Pues sí señores, Aranofsky ha cagado una pelicula, el mojón ha sido de tal magnitud que se ha salpicado a sí mismo. Me explico, la inverosimilidad del guión viene, en parte, por sus aires de pretenciosidad, no pretendas que la película trate de complicados cálculos matemáticos con el fin de resolver los patrones de la bolsa y en la película lo más que aparece son ecuaciones elevados al número pi, señor Aranofsky, no es creible.
Es un pequeño detalle, lo reconozco, pero me jode que mi director predilecto con "Requiem por un sueño" y "La fuente de la vida" halla realizado esta película que tan poca justicia le hace a un director de su nivel.
Y es que estéticamente no es atractiva, lo que le hace perder muchos enteros, la locura de su protagonista no es atrayente ni erradia intriga (Como en Requiem por un sueño), sino que mas bien aburre. Toda la película está rodeada por un halo tan confuso que ni el mismo título está bien puesto a mi parecer,¿Pi?,ajam.....donde quedan la bolsa,los agentes del gobierno,el viejo maestro,la secta judia (si... yo también pienso igual que tú). Mucha carne para tan poco cocido.

Años 60, Mississippi, Estados Unidos. Época en la que el racismo impera en las calles y, con mayor virulencia y humillación, en este Estado. Como ya sabemos, la raza blanca encabezaba la jerarquía en la sociedad y sometían a los "negros" a continua vejaciones, humillaciones y desprestigios.
Las negras atienden casas ajenas, cuidan (o mejor dicho: educan) hijos ajenos y no hay menester del que se libren ; las blancas son un mero mueble, pura fachada, falsedad y mezquindad.
En este contexto aparece Skeeter, una periodista idealista, empecinada en abrirse puertas en su oficio. Ante lo que considera injusticias y desvaloración desmedida hacia la raza negra, se propone crear un libro recopilatorio con las diferentes experiencias de varias de estas criadas. Como podemos suponer: levantará ampollas...

A pesar de la dureza del argumento, no nos encontramos ante una exposición excesivamente explícita y cruda del asunto, quizás por la intención de realizar una película que pueda llegar a todo tipo de público. Y, exceptuando un par de momentos, la película es fácil de digerir, es más, resulta muy simpática. Es una de las "pegas" que le encuentro, hubiera sido interesante profundizar en el tema del racismo más allá del circulo familiar. Pero es una opinión mía.
El elenco femenino resalta por su calidad y la representación que hacen es excelente, cada una en su papel, desde Emma Stone hasta la encantadora (y descubrimiento para mí) Octavia Spencer, sin olvidarnos de la mala malísima: Bryce Dallas Howard. Resaltar lo bien conseguido que está ese pedante aire de superioridad que desprenden cada una de las "señoras".
He leído en muchas opiniones que se crítica ciertas escenas por lacrimógenas, sensibleras y efectistas. Pero no lo considero como tal, no pienso que la película tenga como objetivo el "hacer llorar" y me alegro de ello puesto que uno de los miedos que tenía era que el film pecara de sensiblero, era fácil que ocurriera en temas como este. El mérito de esta película es que emociona sin buscarlo de forma descarada.
Por último resaltar que, a pesar de tener un metraje bastante extenso, tiene un ritmo perfecto que no aburre en ningún momento durante las 137 minutos que dura.

Disfrútenla, un saludo.

En una época en la que la mayoría de Blockbusters muestran una acuciante falta de originalidad, donde el único objetivo es la obtención de ingresos sin ofrecer un producto diferenciado que aporte algo más que la típica trama facilona y, donde los efectos especiales son el único reclamo para un público cada vez más conformista, es de admirar la llegada de productos como este ‘Snowpiercer’ (Bong Joon-ho, 2013) que nos ocupa.

Fruto de la, cada vez más frecuente, coproducción entre países orientales (en este caso esa fuente de gran cine que es Corea del Sur) y Estados Unidos. Es el proyecto más ambicioso del que se ocupa Bong Joon-ho -director de esa joya que recomiendo encarecidamente como es ‘Memories of murder`(Bong Joon-ho, 2003) y de las reivindicables ‘The Host’ (Bong Joon-ho, 2006) y ‘Mother’ (Bong Joon-ho, 2009)- como bien demuestran los 40 millones de dólares de presupuesto, muy bien invertidos dicho sea de paso, con los que cuenta la película.

Esta adaptación de la novela gráfica francesa “Le Trasperceneige” nos cuenta cómo, a raíz de un experimento fallido para acabar con el calentamiento global, la Tierra queda congelada y sin existencia de vida en ella. Los únicos supervivientes son los pasajeros de un tren que recorre la totalidad del mundo, el Snowpiercer, impulsado por un motor de movimiento perpetuo.

El tren. El tren es el recipiente que alberga a la humanidad en esta época de glaciación eterna; un recipiente móvil que sirve de caldo de cultivo para la creación de una sociedad que lo único que conoce del exterior es lo que puede ver a través de sus angostas ventanillas. Una Torre de Babel sobre raíles, ya que conviven en ella etnias y razas de todo tipo, las costumbres propias de cada pueblo hace tiempo que desaparecieron en pos de las exigencias del tirano que encabeza esta utópica sociedad. El único resquicio que les une con el pasado es la utilización de sus idiomas maternos.
Quizás este planteamiento no fuese tan escandaloso si no fuese por la existencia de Wilford, la autoridad suprema que lidera este peculiar tren. Donde hay poder hay injusticias y, así, queda demostrado; los pasajeros quedan diferenciados en estamentos sociales estableciéndose por clases a lo largo de los vagones del tren. Al frente del tren está la clase alta y, en el último vagón, la clase baja; éstos viven hacinados en un mínimo espacio y son tratados prácticamente como animales, no tienen derechos, viven para satisfacer los caprichos y necesidades de la clase más aburguesada. Cómo podéis intuir hay una carga crítica en la película.
En este ambiente de opresión, Curtis, el líder de los habitantes del último vagón, emprenderá una rebelión para derrocar a Wilford y liberar a los suyos de la vida de miserias que llevan. Avanzando vagón a vagón, deberá recorrer la totalidad del tren para enfrentarse a él.

Hay tres aspectos que elevan el nivel de la cinta y que me parecen esenciales en el devenir de la misma:

-La acertada mezcla de géneros: Lo que por argumento podría ser una simple película de acción aquí es una vorágine de emociones. Se entremezclan la ciencia ficción, el drama, la acción y un toque de humor muy efectivo que aparece cuando menos lo esperas. Los diferentes géneros no se nos presentan de forma heterogénea en diferentes partes de la trama, no, están presenta como si de una sola mixtura se tratase, como si conformase un nuevo género que aunara los ya nombrados. Esto hace que la película sea muy dinámica.

-El desarrollo de la trama: el tener que ir pasando de vagón en vagón hasta el final me recordó a la estructura de un Videojuego, en el que vas pasando fases hasta llegar al jefe final que, en este caso, sería Wilford. Esta estructura es un arma de doble filo pues, aunque es atractivo ver qué acontece en cada nuevo vagón, también corre el peligro de llegar a ser reiterativa si no se sabe sacar provecho de la situación. Esto último aquí no ocurre, gracias a un sólido guión y a un Bong Joon-ho que sabe exprimir los elementos a su alcance para mantenernos en vilo gracias a la incertidumbre de no saber qué será lo próximo. Cada vagón es un submundo con vida propia y uno de los atractivos de la película es ver qué nos depara el siguiente; somos testigos a través de los protagonistas de todos los estamentos sociales que habitan el tren, de cómo lavan el cerebro a los infantes, de cómo se obtienen los víveres, etc. El contraste de cómo subsisten los habitantes de la cola del tren, frente a la ostentación y hedonismo de los primeros vagones queda muy bien reflejada.

-El toque asiático. Y este es para mí el factor diferencial de esta película, cuya historia ha ganado claramente con esta unión entre oriente-occidente y, sobretodo, cayendo en las manos de un realizador tan personal como Joon-ho. El cine asiático siempre me ha llamado la atención por la naturalidad con la que abordan temas que, si bien no llegan a ser tabúes, si cuesta ver desarrollados en nuestra cultura; ese toque bizarro, esa estética tan reconocible y por otorgar pausa al metraje incluso en los momentos más frenéticos. Esta película no es Blockbuster al uso, hay un ejercicio de estilo en él, tiene inquietudes estéticas y gusto por transmitir. Bong Joon-ho salva esta película de la intrascendencia y tengo la sensación de que, si hubiera sido dirigida por otro, el resultado final hubiese sido mucho más anodino. No duda en usar la violencia explícita y en acabar con la vida de ciertos personajes. El trabajo de dirección me parece, pues, clave y sobresaliente.

Sigue en SPOILER por falta de espacio, sin destripar nada.

No era yo un niño de gustos comunes en cuanto a películas. Hubo una época en la que cada fin de semana asediaba el videoclub de mi pueblo y, para pesadilla de la que allí trabajaba que intentaba orientarme hacia un cine más infantil, acababa llevándome a casa películas de terror, asesinatos y thrillers quizás poco recomendables para un niño de primaria. Suerte la mía, de tener unos padres no demasiado restrictivos para el cine. En una de estas visitas al videoclub me llamó la atención una protagonizada por Robin Williams, sentía mucha simpatía hacia él tras haber visto un centenar de veces ‘Jumanji’ (Joe Johnston ,1995) y ‘Señora Doubtfire’ (Chris Columbus 1993), tras leer la sinopsis del VHS terminé por alquilarla; pese a la inútil advertencia de siempre por parte de Rosario, A.K.A. “la del videoclub”. La película me perturbó un poco, tanto por temática como por ser mi primer contacto con Williams en un registro no cómico, pero siempre guardé buen recuerdo de ella; gracias a este especial tengo la ocasión de revivirla. Robin Williams fue, y me pesa hablar de él en pasado, un referente para los niños de mi generación; hablar de él para mí significa retrotraerme a la infancia y a unos recuerdos muy especiales. Con esta crítica terminamos nuestro humilde pero sentido especial a la figura de Robin Williams.

El reconocidísimo director de videoclips Mark Romanek, ha trabajado con artistas de la talla de Madonna o David Bowie, se estrenaba en la dirección de largometrajes allá por 2002 con ‘Retratos de una obsesión’; film que pasó sin pena ni gloria tanto para la taquilla (costó 10 millones de dólares y recaudó 50) como para la crítica. Protagonizada por Robin Williams quien dejaba de lado su vis cómica, ya había demostrado su solvencia en otro tipo de roles, para afrontar ser el protagonista de este thriller psicológico; fue nominado al Critic´s Choise Awards como mejor actor.

Sy (Robin Williams) es el encargado de una tienda de revelado de fotos en un centro comercial. Lleva muchos años al frente de la tienda, le encanta su trabajo pues se dedica a preservar en imágenes los recuerdos de la vida de sus clientes. Pero Sy siente especial fijación por una familia aparentemente perfecta, clientes habituales, y su obsesión por ellos comienza a crecer cada vez más hasta límites insospechados.

Desde un primer momento provoca fascinación y curiosidad en el espectador el personaje de Sy, su apacible imagen no concuerda con verlo inmerso en un interrogatorio policial al comenzar el metraje. A raíz de ahí el interés va creciendo, es una película sustentada mayormente por el interés del personaje principal, que nos ilumina con un diálogo sobre su trabajo y lo que significa para él; su voz, tono y discurso son hipnóticos, así como la parsimonia que adquiere con las imágenes en pantalla. Nos encontramos ante una persona de apariencia entrañable, de gran sensibilidad y al que se le intuyen carencias afectivas. La soledad puede ser el mayor de los males y la válvula de escape de Sy es una familia a la que revela (y copia para sí mismo) sus fotos desde hace años, se imagina formando parte de esa familia a la que acabará acosando. Se dice que la infancia es el momento en que nuestra personalidad se define, donde se originan la mayoría de traumas y trastornos, e indagando un poco es fácil adivinar que no ha sido feliz precisamente la infancia del protagonista; marcada por abusos y vejaciones. De ahí proviene esa fijación por esos clientes, que proyectan la imagen de familia idealizada que tanto ha anhelado nuestro perturbado protagonista. Un giro argumental, en el que se derrumba esa idílica imagen, le hará descontrolarse aún más.

La película huye de convencionalismos, no estamos ante una cinta de psicópatas o asesinos al uso. Es un punto a favor que huya de los manidos tópicos y clichés de este género para así ofrecernos una aproximación, más real y cercana, a la mente de un perturbado y sus irracionales motivaciones. De hecho alcanza su objetivo, el espectador empatiza con Sy, en parte podemos comprenderle y logra transmitir desde pena o comprensión hasta miedo (mérito de un Robin Williams a la altura). La película tiene personalidad propia, está bien rodada y hay gusto estético en ella; la fotografía a cargo de Jeff Cronenweth es todo un acierto, ofrece una gama de colores diferenciados y con fuerza (azul, blanco y rojo) que captan la atención del público. Destacar la dualidad entre la mayoría de colores cálidos cuando aparece la familia y los colores fríos en las escenas de soledad de Sy. De igual manera, es plausible la capacidad del director de generar tensión y suspense en escenas que no resultan nuevas para el espectador experimentado.

Para concluir, estamos ante una de esas películas que podría ser considerada rara avis en la filmografía de Robin Williams que demuestra su solvencia en todo tipo de papeles. Un thriller psicológico que nos introduce en la vida de un perturbado y nos ofrece una historia atrayente cargada de tensión e intriga, culminada por un buen guión y trabajo de dirección. Se le perdonan algunas lagunas en la historia (me hubiera encantado saber mucho más del pasado de Sy) y ciertas concesiones en el final. Un infravalorado entretenimiento de calidad, muy recomendable.


@ZarcoJL
www.cinefagosmuertos.com

Allá por el pasado mes de mayo se presentaba en Cannes "Drive" un film de Nicolas Winding Refn que causó gran revuelo entre la crítica especializada, que acabó entusiasmada con ella. Triunfaba, a su vez, entre el público asistente. Irremediablemente pasó a tener bastantes opciones de conseguir la preciada Palma de Oro, entre otras candidaturas, a pesar de no ser el arquetipo de película que suele triunfar en dicho festival. Hoy, al visionarla, he comprendido el por qué de tal revuelo.

Drive nos cuenta la historia de un excelente conductor de coches. Desempeña un trabajo como especialista de cine mientras que, esporádicamente, aprovecha su habilidad al volante para ser conductor de fugas en robos, atracos o cualquier situación cuyas condiciones le convenzan. Su "estable" situación cambia al conocer a Irene, una vecina que tiene un hijo y cuyo novio está en la cárcel, la parca (en palabras) pero intensa relación que surge entre ellos será cortada por la liberación de la pareja de Irene. El ex-presidiario, que inicialmente choca con Driver, acaba entablando amistad con él, que termina siendo partícipe de sus problemas...

Ryan Gosling interpreta a Driver de una manera magnifica. Driver es una persona sin nombre, de la que no sabemos nada de su pasado, despersonalizado totalmente. Escaso en palabras, antihéroe por antonomasia. Trae a la mente recuerdos de personajes del cine de Leone, esos personajes solitarios, duros e insolentes con la misma facilidad para desagradar como para involucrarse en los problemas de los demás, mostrando una bondad innata. La película bebe mucho del cine de los 60's y 70's. Tiene un aire añejo muy atrayente.
Es increíble como, contrario a los que muchos podrían pensar, asume su rol secundario una vez que llega la pareja de Irene a casa. Se torna en algo así como un protector de la familia.
La relación con Irene es digna de estudio, de verdadero cine. Una relación de miradas, de gestos, de sonrisas, de actos, de intensiones...hace falta muchísimo talento para plasmarlo en pantalla. Entre ellos hay sentimientos; sentimientos que se demuestra no con palabras, sino con preocupación y cariño. No hay vehículo conductor para exteriorizarlos, no pueden, no saben. Ella por llevar atrapada en su relación desde que era una cría y él porque las circunstancias no se lo habrán permitido.

Destacar el buen papel de los secundarios, entre ellos a Carey Mulligan y Bryan Cranston, sin desmerecer al camaleónico Ron Perlman.

Pero hay mucho más en los 100 minutos de metraje, no se reduce todo a la relación entre ambos, aunque es cierto que es el desencadenante de todo lo demás. Persecuciones frenéticas, ultra-violencia moderna, perfecta y adecuada bso... muchos ingredientes que hacen de esta película, destinada a convertirse en objeto de culto, una de las mejores experiencias de 2011.