En Tiempos de Luz Menguante está dirigida por el veterano de cine y televisión Matti Geschonneck y escrita por el eminente guionista alemán Wolfgang Kohlhaase. Es un drama desarrollado en un pequeño escenario. Una reunión familiar claustrofóbica poco antes de la caída del Muro de Berlín, donde se refleja el desvanecimiento del sistema comunista a través de una familia cada vez más quebrada y dividida. Una historia de sueños fallidos e ilusiones destruidas en el contexto de un régimen colapsado.

Nos situamos en Berlín, 1989. La República Democrática Alemana está llegando a su fin, pero parece ser que no todos se dan cuenta. El resplandor de la utopía comunista parece que se desvanece. Cada vez más jóvenes huyen a la República Federal de Alemania y el viento del cambio sopla en numerosos estados del bloque oriental.

En este entorno, En Tiempos de Luz Menguante, pone el foco en los preparativos y el desarrollo de la fiesta de cumpleaños del patriarca de la familia Powileit, Wilhelm (Bruno Ganz). En un escenario comprimido, casi claustrofóbico se reúnen cuatro generaciones y muchos miembros del Partido de los Trabajadores. Wilhelm todavía cree fervientemente en sus valores idealistas y socialistas, aunque las siguientes generaciones están llenas de dudas, como su nieto Sascha (Alexander Fehling), que ha huido al otro lado del muro, al capitalismo occidental.

La mayoría de los presentes en el acto se encuentran allí más por un sentido del deber que por devoción o amor. Además Wilhelm no tiene muchas ganas de celebrar nada. Demasiada gente está allí, incluso algunos que él no conoce en absoluto. A pesar de la obstinación del viejo patriarca, su esposa Charlotte (Hildegard Schmahl) está haciendo todo lo posible para garantizar que la celebración sea un éxito. Sin embargo, la amenaza de catástrofe absoluta sobrevuela cada vez más cerca a la reunión familiar, debido a la huida de Sascha. Pero esto no debe conocerlo nadie para evitar un escándalo.

En la familia tampoco están muy contentos algunos miembros. Irina (Evgenia Dodina), la madre de Sascha es una mujer amargada que cura sus heridas con el vodka desde hace mucho tiempo, y Charlotte, la esposa de Wilhelm, muestra la tensión y frustración de vivir a la sombra de su marido.

En un momento de su carrera, Wilhelm Powileit pensó que lo enviarían a México para ayudar a asesinar a Trotsky. Al menos eso hubiera sido un logro. En cambio, sus superiores se olvidaron temporalmente de él. Fue una de las muchas desilusiones en su carrera. A pesar de ello, sigue siendo fanáticamente leal al Partido Comunista, y observado en su cumpleaños desde un prisma diferente, por un desfile de funcionarios generacionalmente más jóvenes. Sin embargo, la deserción de Sascha solo personaliza lo que todos los invitados ya saben: los días de la Alemania del Este como territorio estalinista están contados.

El guionista Wolfgang Kohlhaase ha decidido condensar la historia familiar de 50 años de la novela de Eugen Ruge en una fiesta de cumpleaños, en la que están representadas todas las generaciones. Una decisión valiente porque la novela de Ruges no termina en 1989, sino que se extiende hasta el año 2001.

Las tramas y los conflictos convergen desde diferentes perspectivas en esta celebración de cumpleaños, condensando la imagen de una sociedad que se hunde, irónicamente, en las habitaciones de Wilhelm y Charlotte. De los miembros de la familia, de su historia y vida, sin embargo, los espectadores sabemos muy poco. Quizás esto sea uno de los puntos débiles de En Tiempos de Luz Menguante al restar perspectiva para comprender mejor a los personajes.

La casa de la familia Powileit impone una atmósfera cada vez más claustrofóbica, anticuada y arcaica. Esto se refleja en el maravilloso diseño del interior de la casa. En todas partes hay pequeños detalles de una vida larga y obsoleta. Una casa recargada, extravagante, llena de recuerdos de un tiempo anterior. Un hogar que también resulta opresivo, enmohecido, francamente agobiante, sin vistas al exterior.

Toda la acción se ubica en un solo día. Un enfoque simplista pero efectista, en un entorno modesto y con una reducida inversión en actores. Matti Geschonneck realiza un buen trabajo al equilibrar con éxito el drama con la comedia, fluyendo a la perfección los dos géneros, e incluso desviándose al ámbito de la farsa a veces.

Aunque el fondo de los temas y las emociones tratados En Tiempos de Luz Menguante requieren la mayor seriedad posible, la delicada situación en la que se encuentra la sociedad alemana del momento, es retratada eficazmente por una serie de elementos cómicos: una iguana disecada, un policía local que nunca puede llegar al baño y una mesa desvencijada llena de comida.

Los momentos más extraños, atípicos y extravagantes se mezclan con otros más reflexivos. Escenas que nos pueden hacer sonreír se entremezclan con otras más amargas que hablan de vidas mal hechas, privaciones, decepciones y pérdidas.

Los reducidos escenarios de En Tiempos de Luz Menguante, que se limitan prácticamente a la casa de William y Charlotte, dan a la película un indudable sabor teatral. Sinceramente, por los temas tan interesantes abordados y por ser la adaptación de una novela de éxito con varios premios me esperaba bastante más. Quizás intentar condensar la historia de 50 años de una familia en un solo día, a pesar de ser una decisión valiente, deja muchos cabos sueltos, y la sensación de que falta algo más.

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El trepidante thriller político, El Caso Sloane, dirigido por John Madden ( Shakespeare in Love, El Exótico Hotel Marigold o La Deuda) ofrece una profunda reflexión sobre el mundo de los grupos de presión o Lobbys , y como afecta su actividad en las políticas de los gobiernos, en este caso concreto, en la política de los Estados Unidos sobre la legislación relacionada con el control de armas. Protagonizada por Jessica Chastain, una feroz lobbista que se enfrentará al todo poderoso Lobby de las armas. Estreno el 19 de Mayo.

El Caso Sloane ofrece una profunda reflexión sobre el mundo de los grupos de presión o Lobbys y cómo afecta su actividad a la política del gobierno norteamericano y en concreto a la legislación relacionada sobre el control de armas. Este es uno de los temas más polémicos en los Estados Unidos, gracias a los derechos consagrados en la Segunda Enmienda. El estreno de este thriller político de John Madden sobre una feroz y ambiciosa lobbista atrincherada en una brutal batalla contra la poderosa industria de fabricación de armas dominada por hombres resulta de lo más oportuno en un año donde en Estados Unidos se han celebrado unas polémicas elecciones presidenciales en las que una candidata femenina experimentada perdió ante un oponente masculino novato y en teoría, poco cualificado.

La película contiene una historia sólidamente escrita y magníficamente construida de una lobbista calculadora, fría, amoral y que nada la detendrá con tal de conseguir ganar. Aunque no es fácil seguir el argumento de la película por el ritmo rápido de la narración y por sus abundantes diálogos, con mucha información técnica, nos presenta a Elizabeth Sloane (Jessica Chastain) una agresiva y feroz lobbista de una poderosa firma de Washington, a la que le importan muy poco las reglas y menos aún las personas para lograr sus objetivos, que arriesga su reputación y su carrera para enfrentarse al grupo de presión más poderoso del país. Para ello, se verá obligada a cambiarse a una firma mas modesta y con menos recursos pero defensora de una ley en el Senado para el control de armas. A partir de ahora su mundo y su vida estarán muy seriamente amenazados.

La versátil actriz Jessica Chastain es la pieza central del film con una actuación mas que sobresaliente, nominada por este excelente trabajo en los pasados Globos de Oro a la Mejor Actriz en película dramática y simplemente por ello merece la pena ir al cine a verla. Su maravillosa actuación se verá reforzada por el apoyo de un elenco de magníficos actores a su alrededor, entre los que destacan, Sam Waterston en el papel del malvado George Dupont como cabeza visible de la primera y poderosa firma donde trabajó Sloane, John Lithgow como el congresista coaccionado y obligado a tomar una dura decisión y Mark Strong en la piel de Rodolfo Schmidt como el jefe honesto y con principios de la nueva y modesta firma. También hay que hacer una mención especial a Gugu Mbatha-Rawuna como Esme Manucharian, componente esencial del grupo de trabajo de Sloane con un pasado traumático.

La historia de El Caso Sloane se puede perfectamente extrapolar a otros países occidentales, como por ejemplo, el nuestro, y poner los pelos de punta del espectador si se para a pensar por un momento, en la posibilidad de que alguna vez se hayan podido aprobar leyes en los Ayuntamientos, Comunidades o en el mismo Parlamento gracias al apoyo de ciertos grupos de presión, bajo la sombra de la corrupción y con unos intereses cuya finalidad no es precisamente mejorar nuestra sociedad. El ingenioso guion de la película puede realizar un buen trabajo en nuestra mente para alimentar esa exasperación.

Esta detestable ética es el telón de fondo de El Caso Sloane donde vemos a dos grupos de presión luchando entre sí por obtener votos de los senadores utilizando todo tipo de artimañas para conseguir unos que el proyecto de ley sea aprobado y otros para detenerlo. A simple vista parece una lucha bastante desigual, David contra Goliat, donde el poderoso grupo defensor de las armas estará más preocupado en todo momento en destruir a Sloane que en la negociación política, utilizando todas sus influencias y dinero. Mientras que, las armas de Elizabeth Sloane son su astucia y un slogan repetido constantemente por ella que llevará siempre a la práctica: anticiparse siempre a su contrario.

El magnífico engranaje del guión de Jonathan Perera no termina nunca de dejar claro, intencionadamente, de cuales son los verdaderos motivos de la decisión de Sloane para defender esta Ley y enfrentarse al poderoso Lobby, ¿ Por principios, o por un reto personal?. Claramente busca crear una incertidumbre más, a las muchas existentes a lo largo de toda película para confundir al espectador, avivar la tensión y la intriga, y así, de esta manera, mantener todo nuestro interés hasta el final.

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La ciudad sagrada del Ganges, Benarés, será el centro sobre el que gira Masaan, drama sobre dos familias castigadas cruelmente por jugar con las tradiciones morales. La primera historia cuenta como una joven universitaria experta en informática llamada Devi, tras un trágico encuentro sexual con su amante en una habitación de hotel es arrestada por la policía. El jefe de la comisaria que lleva el caso procede a extorsionar a su padre para enterrar el escándalo. El anciano, exprofesor universitario que ahora regenta un pequeña tienda de baratijas en los ghats, pierde el sentido moral al utilizar a Jhonta, un niño solitario en busca de una familia, para saldar la deuda con el policía. En la segunda, Deepak, estudiante de ingeniería y perteneciente a la casta baja cuya familia incinera cadáveres en los ghats, se enamora de Shaalu, una chica de casta superior. Ambas historias tienen un nexo de unión basado en el amor y el dolor de una pérdida.

Los protagonistas de ambas historias representan a una generación mas joven, moderna y abierta, conocedores de las redes sociales y la tecnología, constreñidos por las barreras sociales de género y casta que rigen todavía en la sociedad india y que están dispuestos a romper en la búsqueda de su felicidad. Devi es una joven de carácter fuerte, sin miedo, no piensa que deba pedir disculpas por sus acciones, tan solo se siente mal en su interior por el destino de su amante. Shaalu, al tiempo que revela que sus padres nunca permitirán una boda con Deepak, le asegura que ella va a fugarse con él si para ello se esfuerza en sus estudios y consigue encontrar un trabajo. Deepak está buscando la manera de escapar de su linaje y de una vida marcada por apalear cadáveres. La película nos presenta dos historias paralelas cuyos contenidos tratados de forma lírica y desgarradora convergen en un precioso y culminante punto donde dará comienzo un nuevo viaje que partirá de Sangam.

La muerte ocupa un lugar preponderante en este film de Neeraj Ghaywan cuyo título traducido al castellano significa ‘Crematorio’ por las famosas escaleras de piedra de Benarés que descienden al río, los ghats, en donde se realizan decenas de crematorios todos los días con las piras de fuego apenas separadas entre sí por unos pocos metros. Solo una determinada casta tiene el privilegio de poder ser incinerado allí para que sus cenizas puedan mezclarse con las aguas sagradas del Ganges. También se trata de un lugar de peregrinación donde acuden muchos enfermos a morir y así dar fin a su ciclo de reencarnaciones según las costumbres hindúes, o para darse baños purificadores.

Un preciso y matizado guion de Varun Grover y una buena realización de Neeraj Ghaywan establecen una realidad mas precisa y auténtica de la ciudad sagrada de Benarés, alejada de las típicas versiones edulcoradas bollywoodienses, de colores brillantes, con múltiples escenas de bailes y canciones destinadas preferentemente a un amplio público en busca de entretenimiento y evasión a sus problemas cotidianos. Aquí se nos presenta un convincente mundo donde la modernidad y la tradición están en un continuo enfrentamiento, un choque de trenes originado por los conflictos que se le plantean a la juventud india en el debate entre la herencia de las tradiciones y las exigencias de un estilo de vida occidentalizado. Un motivo brillante y original a destacar en el guión parte del hecho que Devi no justifica su cita sexual con una historia de amor emocional, sino que accede a tener relaciones íntimas con alguien que apenas conoce solo por curiosidad e incluso, eso es exactamente lo que declara a la policía.

A pesar de algunos giros que dan la sensación de ser forzados, la trama cumple con todas las expectativas creadas ofreciendo una visión crítica de la sociedad actual india. Sin utilizar escenas de miseria, la película revela las contradicciones del sistema de castas que nos obliga a pensar y no juzgar. Nos invita a plantear muchas preguntas sobre la represión sexual, el patriarcado, las desigualdades de género y de casta, el arrepentimiento y la redención. Todo ello enmarcado con una espectacular fotografía de Avinash Arun Dhaware captada en los maravillosos amaneceres, la disparidad de luz y color que se reflejan en las aguas del rio, los tonos tristes, grisáceos y oscuros durante las piras de fuego que contrastan con la alegría, el colorido y el bullicio de sus calles.

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La película se centra en Seok Woo (Yoo Gong), un padre divorciado y gestor de fondos demasiado ocupado siempre con su trabajo que apenas encuentra tiempo para estar al lado de su hija Soo-an (Kim Soo-ahn). Es el cumpleaños de Soo-an y su mayor ilusión es visitar a su madre que vive en Busan. A pesar de la negativa inicial de Seok Woo a conceder el deseo de su hija, termina aceptando para compensar su fracaso como padre. Al ser un viaje de tren muy largo, la distancia desde Seúl hasta Busan es de 442 kilómetros, el padre decide acompañar a la pequeña en el trayecto porque no quiere que viaje sola. Justo antes de empezar el viaje aparecen noticias de violentos disturbios que estallan por toda la ciudad. Rápidamente se constata que estos disturbios son debido a un brote viral que transforma a los seres vivos en zombis, y no tardaremos en darnos cuenta de que el tren no es ajeno a todo lo que ocurre en el exterior porque una chica infectada consigue subir al interior poco antes de emprender el viaje. Parece que la única parada segura de tren se encuentra en Busan.

Los aficionados al cine de zombis disfrutarán muchísimo con esta película y no se sentirán defraudados porque reúne todos los ingredientes propios del género, además de una magnífica realización, en cambio, los que son profanos en la materia y no sientan devoción por este tipo de cine pasarán como poco dos horas de mucha tensión muy entretenidos. La acción posee un ritmo trepidante y frenético desde el momento en que se pone en marcha el tren rumbo a Busan, cuando un pasajero contaminado por un virus que crea zombis inicia una espiral de infecciones y violencia con persecuciones constantes a lo largo de los vagones. Los espacios pequeños, estrechos y en ocasiones oscuros cuando el ferrocarril pasa por un túnel, generan un clima claustrofóbico y angustioso que nos recuerda de forma irremediable al éxito comercial coreano, Rompenieves (2013) del director Bong Joon-ho, donde los vagones de un tren eran el refugio para los únicos supervivientes de la tierra.

Es una película inteligente y elaborada, donde Yeon Sang-ho parece tomarse el asunto más en serio de lo que nos tiene acostumbrado este tipo de films y con un nivel más alto de otras recientes como Guerra Mundial Z (2013), la saga Zombis Nazis (2009, 2014), Maggie (2015)….. ya que consigue mantener un cuidadoso equilibrio, entre el drama humano con unos personajes muy bien desarrollados, la acción y ciertas escenas gore. A pesar de que los personajes que aparecen son los típicos del género, se percibe el esfuerzo y el interés del director por emplear el tiempo suficiente para confeccionar sus personalidades y diferentes puntos de vista, dotarlos de gran fuerza y autonomía, de establecer una precisa interacción entre ellos durante toda la acción, y de esta manera se logra que los tomemos en serio y nos importe todo lo que hagan y les suceda. El personaje principal, Seok Woo, poco a poco va evolucionando, de manera que la gestión de las cuentas de inversión dejan de ser su prioridad para centrarse exclusivamente en salvar la vida de su hija, y además, pasará de preocuparse de si mismo como le echa en cara su hija para fijarse más en los demás.

Uno de los personajes de Train to Busan, un mendigo traumatizado por haber presenciado el ataque zombi en la estación central de Seúl, nos sirve de enlace con la película de animación Seoul Station, una especie de precuela donde Yeon Sang-ho narra los mismos acontecimientos pero solo focalizado en el inicio de la expansión del virus, entre marginados, prostitutas y mendigos que viven alrededor de la estación central. Las frecuentes escenas de acción están muy bien coreografiadas, y aunque la mayor parte de ellas se desarrollan en el interior del tren aparecen algunas en el exterior para mostrarnos fundamentalmente el caos existente también fuera.

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En Un Tango Más aparecen reflejadas dos personas que no podían ser más diferentes. Ella estuvo muy enamorada de él, un amor que al final la dejó sola y su único consuelo fue sentirse realizada bailando tangos, mientras que Juan se enamoró de una joven y bella bailarina a la que nunca amó de verdad en esos años. Dos maneras muy diferentes de pensar y sentir, el egoísmo y el sentido de la posesión de Juan hacía ella como compañera de baile: “Ella me pertenecía”, y el amor no correspondido de ella que se transformaría en odio, por las continuas traiciones sexuales de Juan y el final de su matrimonio sentimental y profesional. Sin embargo, como ella declara, se trata de un odio que la inspiró y la ayudó para perfeccionar su baile mientras continuaron juntos. Juan Carlos Copes, desde un inicio, ha estado obsesionado con su ambición de ayudar al tango a ser mundialmente famoso, mientras el interés de María Nieves Rego por el baile, por el contrario, es, al principio, sólo un medio para acercarse al hombre amado.

La belleza de María Nieves Rego es radiante a sus 81 años y su mirada es sincera y directa. A Juan Carlos Copes se le nota incomodo en la entrevista, parco en palabras y mantiene todavía una mirada seductora a los 84 años. A pesar de sus edades, sorprende la espléndida condición física de los dos y su compromiso con el baile. Ya no están juntos pero irradian pasión y alegría de vivir. Ella es, para todos los efectos, el narrador de la película, y es su historia la que prevalece. Ella es la verdadera protagonista de la película, mucho más presente y profunda que Juan Carlos.

Un Tango Más comienza con un viaje en el tiempo a la vibrante pista de baile de los años 50, la Sala Atlanta. No había televisión ni internet, y por eso la juventud de aquella época se entretenía con el cine, el fútbol y el baile. En aquella pista fué donde María Nieves y Juan se asociaron como pareja de baile durante un par de años antes de que otros tipos de música como el rock reemplazaran al tango. Sin embargo, Juan un enamorado del tango, se vio obligado a innovarlo para conseguir su mayor difusión y llevarlo a un público más amplio. Para ello, primeramente empezó a entrenar y preparar a bailarines para después realizar coreografías con ellos y montar espectáculos en escenarios. María le seguiría en su aventura a todos los lados como su inseparable pareja de baile.

Juan concibió el tango como la respuesta argentina al jazz americano, una forma de arte que podría ser exportada por todo el mundo. De hecho, hoy en día, se le conoce como el creador de una manera única de concebir el tango, el estilo Copes. Una de sus famosas innovaciones fueron los espectaculares bailes encima de una pequeña mesa, algo que provocó siempre pánico en Nieves por miedo a caerse, como cuenta ella misma en el documental. Ambos fueron la personificación del tango argentino durante muchísimos años y redefinieron juntos una forma de arte. Se presentaron con sus shows por América Latina, Estados Unidos e incluso Japón. En 1983 consiguieron llevar su espectáculo y triunfar en Broadway. María Nieves y Juan Carlos Copes son considerados héroes nacionales en su país y los más importantes embajadores del Tango en Argentina al contribuir directamente a su reconocimiento mundial.

El éxito de Un Tango Más se basa en la recreación de María y Juan, en diferentes etapas de su vida, a través de dos parejas de bailarines de tango actuales, dando la sensación al espectador de estar viendo una película de ficción. Reencarnan interpretando y bailando los momentos más destacados de la pareja: el primer encuentro, la seducción, sus frecuentes disputas, instantes gloriosos…, en coreografías de refinada elegancia y repletas de sensualidad. En Un Tango Más se muestra a la pareja en danza a través de jóvenes bailarines espléndidamente coreografiados que se imaginan todos los momentos bellos, dramáticos y trágicos de la historia de la pareja y, también, en entrevistas por separado combinadas con material histórico de vídeo y fotografías antiguas. Asimismo, vemos a María interviniendo, contando sus recuerdos, entrenando a los jóvenes bailarines con un firme entusiasmo.

El director alemán Germán Kral nacido en Buenos Aires en 1968 a pesar de haber vivido más de dos décadas en Munich no se olvida de su país natal y con Un Tango Más realiza su tercera película sobre Argentina, su segunda sobre tango. En esta ocasión ha logrado reunir a la legendaria pareja al menos una vez más en un escenario, a pesar de la deteriorada relación personal existente entre ambos. El estilo de Germán Kral está claramente influenciado por su maestro Win Wenders con el que trabajó como asistente de dirección. Además, Win Wenders, participa en la producción de Un Tango Más, con lo que la inspiración de Kral en la famosa película Pina (2011) de su mentor resulta muy evidente.

La idea de explicar los sentimientos usando la danza es brillante, con coreografías que muestran las sucesivas crisis de la pareja, la intrusión de un amante que Nieves desechó por el tango o las diferentes elecciones tomadas por ambos a lo largo de toda una vida. Existen muchos momentos grandiosos en la película, pero destaco uno sobre el resto, el excelente tango al estilo Cantando bajo la lluvia, bailado de forma elegante y sensual simulando a Gene Kelly y Debbie Reynolds. Las imágenes de Un Tango Más absolutamente maravillosas y su brillante luz desperterá los sentidos del espectador.

La crítica en: https://cinemagavia.es/pelicula-documental-un-tango-mas/