluto respeto y extraordinaria sensibilidad. Una auténtica oda a la amistad.
La historia presentada por Bayona de este terrible accidente ocurrido en los Andes en 1972, es un homenaje tanto a los que, por increíble que parezca, sobrevivieron como a los que no, y todo ello conseguido sin caer en el sensacionalismo a pesar de las crudísimas circunstancias.

Bayona es meticuloso, se muestra seguro en cada movimiento de cámara, mostrando un virtuosismo con el que cuida cada momento de la cinta desde la más estricta intimidad y hasta en el más ínfimo detalle. El elenco nos brinda unas interpretaciones deslumbrantes, destacando en concreto ese instante en el que el protagonista parece alcanzar la condición mística misma. Numa consigue encogerme el corazón cuando su voz en off se mantiene con nosotros más allá de lo posible.

Inmensas esas minimalistas secuencias con esos grandiosos planos abiertos que nos hacen sobrecogernos ante la despiadada y salvaje frialdad de la naturaleza, esa hermosísima y terrible naturaleza.
Preciosos los momentos ralentizados despidiendo a los caídos mientras sus nombres y edades se van mostrando solemnes, guardando el correspondiente tiempo de silencio.

Más que notable en todos los apartados técnicos, la secuencia del accidente es un ejemplo de destreza cinematográfica, filmada con un realismo extraordinario, es potentísima.

No puedo estar más orgullosa de que éste talentoso y grandísimo artista español nos represente allá donde vaya y ojalá eso sea muy muy lejos.

No siempre bien acaba... Genial la secuencia inicial, con reminiscencias del Exorcista, algunos elementos visuales realmente buenos, pero irregular y tediosa, cae en picado desde su ecuador al final.
La floja narrativa no nos acaba de enganchar, volviéndose aburrida en algunas partes.
Los actores estupendos en las entregas anteriores, ahora se me antojan mediocres y sus diálogos bastante pobres.
Unos Warren elevados a la categoría de héroes, rozando la cursilería. La peor, sin duda.

La serie nos sumerge en el Hollywood de los años 70 para mostrarnos cómo funcionaban los engranajes de los estudios en una época en la que el cine volvió a brillar tras unos años de crisis creativa, donde una sociedad incipiente demandaba algo más; era necesaria savia nueva, llegaba una década de resurgimiento del cine donde Coppola y otros grandes maestros volvieron a hacerlo resplandecer.

The Offer va cogiendo forma a lo largo de unas 10 horas en las que descubrimos el titánico trabajo realizado por los cientos de profesionales implicados en la filmación de El Padrino.

El productor Albert S. Rudy, interpretado aquí por Milles Teller, se enfrentó durante el proceso creativo a una constante oposición no desde uno, sino desde varios frentes, pues los sindicatos, la mafia e incluso el mismo estudio parecían presentarle batalla a cada paso. No obstante, su férrea voluntad, talento e inventiva lograron llevar milagrosamente la producción a buen término.

Francis Ford Coppola aquí Dan Fogler, fue sin duda esencial para darle forma a la película tal y como la conocemos, entre él y Mario Puzo (Patrick Gallo) adaptaron esta historia sobre el ascenso de una familia de inmigrantes italianos. Su toma de decisiones en innumerables aspectos del film como la iluminación, la elección de los intérpretes y las localizaciones, sobre todo en lo referente a Sicilia, fueron sin duda cruciales para poder acceder al corazón mismo de los Corleone.

Como no podía ser de otra manera, el casting de actores tampoco fue tarea sencilla, Coppola necesitaba de manera imperante a Al Pacino, entonces un jovencísimo actor que aún no había asumido la responsabilidad de ningún papel protagonista. Su físico, su ascendencia, no eran del gusto de Robert Evans (Matthew Goode), por aquel entonces presidente de la Paramount que no atravesaba su mejor momento y al que le encantaba rodearse de grandes estrellas que según su criterio aseguraban los éxitos en la taquilla, prefiriendo figuras seguras de la talla de Robert Redford o Jack Nicholson.

Tampoco fue fácil conseguir a Brando, otra ardua tarea, pues se había vuelto un hombre "difícil" y con el que los estudios temían trabajar. Sin embargo, un video casero en el que apenas se le reconocía convenció a la Paramount de que pesara a quien pesara, no había duda de que él era el más idóneo, pues era incuestionable su talento que lo situaba como probablemente uno de los mejores actores de la historia.

Justin Chambers, que interpreta aquí al verdadero Marlon Brando, y el joven Anthony Ippolito, que lo hace de Al Pacino, realizan una magnífica labor máxime teniendo en cuenta en quienes se están mimetizando. Me ha encantado la secuencia en la que ruedan como se filmó la famosa escena del restaurante en la que Michael mata a Sollozzo y a McCluskey. Un auténtico momento de inflexión, tanto para el pequeño de los Corleone como para el actor Al Pacino, pues ya pudimos ver cuánto se estaba jugando.

La secuencia de la increíble proyección privada en New York para aquellos "colaboradores más especiales" es una auténtica carta de amor al cine.

Las puertas se cierran y se apagan las luces, oímos el ruido del proyector girando y se hace la magia, empezamos a oír las primeras notas de la magnífica banda sonora de Nino Rota, la cinta avanza mientras oímos, aunque no vemos; tampoco lo necesitamos, pues algunos de esos momentos permanecerán grabados ya para siempre en nuestras retinas.

Creo que esta historia se ha escrito para ser apreciada sobre todo por amantes del séptimo arte y en concreto para los más incondicionales de la cinta, contada desde la perspectiva del tiempo y con una voz nueva y feminista que nos hace oír ahora (quizá más que entonces) las de aquellas mujeres que en su día pasaron más desapercibidas y que fueron vitales para el buen desarrollo de este monumental proyecto. Voces como la de la ayudante de producción Betty McCartt, la directora de casting Andrea Eastman, y la hermana del director Talia Sire que llegó a sufrir maltrato real por parte de su compañero de reparto Gianni Russo.

La dirección de la serie no brilla a pesar de reinterpretar algunas de las secuencias más icónicas de la historia del cine, y sí, los actores están magníficos, siendo sin duda lo mejor de toda la producción, que claramente carece del presupuesto necesario y se nota en la calidad general de la misma. Aun así, me interesa cada minuto e incluso hubiera agradecido algunos más, pues siento que me falta bastante información.

No sabemos muy bien, si todo lo que nos revelan ocurrió tal y como lo cuentan, la relación con la mafia y sus implicaciones en la película sin duda estaban ahí, digamos que el destino jugó sus cartas y ganó.

Todos ganamos