Con Roma citá aperta y Alemania, año cero, Rossellini se ha ganado el respeto, espero, de todo el universo cinéfilo. Narrar las penurias de la posguerra, de forma tan pormenorizada y real, me parece magnífico. Grabar justo en el momento que ocurren los acontecimientos (en Roma durante la ocupación alemana y en Berlín con la ciudad destrozada de la posguerra) es para quitarse el sombrero. Estos detalles paren un documento audiovisual más real que la vida misma.

En Alemania, año cero, se narra la transición de una familia que apoyaba a los nazis durante la II GM y que ahora son marginados por ello. Han caído en la inmundicia y la escasez domina su vida. Este es el tema central, que guarda una problemática más global: observar la situación desastrosa de la ciudad y los habitantes de Berlín, durante la posguerra. La historia se centra en Edmund, el hijo de 12 años. Este personaje encarna todas las circustancias que tiene que vivir una familia para sacar su vida adelante en esta época. El retrato es fabuloso, impresionante. Aborda también, todos los conflictos interiores que se forman en cada uno de los miembros de la familia, en esta situación de escasez, donde sus principios e ideales ya no son tan importantes... o no... habrá que ver la película para comprobarlo.

Magistral, recomendadísima.

Bastien, un adolescente parisino, pasa las vacaciones con su familia en una cabaña junto a un lago de Quebec. Allí se encontrará con Chloé. A pesar de la diferencia de edad y de los miedos de Bastien, desarrollarán un vínculo especial. Bastien tendrá que enfrentarse a sus miedos para conseguir un lugar en el corazón de Chloé, mientras exploran su sexualidad y la inquietante leyenda del fantasma del lago.

Dividiría la película en dos partes: la esotérica (fantástica y fantasiosa) y la mundana. Por supuesto, ambas tienen simbologías comunes que se comunican. Principiamos tratándolas por separado para más comodidad.

En lo que atañe a la esotérica, Charlotte Le Bon añade la leyenda del fantasma del lago a la novela gráfica de Bastian Vives. Recordemos que fantasma proviene del griego "phonein", que significa "brillar", "aparecerse", "mostrarse" y "hacerse visible". Esta significación conecta con la luminosidad que desprenden determinados objetos en la película y que finalmente termina por afectar a Bastien. La razón es muy sencilla: supone la aparición de los miedos en el paso de la niñez a la adolescencia.

Alumbremos ahora, al inicio del film, el movimiento con el que Bastien en el coche de sus padres se pone los cascos de música. Ahí se activa la ambientación de la película en el trailer. Esa ambientación mistérica y terrorífica que inunda el lago de Quebec y de manera resultante también su nueva realidad. Bastian con los cascos se embadurna de esta nueva realidad: el fantasma, algo que brilla, aparece y se muestra visible una vez entra en el ecosistema del lago -sus miedos-.

Como vemos, teóricamente, la ambientación terrorífica está muy fundamentada, pero no funciona de igual manera en la práctica. Quizá la la alternancia entre escenas interiores, exentas de esta ambientación, y las exteriores donde sí lo hacen, desacompasa el dispositivo de terror y termina por desorientar al espectador. Este aspecto queda pendiente de revisar en un tercer visionado porque nuevamente tiene sentido en la teoría - la casa es un espacio de seguridad donde Chloé y Bastien se pueden entrelazar más en la intimidad - y los exteriores los enfrentan a la incertidumbre de los desconocido. Tiene sentido. Como también lo tiene ridiculizar al fantasma -ridiculizar a los miedos para superarlos-, pero no sabemos por qué razón -quizá por su inconstancia- no termina de funcionar. Es como si el cuento de terror funcionara en los exteriores, pero en los interiores se olvidase o aboliese, convirtiéndose en dos películas diferentes.

En cuanto a la parte mundana, es donde surgen todos los hallazgos de la película sin paliativos. Muy llamativo resulta el intercambio de roles: es la chica la mayor dentro de la relación. Se cuestiona el imperativo femenino que cantaba Becky G "a mí me gustan mayores" y Charlotte Le Bon bucea en la amistad como base para desarrollar una confianza sexual y afectiva. Otro lugar común desafiado. Resultan geniales el erotismo y complicidad que se desarrolla en torno al baño o el cabello, donde se ejemplifica que la sexualidad está más en el pequeño gesto cómplice, que en la sexualidad más consumista y explícita.

Por último, muy coherente el final de la película que se cierra en el quiebre. Justo en la escena en la que Bastien presumiblemente tomaría la palabra, asumiría decisiones y con ello daría paso a nuevas responsabilidades. Posiblemente, a otra película diferente y sucesiva.

En definitiva, interesantísimo debut de Charlotte Le Bon que destaca en la construcción intimista de planos/contraplanos y contrapicados que ejemplifican la relación de Bastien y Chloé. Queda por ver si es capaz de atinar con la ambientación en su siguiente cinta porque su poética resulta cuanto menos prometedora.

Adaptación libre de Dalton Trumbo y Stanley Kubrick sobre la historia de Espartaco.
Ciento ochenta y cuatro minutos llenos de aventuras, emoción y gran ritmo narrativo. Se utilizaron pasajes más livianos en los diálogos, para manejar las escenas de batallas, que se caracterizaban por su tensión y emoción elevada. El desarrollo de la trama me parece muy acertado, así como el argumento y posterior desenlace.

Existen tramos, la mayoría, con diálogos muy interesantes; llenos de reflexiones acerca del poder y los valores humanos como el honor, la justicia y el tesón. Sin embargo, en otros tramos, como la escena del combate final, los diálogos son excesivamente melodramáticos. Muy peliculeros, poco creíbles.
Quizás, tener detrás una productora tan grande como Universal Pictures, con único fin lucrativo, obligó a Dalton Trumbo a incluir conversaciones más forzadas al final, buscando la conmoción del público. Por último, en lo que a guión acontece, la gran variedad de personajes, su desarrollo y su profundidad, me parecen muy adecuados. Muy bien dibujados.

En cuánto a la dirección técnica… es impecable. La elección de los planos es extraordinaria y refuerza la historia en todo momento. La dirección de los actores es buena. Brillan Charles Laughton y en menor medida, Peter Ustinov. Los protagonistas principales, Kirk Douglas, Laurence Olivier y Jean Simmons no destacan. En especial esta última realiza una actuación bastante mediocre.
Por tanto, no podemos hablar de pésima actuación general, pero es cierto que Stanley no consiguió direccionar con excelencia, en esta ocasión.

El vestuario, la fotografía, el decorado y la ambientación son notabilísimos.

Espartaco es una película que guarda varios mensajes; los hombres mueren pero sus obras no perecen jamás, es el legado principal que deja esta historia. Un canto a la fraternidad, lealtad, honor y rebeldía, disfrazado de cine épico, que corona en una muy buena película que entretiene y forma, a partes iguales.

Nota: 8,3

Challegers ambiciona ser un gran partido de tenis/cine, pero, más veces de las deseables el espectáculo, la estética del videoclip, bordea el film sin fusionarse con ella. Crea un artefacto que cubre al artefacto de la película, pero que no lo eleva, sino que lo oculta o ningunea. Unas veces, en cambio, lo excesivo funciona y Luca Guadagnino consigue que las secuencias te exasperen a merced del sonido insufrible que se cuela como el imperio de la competitividad del tenis; otras, véase la escena de las luces rojas, se crea una pirotecnia que no termina de adueñarse de la película, sino que se deshace en ella.

Este es el sabor agridulce que queda del film. Asepsia e irregularidad en lo que pretende ser un partido de cine frenético. Una pena porque la estructura del guion con sus analepsis selectivas es admirable. Dota a la cinta de un ritmo adecuadísimo, este sí afín al gran partido de tenis que pretende ser. Así como sus últimas secuencias, donde las imágenes de Guadagnino están inspiradísimas.

Mención aparte también merece la psicología de los personajes. Si al final opera el maniqueísmo en los personajes, también me parece otro debe de la película. Me parecía más interesante si los tres funcionan como víctimas de ese torrente amoroso, por mucho que Zendaya tuviera el control en un inicio. Me gustaba en este sentido la escena de Mike Faist acunado con su hija, donde Zendaya se pudiera sintir culpable de hasta donde habían llegado sus dominios, sus actos. Entenderla a ella, por ende, como una víctima de un círculo vicioso que se escribió hace tiempo y del que no puede escapar donde su debilidad es Josh O'Connor y el propio tenis.

“La señorita Julia” es la sexta obra de la filmografía de Liv Ullmann, tras catorce años de asueto. Se trata de una adaptación de la pieza de teatro del mismo nombre, creada por August Strindberg en 1888.
“Miss Julie” es una obra dramática muy compleja en temática: trata el determinismo de las clases sociales, encarnizada en el amorío de sus dos protagonistas, y una lucha de amor, deseo y poder, que también está condicionada por una guerra de sexos.

La directora sueca decide eliminar varios personajes y centrarse en los dos protagonistas Miss Julie (Jessica Chastain), John (Colin Farrell) y Kathleen (Samantha Morton). La supresión de la escena inicial de la obra de Strindberg –una fiesta de los criados en la que Miss Julie seduce a John– creo que perjudica la digestión de la película. El baile inicial es una parte muy agradable, sosegada y placentera que serviría para introducir mejor la historia. Sin embargo, Liv Ullmann prescinde de ella y envuelve la película en un guión estático que redunda en exceso y encasquilla la película en su tramo final (sobra media hora de metraje).

Los diálogos merecen otra vuelta de tuerca; debemos empatizar con los actores Jessica Chastain, Colin Farrell y Samantha Morton. El guión es puro teatro, con abundantes cambios de humor y melodramatismo, a veces exagerado. Estos ingredientes dificultan tremendamente el trabajo de los tres protagonistas, cuyo mayor reto es salvar el papel. A mi modo de ver, meta superada, aunque ninguno de los tres destaca por su brillantez.

El desarrollo de los personajes es el punto más fuerte de la película, así como su ambientación, pero no consiguen maquillar un film irregular y descendente.

NOTA: 5,5.