Entrar a valorar “Avatar” como película no es tarea sencilla. Por un lado, tenemos el terreno visual, absolutamente impactante -aunque yo, personalmente, me esperaba aún más- y por otro lado, todo lo demás: el guión, los actores, etc. Pero en este film, más que en cualquier otro, una cosa es prácticamente indivisible de la otra.

La película (o debería decir el espectáculo) comienza bien, muy bien. Sobre todo es diáfana. Sabemos quién es Jake Sully, crionizado durante 5 años, 9 meses y 22 días, y cómo su ADN se mezcla con el de los na´vi. En fin, todo el proceso. Perfecto, hay que empatizar con el espectador. Pero la atracción es sólo limitada. Más allá de los asombrosos efectos especiales, el guión es hueco, facilón y previsible, inversamente proporcional a la magnificencia del espectáculo visual.
Hay un mensaje ecológico importante, pero es todo tan maniqueo, tan de buenos y malos (“esta piedrecita gris se vende a 20 millones el kilo”), que desilusiona. Y esa voz en off …
No sé si tanto autoproclamarse como la película que cambiará la Historia del cine le ha beneficiado (de cara a la taquilla, sí, claro). Una autoexigencia demasiado alta.
Como ostentación de las 3D, sí, pero como film, está a años luz de las grandes.
Da la sensación de que se ha empleado como vehículo para promocionar las 3D y demostrar hasta dónde es capaz de llegar la técnica. Quizá la próxima entrega (Sam Worthington ha firmado tres)…
Sé que si tengo votaciones no van a ser positivas, pero si uno se guía por las sensaciones (que es de lo que se trata, de que el cine te transmita), “Avatar” no es lo que esperaba, muy bien al principio y regular al final, pero un cuerpo central mediocre y un guión deplorable.
En fin, lo mejor es verla, disfrutar del espectáculo y dejarse llevar.
Por mi parte, estuve en Pandora, pero el billete era de ida y vuelta y sólo duraba una hora.

“Balada triste de trompeta” es muchas cosas a la vez. Es un obra personalísima de Álex de la Iglesia -quizá por ello prescinde de su guionista habitual, Jorge Guerricaechevarría-, en donde se concentran sus miedos, sus anhelos y sus obsesiones.

Todo arranca en la Guerra Civil Española, en uno de los mejores inicios (títulos de crédito incluídos) de un film español visto en mucho tiempo. Álex nos adelanta ya la crudeza y la violencia de que vamos a ser testigos, en una historia tortuosa, complicada pero muy valientemente filmada. Álex se lanza a tumba abierta y no se esconde nada, con todas sus consecuencias, algo que personalmente alabo en una cinematografía nacional, huérfana ya de Berlanga, en la que apenas destacan autores contemporáneos que trasciendan al gran público (Almodóvar, Amenábar, y a distancia Monzón, Coixet y Balagueró).

“Balada triste de trompeta” es una tragedia (no me atrevo a nombrarla tragicomedia) grotesca, salvaje, iracunda y redentora, en torno al mundo del circo, cuyos protagonistas, Payaso Triste (un atrevido Carlos Areces) y Payaso Tonto ( inconmensurable Antonio de la Torre), hacen reír a los niños con la misma facilidad que arrancan lágrimas a los demás.

El estilo barroco de Álex de la Iglesia es más apreciable que nunca, al servicio del resentimiento patrio. La peli cuenta mucho más de lo que se ve. Está plagada de simbología, de la lucha de las dos Españas irreconciliables. Tan desgarradora es esa lucha que quizá el director de “Muertos de risa” traspasa barreras demasiado transgresoras. Lo excesivo se hace omnipresente (ultraviolencia, salvajismo, desnudos, incluso un final a lo Hitchcock).

A pesar de sus imperfecciones, de su continua bipolaridad, de la mezcla de lo grotesco y lo excesivo - el auténtico ADN del film-, esta balada triste supone una gran obra, personal e intransferible que intenta responder a la pregunta retórica que se hace Álex de la Iglesia: ¿Por qué no nos reconciliamos de una maldita vez?

Acude uno al cine, a veces, con ilusión, con ganas de pasarlo bien y entretenerse. Pasar un buen rato. Pero hay películas y películas.
Sabemos que Robin Hood no va a ser una sesuda obra que reinvente el cine, pero al menos se le pide un guión consistente (credibilidad), una dirección solvente (eficacia) y unos actores que cumplan (corrección). De esto último es de lo que menos puede uno quejarse, están ahí, hacen como pueden su trabajo (da la sensación que se huelen lo malo del proyecto) pero tampoco se les puede pedir más: cuando una producción no funciona, ni el mejor actor puede remediarlo, acaso atenuar los efectos de lo insalvable.

El “Robin Hood” de Ridley Scott y Russell Crowe comienza bien, con el ataque del Rey Ricardo “Corazón de León” y sus hombres al castillo de Châlus, en la Francia de 1199. Todo hace presagiar que veremos una película entretenida.
Hay que decir que las escenas de acción están bien filmadas, se nota que es una producción cuidada en el aspecto técnico y de amplio presupuesto... Pero es todo lo bueno que puedo decir de este film.

El injustificado engorde de minutos, un guión plano que se tuerce a los veinte minutos, más una dirección errática (qué lejos queda, no ya “Blade Runner”, sino si quiera “American Ganster” o la más reciente "Red de mentiras") derivan hacia una historia en la que Robin Longstride aparece y desaparece como el Guadiana, en una trama que no puede ser más previsible.

Sobre los actores, prefiero no opinar demasiado, pues como ya he dicho, el proyecto es fallido desde su propia concepción, por tanto, se les puede excluir del fiasco. Tan sólo, A Cate Blanchett, una actriz que me gusta pero que ha vivido momentos mejores, le diría que no le sienta nada bien su extrema delgadez, pues sobresalen sus infladas mejillas de botox y respecto a Mark Strong, excelente malvado de Sherlock Holmes, no tiene su mejor interpretación. El personaje del clérigo, de lo peor, no aporta nada. Se podría salvar al consejero Mashall, un digno William Hurt, el único que está a la altura.

Cualquier parecido con una película entretenida de aventuras es mera casualidad.

Ha sido uno de los grandes fiascos en la taquilla francesa. Cuenta los primeros años de Gabrielle Bonheur, después conocida mundialmente como Coco Chanel. Comienza cuando es llevada al orfanato de Orbizina en 1893 a temprana edad.

Por desgracia la película es bastante plana en el terreno dramático. Sólo cuenta los comienzos (¿por qué?), desde que actúa en un cabaret de segunda fila. Esta desaprovechada de principio a fin. Es aséptica, omite cualquier escena comprometida, no tiene ritmo. En ningún momento se aprecia la evolución profesional (algún pespunte, ahora hago un sombrero,...). No sabemos por qué tiene ese poder de fascinación. Lo único que la hace especial es que viste de manera diferente.

El montaje la hace más lenta de lo que es. Es inevitable compararla con "La vie en rose", biopic de Edith Piaf, otro de los mitos franceses del siglo XX. ¡Qué diferencia!. En ella sacaban el máximo partido, vaivenes emocionales, pasión, decepción, etc. Todo lo que le falta a esta Coco desangelada.
Es una lástima porque Audrey ha demostrado sobradamente que es una gran actriz, aparte de tenernos omnubilados por su encanto y su belleza. Pero lo cortés no quita lo valiente, y la peli no funciona, posiblemente no por ella sino por la remilgada, austera y parca dirección de Anne Fontaine. Audrey, ¿qué te han hecho?

Esta superproducción, que costó 17 millones de dólares, tiene su mayor virtud en describir los hechos de una forma bastante apegada a la realidad, de manera muy realista. Así pues, aparecen sucesos muy conocidos como el ataque a Dover, el Día del Águila, los bombardeos sobre Londres, las incorporaciones de pilotos inexpertos y extranjeros a la RAF,...

Lo mejor sin duda es la ingente labor de documentación, entrevistas y la recuperación de antiguos aviones para recrear todo con gran verosimilitud. En efecto, aparecen aviones reales de la Batalla de Inglaterra como los Hurricane, Spitfire británicos o los Stuka alemanes. Ver todos estos aparatos en acción es realmente sorprendente. Los personajes que aparecen están muy cuidados, basados en combatientes reales (podemos contemplar a Göering, jefe de la Lutwaffe; Dowding, jefe de la RAF, pilotos, etc).

Lo esencial, que son los combates aéreos, están muy bien realizados para la época (1969, se trabajaba con maquetas, aviones teledirigidos y los propios aviones reales) aunque en ocasiones resultan confusos y repetitivos (primer plano piloto- plano general aviones- primer plano- plano general explosión). Hay también una parte del enfrentamiento de aviones adornada únicamente con el sonido de la banda sonora que pretende ser artístico pero que se hace un poco largo.

Por lo demás, hay que destacar la estupenda recreación de los aeródromos ingleses, las ciudades -por cierto, una parte rodada en San Sebastián-, el metro como refugio subterráneo, el cuartel general, etc.
Todo ello está contado desde un punto de vista bastante neutro. Nos vamos enterando del resultado de la contienda por las escenas de los altos mandos.
Quizá donde "cojea" es en el terreno de las historias personales. Hay muchos actores de buen nivel pero al ser tantos no se profundiza demasiado. Es una lástima tener a Laurence Olivier o a la guapa Susannah York para unas poquitas secuencias, aunque intuyo que la elección del reparto, aparte de voluntaria pues cobraban sólo por días trabajados, fue un reclamo más de cara a la taquilla.

Para aquellos espectadores que estén interesados en este conflicto o que quieran profundizar más, recomiendo los extras que acompañan al dvd; en ocasiones tan interesantes como el film.