En el lenguaje cinematográfico se entiende por plano secuencia o "long take" una toma única, sin cortes en la que se usan distintas posiciones o valores de plano, acercamientos, zooms y movimientos de cámara para narrar los hechos. Este tipo de tomas mantiene la tensión de la acción.

La película Birdman, mediante la burla y el sarcasmo, habla de la fama y el reconocimiento que buscan los actores y, sobre la angustia y ansiedad que esto provoca en sus vidas. Riggan Thomson (Michael Keaton) es un actor totalmente atormentado por "hacer algo relevante", no se conforma con haber sido famoso por la interpretación en el cine de un héroe de pacotilla, Birdman, necesita triunfar en el teatro, en Broadway.

La utilización por Iñarritu de largos planos secuencia construye esta película potenciando así la inestabilidad mental de los actores sobre los que versa la trama. La cámara al hombro recorriendo los laberínticos espacios de los bastidores de un teatro con esos movimientos compulsivos en espacios abigarrados y laberínticos también aporta ansiedad al espectador. La banda sonora exclusivamente a base de percusión (excepto en un par de temas) tocada por el baterista jazzístico Antonio Sánchez de Pat Metheny Group (esto me lo ha soplado Silvia) también construye la película: la convulsión que produce esta batería desde los mismos títulos de crédito es genial, por cierto los "temas musicales" fueron totalmente improvisados y se grabaron en dos días. Todo esto nos adentra en el mayor espectáculo del mundo: El Gran Cine.

En definitiva la película para mí es una obra maestra, Birdman es ese cine que yo quiero ver siempre, cine pensado, cine técnico, cine arte, una película construida con piezas que encajan y en las que todo suma y estructura.

El plano secuencia es una de las técnicas más complicadas para llevar a cabo el rodaje de una película, pero también es de las más espectaculares, es parte de lo que eleva esta materia al estado de Arte. Basta con recordar el magnífico inicio de Sed de mal, (Touch of evil), Orson Welles (1958) o el film La soga (The rope), Alfred Hitchcock (1948) película que aparenta ser un solo plano secuencia estando en realidad compuesta de ocho (por la longitud de las bobinas de celuloide de entonces). Un solo fallo puede dar al traste con mucho trabajo, hay que coordinarlo todo, la entrada de los actores, su actuación debe ser impecable, el foco y los cambios de éste, el diafragma, la profundidad de campo, los cambios de luz, el balance de blancos, el movimiento del personal del equipo, las grúas, el desmontaje-montaje del equipo y decorados, e incluso que la cámara pase por delante de un espejo varias veces y no se vea. La película es técnicamente intachable, pero Alejandro González Iñarritu además le da una vuelta de tuerca y juega con estos planos continuos atravesando cristales y barandillas, haciendo travellings imposibles por las alturas de las calles de Manhattan de unos lugares a otros, o entre las lámparas de colores de una constreñida tienda de licores, y por si esto fuera poco se atreve a jugar con el tiempo realizando elipsis temporales con cambios de decorado y de vestuario en un mismo plano: Toda una Obra de Arte.

Como aporte artístico adicional, el rodaje mediante planos secuencia acentúa en la mente del espectador ese sentido sobre la actuación, entremezclando su realidad y su ficción y acentuando la inquietud sobre la vida del actor, sobre el dilema del protagonista. En realidad rodar así entremezcla el cine con el teatro, ¿Es esto Teatro dentro del Cine?. Hay detractores de este tipo de cine precisamente por esto, porque defienden que el plano secuencia es, en lo que se refiere a la actuación, equivalente al teatro, pero me temo que a partir de esta película han perdido la batalla, en estos planos secuencia hay mucho más (aunque algunos sean falsos). También hay quien se pregunta: ¿Dónde queda el montaje en estas películas?, ¿Qué hay del Acorazado Potemkin?, Dicen incluso que Alfred Hitchcock se arrepintió de su película La soga el día que se preguntó esto último. Pero yo pienso que en una película no tiene por qué haber de todo, lo bonito es que haya muchas técnicas y que se utilicen o se inventen las adecuadas para ensalzarla.

Toda la angustia de la película tiene un momento de relajo, de liberación, de liberación para el personaje, pero no lo puedo revelar aquí, breve momento en el que aparece de nuevo el cine tradicional, el montaje de planos distintos. Esto lo disfrutaréis vosotros mismos en la butaca. Os pongo deberes: Tenéis que verla.

Michael Keaton se merece el Globo de Oro que le han dado, y se merece mucho más, probablemente el Oscar. Sin lugar a dudas es la actuación de su vida.

Edward Norton también está que se sale, fabuloso. Hace más de 15 años que no está nominado al Oscar American History X (1998) Tony Kaye. Veremos.

Naomi Watts para mi gusto estuvo mejor en Lo imposible (2012) J. A. Bayona.

Emma Stone, lo siento, no me la creo ni en esta ni en otras películas. A pesar de esto me acabo de enterar de que está nominada al Oscar, allá ellos, yo me mantengo en lo que he dicho.


P.D. Esta película es una seria candidata a varios Premios de la Academia, pero lo que sí que me queda absolutamente claro es que esta película no se va a llevar el Oscar al mejor montaje ;-)

¿Cómo es el trabajo de un crítico de cine? ¿Es verdad que si pones bien la película te invitan a comer? ¿Es al revés? ¿Si te invitan a comer pones bien la película? ¿Podría ser tal vez, que cuando alguno de los grandes mete la pata hay que arroparle para que esta industria no se vea perjudicada? ¿Hay que apoyarla con mentiras para que el público vaya al cine y comulgue con ruedas de molino? o ¿Tal vez es que no tenemos juicio y como la película es de los Coen es buena porque tú lo vales?
Es sorprendente que las valoraciones de los críticos tanto extranjeros como nacionales, la pongan por la nubes, de 8 sobre 10 para arriba, y sin embargo la media de votaciones generales de público no pase del 5,7 (sobre 10 también). ¿El público es tonto?
No, el público no es tonto. El arte se hace para disfrute del público y no para el de los críticos. El arte en general y el cine en particular existe por y para el público, y tiene que satisfacer al público. El público es quien tiene que entenderlo, disfrutarlo, experimentarlo y sentirlo, es quien tiene que notar las sensaciones que la obra produce. Si no hay público no hay película, las imágenes se perderían en el vacío sin registrarse en ninguna retina.
La película nos retrata el cine desde el punto de vista del productor cinematográfico, es un nuevo paseo de los hermanos Coen por el mundo del cine, pero a mi entender, mucho más flojo que su Barton Fink (1.991). Mientras salía del cine, un señor que andaba justo detrás de mí le decía a sus acompañantes "Es una película sin principio ni final…", yo hubiera dicho "sin pies ni cabeza", de alguna forma los Coen han creado un entorno para homenajear al cine musical de los 50, Esther Williams, Un día en Nueva York, etc..., esto es lo mejor de la película, pero el entorno no vale, el entorno se queda corto, los numeritos musicales quedan inconexos por culpa de una historia sin historia y, lo peor, sin gracia. He leído que es una película divertidísima, os garantizo que yo fui la persona que más se rio del cine, y me reí dos veces.
Está realmente que se sale Josh Brolin. George Clooney, en su punto: bien. Y Channing Tatum con mayúsculas: fenomenal en su escaso papel. Esto, junto a los números musicales es lo que para mí merece la pena, también la fotografía bien ambientada. Lo demás se me hizo algo pesado, me caí de la línea de interés a la media hora y eso fue un auténtico revés para mí, porque los que me conocen saben que soy fanático de los Coen y que iba a ver esta película con gran interés.
Mi recomendación: Si te gustan los musicales de los años 50 ve a verla aunque la película no sea gran cosa, hay una emulación con cierto aire de homenaje cargado de referencias a este género. ¡Ay amigo! Si no te gustan los musicales, no sé qué decirte, desde luego los hermanos Coen son "de culto" con lo que casi todos los amantes del cine iréis a verla diga yo lo que diga. Pues eso: ¡Id y ved!
Nota final: Creo que se nota en mi redacción las pocas ganas que tenía yo de escribir estos comentarios, y es que me ha costado mucho. No me he notado fluido como en otras ocasiones, he estado inconexo, aunque he intentado no estar "diatribático".

Soy un fanático de la pintura hiperrealista, enamorado de los pinceles precisos, de Antonio López, del aerógrafo, de Jason Degraaf, de las sombras exactas, de Iman Maleki, del ambiente de un cuadro que te envuelve, de Isabel Guerra, de la realidad plasmada en un lienzo, de Don Eddy. Los artistas hiperrealistas no necesitan buscar historias dramáticas ni profundas, tampoco momentos épicos ni personajes ilustres para escribir sus cuadros, sus motivos son cotidianos, normales, simples bodegones ordinarios repletos de objetos que nos rodean. Precisamente este es su triunfo: retratar aquello que conocemos a la perfección para enseñarnos los detalles que ni siquiera nuestros ojos han sido capaces de ver, y convertir el lienzo en un espejo de realidad aumentada que, al final, nos arrebata.
El renacido es un cuadro hiperrealista, no contiene una historia profunda ni filosófica, de esas que nos aturden. La historia es simple, pero la pincelada es de maestro.
No quiero hacer ningún tipo de "spoiler", por lo que trataré de no ser muy preciso.
El Fondo de la película es una historia normal, basada en sentimientos muy humanos, seguramente un tipo de historia muchas veces llevada al cine de forma más o menos exitosa, una historia enmarcada definitivamente por el instinto de supervivencia del ser humano. Lo que le da a la película su valor es la Forma, las pinceladas, el aerógrafo, las sombras, el ambiente y la realidad plasmada en los fotogramas por el pintor de películas hiperrealistas que es Iñárritu, pintura en fotogramas plasmada con soberbia maestría y milimétrica precisión.
La película nos muestra planos-secuencia memorables, ya lo hizo en Birdman, (2.014), aquí más cortos pero de mayor calidad, repletos de ese aroma a técnica, a control. La cámara, como el pincel se convierte así en protagonista, íntimamente cercana al sujeto, galopando junto a él y recorriendo visualmente la grandeza de la escena apoyada en un gran angular capaz de inyectarnos en vena la droga de la inmensidad.
Me reconforta ver que el cine, volviendo a sus orígenes y mostrando algo así como a una locomotora que viene de frente por una vía, sea capaz de volver a cautivar al público y darle esa porción de aventura que se balancea por nuestro cerebro y nos empapa de lo que nuestras rutinarias vidas nos niegan.
No sé si le darán algún premio de la academia, de los grandes me refiero. Por lo que he visto hasta ahora, El Negro se lo merece, pero dos años seguidos es mucho para un extrajero. Mi voto va para él (ah!, que yo no voto…).
Mi recomendación: Cuando la veas no te vas a ir pensando en la historia, te vas a ir impregnado de imágenes, de planos, de secuencias memorables, de gran cine, "That's Entertainment". Si no la ves, no sé qué haces leyendo este blog, lo tuyo seguramente es Sálvame Deluxe, además es gratis. Es más, estoy alucinando con que sepas leer…

Durante nuestra juventud vamos tomando decisiones que almacenamos en la maleta con la que viajamos por la vida, todas estas decisiones y actuaciones son las que modelan nuestro viaje, nuestro futuro.
Desde la perspectiva y la experiencia que aporta la vejez, parece muy fácil ver que si hubiéramos tomado otras decisiones ahora estaríamos mucho mejor. Parece tan fácil como acertar una quiniela los lunes después de que se hayan jugado todos los partidos, pero no es así, la vida es mucho más complicada que todo eso, se rige por la teoría del caos, y aunque creamos que lo tenemos todo controlado hay variables que lo pueden trastocar todo en un momento, ya que las decisiones influyen en las hechos y los hechos influyen en las decisiones. Aunque es verdad que con un poco de suerte, si empujas en una dirección el objeto se mueve en esa dirección, ¿Quién sabe si al salir a cobrar la quiniela te hubiera atropellado un coche?
Algunos actores o deportistas de élite, como Diego Armando Maradona, pueden ser un claro ejemplo de lo que he escrito, Sorrentino lo sabe.
La película La Juventud debería interpretarse como una bellísima sucesión de imágenes y secuencias que enmarcan una serie de conversaciones e ideas trascendentes sobre el devenir del tiempo, de los sucesos y sus consecuencias, pero en realidad es lo contrario, es una serie de imágenes y secuencias con una belleza inusual que pretenden enmarcarse en una sucesión de referencias al paso del tiempo que intentan ser trascendentes, y esto simplemente rechina.
Probablemente la ligereza es una forma de perversión y seguramente intentar permutar Fondo y Forma sea una ligereza. ¿Qué dice éste? ¿Se ha vuelto loco?
Me explico, en esta película me ha dado la sensación de que existen una serie de imágenes y planos preconcebidos para los que se ha creado una acción, y esto es más parecido a un documental que al Cine, de ahí el estupor silencioso que se produjo en la sala al acabar la película.
La película es de una belleza indiscutible, cada plano y cada gota de luz que baña cada uno de los fotogramas está colocado con maestría y sutil delicadeza, sin embargo la acción tropieza torpemente a cada paso careciendo de intensidad y, a pesar del pausado tempo impuesto al desarrollo de ésta, no cosecha la profundidad que debiera y consiguiendo empujarnos al aburrimiento. Al final son sólo las cautivadoras imágenes que nos regala Sorrentino las que impiden que nos marchemos (a pesar de lo cual hubo una persona a la que vi abandonar la sala).
Dos grandes amigos, de esos a los que es imposible separar, analizan distintos hechos en sus vidas y en las vidas de las personas que les han acompañado, mientras trabaja el uno y descansa el otro, en un balneario de los Alpes Suizos. Los personajes que interpretan magistralmente Michael Caine y Harvey Keitel se encuentran rodeados de insólitos y silenciosos personajes, que en algunos casos pretenden ser paradigmas de lo que trata la película.
A pesar de todo lo que pienso y de todo lo que he expresado, a mí me ha gustado ver esta película, me ha hecho pensar, y eso sabéis que es lo que más me gusta. También me ha hecho recordar alguna de esas experiencias en los cines que llamábamos de "arte y ensayo" a las que jamás pude llevar a ningún amigo, siempre los he querido conservar…
Mi recomendación: Si te gustaba Fellini, Bergman, y otros tantos maestros, deberías ir a verla, yo he sacado mis propias conclusiones, pero tú sacarás las tuyas. Si nunca has soportado el cine de "arte y ensayo" esta película puede ser muy dura, pero también es una buena ocasión para ponerte a prueba (espero no perderte como seguidor tras la prueba…)

El otro día quedé con Ridley Scott, esto lo hago desde que vi su película Blade Runner (1.982), cuando me prometí a mí mismo ir a verle en todas sus películas. Sí, verle, porque no lo dudéis, cada director aparece reflejado en sus obras. Llegué a la sala y estuve esperando, pero mi amigo Ridley apenas asomó fugazmente por el cine.

Ridley Scott ha perdido una oportunidad de oro para reaparecer con fuerza en la escena, lleva años dando tumbos, ha desperdiciado una notable ocasión para hacer otra gran película de Ciencia Ficción, el género que le encumbró. Traer a Marte a Robinson Crusoe era la receta ideal para plantear algo superior, para profundizar , para darle a una película, perfectamente ejecutada, ese ingrediente que la lleva a permanecer de por vida en nuestras memorias y en los libros de cine.

Ridley Scott se ha quedado en la buena ejecución, se ha quedado en lo estético, pero a la poesía le falta pasión. No he sentido angustia, ni miedo, ni siquiera inquietud, tampoco me he encontrado reflexionando sobre planteamientos morales. No he detectado los ingredientes que enriquecen un plato genial y distinto, me he comido otras lentejas de cuartel.

Me entristece tener que decir esto de uno de mis directores favoritos, ¿Será porque le exijo mucho más que a los demás? Pero lo que he visto es a un granjero disfrazado de McGyver paseando por la casa de la pradera. Una película lejana a lo que este grandísimo director es capaz de hacer, y eso lo ha demostrado varias veces.

Odiosas comparaciones, pero Gravity (2.013) de Alfonso Cuarón, le saca muchos cuerpos de ventaja y no digamos Misión a Marte (2.000) del Príncipe del suspense Brian De Palma (Hitchkock será siempre el Rey).

Decepcionante. Decepcionante no significa mala, decepcionante significa que no responde a lo que se espera de ella, que no cubre las expectativas, pero la película es técnicamente una muy buena película con unos buenos efectos, una buena fotografía, una buena interpretación por parte de Matt Damon y con suficiente respaldo científico si exceptuamos algún detalle (intentad deducirlo con el dato de que la presión atmosférica en Marte es de unos 8 hPa, menos de la centésima parte de la de la tierra entorno a los 1015 hPa).

Bueno también el aderezo de la música Disco de los 80 y por mencionar algo más positivo el magnífico guiño a Starman (David Bowie, 1.972).

Mi recomendación: Si te gusta Ridley Scott, ve a verla, pero estás avisado, así por lo menos no te llevarás una decepción tan grande como la que me llevé yo. Si no sabes quién es Ridley Scott, o sabiéndolo te importa poco, puedes ir a verla, es una película bastante superior a las que estrenan en los cines, pide tu bebida favorita y tus palomitas y a disfrutar, pero nunca, nunca cojas patatas, (mejor palomitas, te lo aseguro)