Durante muchos años ha habido un debate, ¿Quién es el mejor actor de su generación, De Niro o Al Pacino? En el declive de su carrera los dos parecen responder al unísono, “Yo no”. Al Pacino, actor newyorkino nacido el 25 de abril de 1940. Robert de Niro, actor newyorkino nacido el 17 de agosto de1943. Los dos nacieron y trabajaron en la misma época para goce y disfrute de todos los espectadores.

Al Pacino consiguió rápidamente uno de los papeles más importantes de su vida interpretando a Michael Corleone en “El Padrino”. Casi al mismo tiempo Scorsesse dirigía a De Niro en “Malas Calles”. La segunda entrega de “El Padrino” los reunía por primera vez, pero los newyorkinos no coincidían en el rodaje, ya que De Niro interpretó al joven Vito Corleone.

Al Pacino seguía su curso y realizaba dos grandes trabajos, “Serpico” y “Tarde de perros”. Pero ahí estaba De Niro para hacer “Novecento”, “El cazador” y “Toro Salvaje”. Al Pacino no se quedaba atrás y rodaba “El precio del poder”, pero De Niro se lucía en “Érase una vez en América”. Llegaron los ’90 y con ella la tercera entrega de “El Padrino” con Al Pacino, pero De Niro le superaba con “Uno de los nuestros” y “El cabo del miedo”. Pacino respondía con un Oscar en “Esencia de mujer”. De Niro pasaba a otro nivel al dirigir “Una historia del Bronx” mientras Al Pacino se metía en la piel de Carlito Brigante en “Atrapado por su pasado”.

Se acercaba el año en el que estos dos genios coincidirían en un film, fue en 1995, y Al Pacino y Robert De Niro compartieron una escena en “Heat”. Fue un momento muy esperado que no defraudó a nadie. Sólo compartían una escena en el film, pero fue memorable. Hasta “Asesinato justo” no habían vuelto a compartir una escena en el cine. Jon Avnet los ha reunido de nuevo, y coincido plenamente con lo que dice en la revista Rolling Stones, Peter Travers: “Aquella escena que comparten en 'Heat' merece más la pena que las dos horas de aquí”.

Desde “Heat”, De Niro ha combinado películas buenas con mucha mediocridad, aún así ha actuado bien en films como “Sleepers” o “Copland”, se ha reinventado en “Una terapia peligrosa” o “Los padres de ella” y ha vuelto a dirigir un gran film como “El buen pastor”. Pero sobretodo ha realizado trabajos basura con actuaciones mediocres: Hombres de honor, Showtime, el enviado, el escondite o Asesinato justo.

El caso de Al Pacino es peor, se ha especializado en hacer papeles histriónicos y exagerados: Pactar con el diablo, un domingo cualquiera o Relaciones confidenciales. Sólo nos ha dejado unas pocas películas buenas: Donnie Brasco y El dilema. Por el contrario abundan films basura: Simone, Ocean’s 13, Apostando al límite, Asesinato justo, entre otras.

Continúa en el spoiler por falta de espacio.

Acercarse hoy en día a ver una película de ciencia ficción es, cuanto menos, arriesgado. El film es 90% guión, así que hay que darle la enhorabuena a Jerome Bixby, quien ha escrito una sencilla historia que te deja pegado al asiento, casi si dar crédito a lo que oyes.

La historia es sencilla. Un hombre, John, se quiere despedir de sus compañeros después de haber trabajado con ellos durante diez años. John les cuenta una historia increíble. Dice que es un hombre de las cavernas y que tiene 14 mil años. John va respondiendo a las preguntas de todos sus amigos, biólogos, antropólogos, psicólogos y expertos en religión. John tiene respuestas para todos, y al igual que sus amigos poco a poco van creyendo en la historia del hombre de las cavernas, el espectador también la cree.

"The Man from Earth" es una historia de ciencia ficción, sin efectos especiales, sin trucos, ni marcianos. Simplemente son siete personas preguntando a un hombre sobre su supuesta vida de 14 mil años. Una historia original y magnética que te atrapa. Jamás deseas que se acabe la conversación, siempre quieres saber más y más sobre este enigmático personaje que no sabes si te está tomando el pelo o realmente ha vivido tantos años.

El final es convincente, como el resto del film. "The Man from Earth" posiblemente sea considerada una "ofensa" para los fanáticos religiosos, pero no hay que olvidar que lo que vemos no es más que un film de ciencia ficción, y además, bastante bueno.

Junto con "Sed de Mal" de Orson Welles, "El infierno del odio" es la mejor película de género policíaco que se haya filmado jamás. Se podría decir que la película tiene dos partes diferenciadas.

La primera es algo más que excelente. Es pura desesperación, la ruina o el hijo del chófer secuestrado. Hay que elegir, y no es fácil. La segunda se centra en la investigación. Hay que encontrar al secuestrador y tiene que pagar por ello. Lo mejor de esta parte es que te lo muestran todo, paso a paso, y no se dejan nada al azar. Todas las pistas que van obteniendo todos los policías son mostradas ante el público, y eso provoca una implicación absoluta del espectador.

Magníficamente realizado. Hay que quitarse el sombrero ante el gran Kurosawa. Para mí, junto con "Trono de Sangre", este es su film más destacado. Sus dos horas y veinte minutos merecen la pena, son para disfrutarlas.

Fellini transmite en "La dolce vita" un hastío terrible y un cansancio existencial de un hombre (Marcelo) que escribe sobre la aristocracia romana en el verano del 59'. A través de un Marcelo Mastroiani cansado de sí mismo y de todo lo que le rodea, Fellini nos muestra a una clase alta en completa decadencia.

La aristocracia es golpeada sin descanso por Fellini y los muestra como simples niños sin sus caramelos. El dinero los ha envilecido y son incapaces de ser ni sentirse felices. No hay nadie en "La dolce vita" que muestre un ápice de felicidad. Si tienen familia se sienten atados, si no la tienen, están incompletos. Si son famosos no tienen intimidad, si no lo son, no tienen privilegios. Si tienen pareja estable están agobiados, si no la tienen se sienten solos. Nadie se siente completo y nadie está satisfecho.

Las fiestas de la aristocracia se muestran como la culminación de la decadencia, entre la orgía y el horror, entre "Calígula" y "Freaks", una burla insultante hacia la aristocracia romana. No es hasta el final del film cuando a Marcelo se le abre otro camino. Y es aquí donde Marcelo tendrá que elegir la vida que quiere llevar.

Hay muchas películas que pierden mucho valor al ser dobladas. "Vicky Cristina Barcelona" no sólo perdería el valor, también el sentido. Si en algo destaca el film de Woody Allen es en la dualidad de los lenguajes y en el juego y jugo que se les saca.

Penélope Cruz interpreta a María Elena, su nombre no aparece en el título de la película, pero ella es el alma del film de Allen. María Elena es la frescura, el aire entre el vaivén del inglés al castellano, la inflexión entre Cristina (Scarlett Johansson) y Juan Antonio (Javier Bardem) y lo opuesto a Vicky (Rebecca Hall). Penélope Cruz está admirable en un papel realmente gracioso. Le da un toque fresco, descarado, lunático, hermoso... Javir Bardem es convincente en un papel difícil por lo irreal de la situación.

"Vicky Cristina Barcelona" es una gran comedia, evidentemente no es la mejor del newyorkino, pero me ha hecho reír bastante. Pero más allá de la extravagante comedia que contemplamos, Allen nos sugiere otras cosas que poco tienen de comedia. La fugacidad, el final de un nunca eterno amor es expuesta de forma sutil pero certera.

Allen se reivindica después de su fallida "El sueño de Casandra" y principalmente, gracias a Penélope Cruz, nos deleita con una gran película que deberían de haber prohibido estrenar en versión doblada. La Versión Original Subtitulada nunca fue tan necesaria. Gracias Pé por esos momentos de insultos en español mezclados con desprecios en inglés. "En esta casa se habla en inglés".