"Gate of Flesh" es una película que, si bien tiene una fuerte base en la realidad histórica del Japón de postguerra, posee también un fuerte componente de irrealidad, de ensoñación, mediante el uso del color, los decorados, las sobreimpresiones... Suzuki estiliza y se ensimisma sobremanera, y donde tenía que realizar un crudo melodrama de prostitutas, hace otra cosa, de igual manera que, cuando tenía que limitarse -desde el punto de vista de la Nikkatsu, su productora- a hacer películas de yakuzas -"Tokyo Drifter" (1966)- o de asesinos a sueldo -"Branded to Kill" (1967)- hace otra cosa, o le sale otro tipo de cine (un musical, en el primer caso, y un delirio vanguardista, en el segundo).

La dispersión presente en títulos anteriores de Rocha se vuelve, en su última película, tan visible que resulta una obra más inconexa que caótica. Cada secuencia es como una película distinta, y cabe preguntarse si Rocha no quería eso,integrar varias películas en una: hay un cine experimental,hay un cine documental, hay un cine social...pero también cine político, cine entendido como ensayo histórico...
Pero todo es demasiado inconexo, Rocha no consigue integrar materiales muy diferentes, el conjunto es como un film en esbozo, sin terminar, fragmentos de sueños febriles sobre Brasil. La supuesta oposición entre John Brahms, el yanqui (Mauricio do Valle, el Antonio das Mortes de "Dios y el diablo en la tierra del Sol" (Deus e o diabo na terra do sol, 1964) y el Cristo negro no está bien definida, como tampoco el ensayo social (la parrafada dicha por una voz en off, ¿la voz de Rocha? mientras la cámara hace una panorámica del "planalto" que rodea la ciudad de Brasilia, parrafada en la que Rocha recuerda a Pasolini, otro cineasta de la provocación más que cercano a Rocha). Los diálogos repetidos por los actores una y otra vez son un ejercicio de distanciamiento "bretchtiano" que es o constituye otro esbozo de película. Lo mejor es la secuencia de las monjas bailando por las calles, con superposiciones de fotogramas que crean un efecto poético bastante conseguido. La secuencia con el hombre que habla de la política brasileña durante los años 60 y 70 recuerda mucho a planos con conversaciones de otro film anterior de Rocha, "Cáncer" (Câncer, 1968-1972), que incurre bastante también en la dispersión, en el film-ensayo.
En suma, 150 minutos de film-collage, interesante pero en absoluto satisfactorio.

Resulta difícil valorar, tantos años después, un film como éste, al que fácilmente se puede calificar, visto de manera superficial, como un conjunto de imágenes confusas, convulsas...Eldorado, el país imaginario en el que se sitúa la acción, es sin duda Brasil, y el protagonista, el poeta Paulo Martins, es quizá una proyección del propio Rocha: un hombre dividido entre la devoción por lo popular y la ambición de formar parte de la Gran Cultura, de una alta cultura que, en Brasil como en todo el mundo (pero más aún en Brasil) necesariamente forma parte de una intelectualidad internacional para la que lo brasileño se puede separar difícilmente de lo exótico, del Otro con mayúsculas.
Por otro lado, la división, el desgarro, entre la dedicación a la poesía, y la dedicación a la política, que alcanza no sólo a Martins y a Rocha, sino al film en sí:"Tierra en trance" es por un lado un modo cinematográfico de ensayo, desde las ciencias sociales, y por otro, cine-arte, tan libre en la narración y en la forma de alegorizar como el vitalismo del Brasil retratado por el Cinema Novo.
Una de las mejores obras de Rocha, pese a su dispersión ;en los años 70, el cine de Rocha se vuelve cada vez más disperso y más confuso, "La edad de la tierra" (A idade da terra,1980) sería el culmen de este proceso.

No sé si esta película se habrá visto mucho o poco -al menos está editada en DVD, y también se ha pasado por televisión, en España- pero me parece que es el caso, tan frecuente, de western que se valora poco o mal, por no haber sido dirigido por un cineasta famoso o con prestigio, o por ser considerado un western más, del montón... Uno, como cinéfilo, puede valorar mejor o peor una película, puede ponerle un número determinado de estrellitas, pero ¿cómo ser objetivo, racional, explicar por qué razones un largometraje es valioso, o importante, o más que importante?Arnold Laven es un cineasta que no ha conseguido, que yo sepa, un hueco en el voluble y pasional corazoncito de los cinéfilos, no sé si por desconocimiento de éstos, o por incapacidad de aquél, aun cuando firmó obras curiosas, como "Rough Night in Jericho" (Noche de titanes, 1967), y parece condenado al limbo donde están Jesse Hibs, Bernard McEveety, quizá Burt Kennedy...

El Gerónimo de este film es un noble salvaje visto sin paternalismos, con honestidad, con cierto humor, incluso con cierta irreverencia: no sabe leer y roba un libro, no tiene mujer ni hijos, y acaba teniendo mujer e hijo. Sobre un asunto en principio ya visto, convertido en tópico, Laven le da la vuelta, hace entender la rebelión de un hombre cuya propia dignidad le lleva a la rebelión, a una rebelión necesaria, aunque condenada al fracaso de antemano. Pero una rebelión importante, porque no se basa tanto en la victoria militar como en el gesto de protesta; es una protesta testimonial, pensada para el futuro.

¿Quién no se rebelaría frente a la corrupción generalizada, frente a la marginación impuesta, frente a la pérdida del orgullo y la identidad?En la realidad, mucha gente. Pero el cine alienta los modelos heróicos, y Hollywood más aún.

"Plan diabólico" es un film que desasosiega, que inquieta y emociona; es una obra sobre el deseo y el terror que puede generar el deseo, con un final brutal, tremendo, no tan previsible como señala alguien en su crítica. Es una película que hace reflexionar sobre la infelicidad y la felicidad, sobre una sociedad que se basa en desear, en querer cosas, muchas cosas, y en la que la felicidad se ha convertido en un producto más, que es necesario comprar, y que es necesario vender.

Frankenheimer crea una historia entre dos polos, ya que por un lado el enfoque es muy subjetivista, con la cámara normalmente muy cerca de los personajes y sus rostros, y por otro lado hay un enfoque muy pegado a la realidad, muy objetivo, por ejemplo en la estación de tren del comienzo, o bien en las escenas más quirúrgicas.Lo sórdido y lo onírico se alternan, del mismo modo que se alterna la felicidad y la infelicidad, el deseo de seguir hacia delante y el deseo contrario...Como también se alternan el sueño y la pesadilla. La fotografía y la música contribuyen a crear una película de terror basada en los miedos personales, en la cotidianeidad, en deseos que pueden llegar a hacerse realidad...mediante un buen fajo de billetes.

Pese a algunos puntos débiles, un gran film, a reivindicar muy seriamente.