Terminando de ver “Días de Otoño” (1962) de Roberto Gavaldón con Pina Pellicer, Ignacio López Tarso, Adriana Roel, Luis Lomelí, Graciela Doring, Hortensia Santoveña, Eva Calvo, Evangelina Elizondo, entre otros. Melodrama mexicano al estilo del “thriller psicológico”, está basado en el cuento “Frustration” de Bruno Traven, que se caracteriza por una descripción detallada del entorno, la presión social y la frustración de su protagonista, una pueblerina que llega a la ciudad a trabajar en una pastelería; por la presión social, construye toda una farsa que termina por atraparla. La película, muy adelantada y arriesgada para la época, pone a reflexionar sobre temas como la imposición de la mujer a tener familia, y la búsqueda del amor de un hombre como método para obtener la felicidad, además muestra una sociedad regida por el machismo y la sumisión de la mujer al hogar y a los hijos que debe tener; y se cuestiona el papel inferior de la mujer, e incluso se desafía al hombre a la hora de tomar decisiones, algo sorprendente para la época en que fue filmada. Luisa, la protagonista, además de ser bonita, hacendosa, trabajadora y confiable, está loca… y es debido a la presión social; pues ella lucha inconscientemente por ser, si no aceptada, al menos respetada, y es aquí donde entramos al punto feo de la película, pues toda la historia se basa en el temor al fracaso y a la burla que sufre, la cual prefiere construir y vivir una mentira, antes que soportar la idea de no ser una “buena mujer”; por lo que la trama llega al nivel de la psicopatía, donde se suma el miedo con problemas emocionales anteriores que resultan en el colapso emocional irreversible. Le puedo achacar el final, abierto, pues desconocemos qué pasará con Luisa, si cayó en la locura, o iniciará una vida con Albino. Técnicamente, se demuestra, como no podría ser mejor, el buen hacer de Roberto Gavaldón, un genio de la dirección, y la fotografía del gran Gabriel Figueroa, así como la hermosa banda sonora de Raúl Lavista; pero donde sobresale es el reparto: Pina Pellicer como Luisa, vive el gran drama de huir de la realidad monótona, gris, y limitada, y como actriz, se nota la profundidad emocional del personaje, de manera íntima e intensa, tanto desde la tristeza, el patetismo, la esperanza, el temor, la angustia, la ternura, la inocencia, el cansancio, hasta la sonrisa forzada que revela la mentira y el desencanto; y nos sobrecoge, hasta arrastrarnos a su atmósfera de lucha entre su asfixiante realidad, y su agobiadora ficción; mientras Ignacio López Tarso como don Albino es un papel muy secundario, que es difícil de valorar, porque no se logra desarrollar por culpa de un guión limitando su acción. Lo que realmente impresiona, es haber visto la gran actriz que fue Pina Pellicer, que con tan solo 5 películas, se suicidó 2 años después de esta producción, a la edad de 30 años, presuntamente a causa de una depresión. Nos queda un preámbulo de su futuro: “Un día acabará el olvido, o acabará la esperanza” Desolador.
RECOMENDADA
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Terminando de ver “The Party at Kitty and Stud's” (1970) de Morton Lewis con Sylvester Stallone, Henrietta Holm, Jodi Van Prang, Nicholas Warren, Frank Micelli, Barbara Strom, Janet Banzet, entre otros.

Película erótica que relata la vida sexual de una joven mujer y su novio, que está buscando romper su rutina sexual, organiza una fiesta en el apartamento de Kitty que termina en una desenfrenada orgía.

¿Por qué debería ver a Sylvester Stallone de 24 años en una película con clasificación X?

De todos los casos famosos de superestrellas e íconos de Hollywood que incursionaron en la realización de películas X, esta es una que, digamos... hay que verla solo 1 vez.

Y es porque poco después del lanzamiento de la película ganadora del Oscar, “Rocky” en 1976, este filme fue editado y relanzado como “Italian Stallion” para sacar provecho de su ahora famosa estrella.

Con un presupuesto de $5 mil, y financiada por un grupo de abogados adinerados, de menos de 60 minutos de metraje, es una producción demasiado barata y se nota muchísimo, lo peor, es para nada estimulante; por lo que solo la recomiendo a aquellos que buscan “pornografía de celebridades” y nada más.

El director intenta elevar la película al nivel del “Art-House” insertando largos montajes de caminatas y destellos de una mujer de sangre muy caliente con botas, un abrigo de piel y una sonrisa en un parque de la ciudad cubierto de nieve... pero en realidad no tiene nada rescatable técnica ni cinematográficamente.

También porque los vínculos con “Rocky” son bastante asombrosos, sobre todo porque fue rebautizado como “El Semental Italiano”, incluso hay un momento en el que Stallone corre con brazos estirados, sin mencionar una pista instrumental de alrededor de 11m que alude tan fuertemente al tema de “Rocky” que estoy seguro de que debió haber sido agregado en la postproducción algunos años después...

Con todo, Sly nunca ha sido un buen actor, siempre me ha parecido que es demasiado lento mentalmente, y no por eso es que sea malo, es que es repetitivo y aburre... sus líneas tienen algo de brillo de eso, y su actuación es bastante torpe como natural; mientras la voz de Kitty, que parece mal doblada, parece haber sido grabada años después de que se hiciera originalmente la película, con líneas tan risibles que no llegan al empalme y tampoco sus escenas son masturbatorias.

Todo aquello de la gente chigoleta simulando sexo es tan falso que es re-malo y vergonzoso.

De hecho, Sly es el único otro “miembro” masculino del reparto, junto a un sin nombre poco atractivo; y ninguna de las mujeres es particularmente memorable:

Hay una “stripper” negra, una escena lésbica demasiado larga y aburrida, el segundo hombre y su novia tienen sexo anal, que ni se ve, y finalmente, la orgía que dura para siempre... y repito, no es muy erótica, ni siquiera porno.

Recordar que el filme es popular por haber sido la primera película de Sylvester Stallone, quien recibió $200 por su actuación, afirmado que la desesperación económica lo llevó a participar; y claramente calificó la película de “horrenda”

¡Y tiene razón!

Aparte de eso, la película celebra la misoginia, el abuso de drogas, la promiscuidad y la violencia contra las mujeres, aunque también plantea el punto de que hay algunas que gustan vivir en un mundo así... y sí, hay varias tomas de los genitales de Stallone que ha demostrado ser el único atractivo duradero que puede presumir esta película; y por el simple hecho de saber que existe, les da a los fanáticos algo por lo que masticar, y lo convierte en una figura más clásica del folclore estadounidense:

“La película porno de Sylvester Stallone” que evolucionó a lo largo de los años hasta convertirse en una leyenda urbana menor.

“Antes de ser “Rocky” era, y sigue siendo El Semental Italiano”

NO RECOMENDADA

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Terminando de ver “Film Stars Don't Die in Liverpool” (2017) de Paul McGuigan con Annette Bening, Jamie Bell, Julie Walters, Vanessa Redgrave, Stephen Graham, Leanne Best, entre otros. Drama basado en las memorias de Peter Turner, y su romance durante los últimos años de vida de la oscarizada actriz Gloria Grahame. El filme tiene muchos aspectos brillantes e interesantes, empezando por la narrativa, que utiliza muy bien el “flashback” y muestra “posibilidades” de narración de los hechos, puntos de vistas y perspectivas de acuerdo a los personajes protagonistas; así como técnicamente, el uso del color, el encuadre, “el cartón piedra” y la iluminación, sin olvidar la dirección de arte, decorados y escenarios, muy de acuerdo con la época; y la hermosa banda sonora, que incluye un tema de José Feliciano digno para el recuerdo, como la escena de baile, totalmente lograda. Pero donde brilla es en los actores: Annette Bening está INMENSA como una actriz “olvidada”, cuando el peso de los años y la maldita enfermedad afecta una mujer llena de vida; y Jamie Bell, en el mejor papel de su vida tras “Billy Elliot”, donde muestra su lado más dramático, sensible y encantador; cada encuadre de la pareja, muestra la química/complicidad más extraordinaria vista jamás en el cine recientemente; sin olvidar el pequeño papel de Vanessa Redgrave. Los silencios, las risas, el pensamiento que grita con las miradas, las ganas de vivir y el amor imposible que no llega a ser eterno, son unos de los temas que Paul McGuigan dirige con maestría, al tiempo que nos expone la vida de Gloria Grahame, una actriz que fue consumida por Hollywood, desechada, y que vale la pena rescatar, pues sus filmes fueron inolvidables. La película tiene mucha fuerza, y nos llama a reflexionar con profundidad sobre el cine que poco conocemos: “Lo malo y lo hermoso”

RECOMENDADA
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Terminando de ver “The Wiz” (1978) de Sidney Lumet con Diana Ross, Michael Jackson, Nipsey Russell, Ted Ross, Mabel King, Theresa Merritt, Thelma Carpenter, Lena Horne, Richard Pryor, entre otros.
Musical y clásico de culto, es una adaptación de la obra de Broadway del mismo nombre de 1975, y al igual que ésta, es una versión urbana de experiencia afroamericana de la historia del libro de L. Frank Baum, “The Wonderful Wizard of Oz”; por lo que el filme se enmarca dentro del subgénero de “blaxploitation”
La acción sigue a la maestra Dorothy cuando intenta salvar a su perro en una tormenta de nieve, es transportada a un mundo de fantasía llamado Oz; luego de asesinar accidentalmente a La Bruja Mala del Este, Dorothy descubre que un mago puede ayudarla a regresar a su mundo.
Realizado por las productoras Motown Productions y Universal Pictures, el filme obtuvo 4 nominaciones al OSCAR:
Mejor dirección de arte, vestuario, escenografía y banda sonora original.
Del reparto, Diana Ross de 33 años, era una cantante maravillosa, una actriz excelente y una gran bailarina, pero como Dorothy es extrañamente atractiva.
Sin embargo, logra capturar buenos momentos, sobre todo cuando canta; mientras que Michael Jackson, entonces ex estrella de Motown y amigo íntimo de Ross, fue elegido cuando aún no había hecho un álbum en solitario; por lo que su incorporación fue arriesgada.
De hecho, se cuenta que el padre de Jackson, Joseph, desconfiaba del proyecto y lo veía como una amenaza para la cohesión del grupo, The Jackson 5.
Pero fue aquí donde comenzó la carrera en solitario del Rey del Pop; pues durante la producción de la película, él le preguntó a Quincy Jones si le producía un proyecto de álbum en solitario... Jones, impresionado por la profesionalidad, el talento y la ética de trabajo de Jackson en la película, hizo “Off The Wall” (1979), y luego los exitosos álbumes “Thriller” (1982) y “Bad” (1987)
Por último, Ted Ross y Mabel King fueron contratados para repetir sus respectivos papeles del musical, mientras que Nipsey Russell fue elegido como “The Thin Man” y Lina Horne, suegra de Lumet durante el tiempo de producción, fue elegida como Glinda, “The Good Witch”, y el comediante Richard Pryor interpretó a “The Wiz”, que por ser el titular del filme, pasa sin pena ni gloria, de hecho, es el único que tiene menos metraje, pues todas las cámaras y los momentos están centrados en Ross.
Pero aquí también están, sin acreditar:
Roberta Flack; la mamá de Whitney Houston, Luther Vandross, Tata Vega y Cissy Houston como voces de “The Wiz Singers Adult Choir”; hasta Quincy Jones es el pianista del Emerald City.
Como dato, con la muerte de Lena Horne en 2010, Diana Ross es el último miembro del reparto principal, sobreviviente de la película.
Cabe señalar que el filme es una modificación del libreto de Broadway, hecho por Joel Schumacher; mientras que Quincy Jones supervisó la adaptación musical; por lo que se agregaron un puñado de nuevas canciones.
Y en comparación con el filme de 1939, solo utiliza lo más esencial y los personajes, pero el concepto es diferente, con un diseño de producción espectacular, aun cuando se mantiene lo “camp” de la obra cinematográfica original, tiene un vestuario exquisito, de Halston, Oscar de La Renta y demás diseñadores neoyorquinos.
Un momento nostálgico, es ver al World Trade Center como La Ciudad Esmeralda, algo que ahora podría erizar la piel a cualquiera.
Y es que esas escenas allí, fueron elaboradas utilizando al menos 650 bailarines, 385 miembros del equipo de rodaje y 1.200 trajes; sin olvidar la escena de la fábrica; y los efectos especiales visuales son de primera categoría para la época; sin olvidar que el gran Stan Winston fue el maquillador prostético principal, que hizo un trabajo de gran calidad.
Sin embargo, y muy a pesar de un fuerte reparto afroamericano, la dirección de Lumet y las candidaturas al OSCAR, el filme fue un fracaso de crítica y taquilla.
De un presupuesto de $24 millones, solo ganó $13.6 millones; y para ese momento, “The Wiz” era la película musical más cara jamás realizada; pero marcó el final del resurgimiento de las películas afroamericanas que comenzó con el movimiento de explotación “blax” de principios de la década de 1970.
No obstante, hoy es considerado un clásico de culto entre el público negro, entre los fanáticos de Michael Jackson y los entusiastas del Mundo de Oz.
En resumidas cuentas, si bien nunca tendrá el atractivo universal que ha obtenido el clásico musical de MGM de 1939, “The Wiz” queda como una mirada curiosa y bien realizada de lo que hoy se denomina “corrección política de Hollywood” que siempre ha propuesto en estas producciones familiares, “creer en ti mismo”
RECOMENDADA.
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Terminando de ver “Last Days In The Desert” (2016) de Rodrigo García Barcha con Ewan McGregor, Tye Sheridan, Ciarán Hinds y Ayelet Zurer. Drama sobre un periodo en el tiempo que Jesús estuvo en el desierto, mientras es tentado; cuyo capítulo narrado en Mt 4, 1-11, y en el pasaje paralelo de Lucas 4:1-13 es re imaginado, y coloca al “Hombre Santo” frente a una familia: Padre, Madre e Hijo, presenciando y participando en momentos de reflexión bastantes silenciosos sobre las relaciones entre ellos en plan alegórico. El hijo de Gabriel García Márquez escribió la historia queriendo darle un punto de vista más humano a esa parte de la mitología cristiana, pero lamentablemente no logra cautivar. Aquí no hay aura cristiana, recogimiento, ni religiosidad, ni el paralelismo al Evangelio de Juan que se espera de un filme de temática, y todo se siente muy frío y distante. Puede que hallan cortes de edición por ahí, que evitaron convertirla en una historia sólida. Aquello de los 40 días de Jesucristo en el desierto antes de comenzar su ministerio, y las expectativas mesiánicas quedaron en sonrojo, vaya a usted a saber realmente cómo fue… Me hubiera gustado más detalles sobre qué sucedió con el hijo; Satanás daba para más juego, ¿Era Satanás o un “Alter Ego/Cristo”, Hombre/Divinidad? Faltó más juego, insisto; y claro está, re imaginar cómo fue ese episodio de convertirse en Jesucristo. Del reparto, creo que esta es la primera vez que vemos a un pelirrojo escoses como Jesús, Ewan McGregor queda muy lejos del personaje y su naturaleza divina, muy europeo, pero es un hecho que actúa bien, sobre todo en los silencios; nada que reprochar a Ciarán Hinds siempre correcto; una silente Ayelet Zurer, y la promesa: Tye Sheridan, un joven actor con mucho futuro, hasta tiene escena roba corazones para la chiquillada adolescente. Queda la muy buena fotografía, de esperar del 3 veces ganador consecutivo del premio OSCAR, Emmanuel Lubezki; y el sonido es tremendamente bueno, te hace sentir el desierto, el ambiente, hasta el viento… El final: El esfuerzo no valió la pena, “El Hijo del Hombre” murió, y todo ha quedado igual.

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