Dany Boon ha encontrado un filón cinematográfico en la mezcla de culturas y lenguas, describiendo las tensiones entre pueblos y filmando en clave de comedia costumbrista todos esos clichés que pueblan nuestra lengua habitual y el imaginario colectivo de toda una sociedad. Por eso no cuesta conectar con esa lucha de intereses entre dos agentes de aduanas, uno francés y otro belga, éste último dedicado a sembrar el odio hacia los 'gabachos invasores': podríamos ver en las viñetas que conforman Nada que declarar a dos policías españoles, uno madrileño y otro catalán, despotricando uno del otro, riéndose de sus acentos y al final percatándose que entre ambos median pocas diferencias y unen muchas similitudes.

El tono paternalista y facilón se intuye desde el primer minuto, y más teniendo a Bienvenidos al norte como antecedente muy cercano en el tiempo. En esa ocasión actuó el 'factor novedad' y el tono blanco de la historia estaba al servicio de una agradabilísima historia de amor. Nada que declarar, continuación temática de aquella, pierde frescura por el camino, y de paso nos brinda ese guardia belga tan pesado, tan irritante, tan histriónico, tan caricaturesco, tan desbordado por los excesos de un guión preocupado en subrayar las diferentes nacionalidades de unos y otros. Sin llegar a ser una copia de la copia, Nada que declarar es una repetición innecesaria e insuficiente de esas fronteras sociales, morales y geográficas que ya conocíamos. Ojalá el bueno de Boon se dé cuenta de que su brillante idea ha tocado techo; o mejor dicho, que ha cruzado esa línea fronteriza que separa el buen cine familiar del engañabobos rompetaquillas.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities, http://cachecine.blogspot.com

Capaz de extraer belleza donde hay dolor, Aronofsky describe un microcosmos tan personal y desconocido como el del ballet, retratando la profesión de bailarina y al mismo tiempo sin querer ser un retrato fiel de lo que se esconde realmente entre bambalinas. Aunque el director fuerza los engranajes del relato hasta límites peligrosos en su tramo final, la cinta es un viaje a la 'no lógica' que sirve como descripción de un estado de ánimo reconocible y como la exposición de un sinsentido gótico, entretenido, electrizante, puro cine de evasión y tormento (de ahí que no cueste rendirse ante la estética de una película con excesos pero sin resquicios). Pienso, además, que Portman luce excelente, y que Black Swan pondrá su nombre en los anales de la historia del arte: fíjense que la actriz tiene la juventud y la fuerza claves para encarnar las dos vertientes de Nina (el cisne blanco, el cisne negro), algo que, creo, no hubiera podido hacer otra actriz, ni tan siquiera la propia Portman hace, por ejemplo, cinco años. Lograda mezcla entre Repulsión y Eva al desnudo, Black Swan ya es un referente cultural, futuro título de culto. El film más valiente de la pasada temporada de premios.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities http://cachecine.blogspot.com

Martyrs es una de las películas más brutales de los últimos años. Contiene una trama totalmente imprevisible y una historia en eterna tensión. Algunos momentos de este baile de sangre son tan impactantes que el espectador, incapaz de soportar tanta adrenalina, intentará evadirse de la película. Tal cosa, que en otros títulos hubiera sido un sonoro defecto, es aquí la gran baza del film. Martyrs empieza con una carrera. Una muchacha huye de un extraño recinto repleta de sangre. Tras internar en un centro psiquiátrico, la película da un salto de quince años y nos sorprende con una hora y media de pura angustia. Martyrs es un relato bipolar: aúna varias películas en una, varios tonos y posibilidades. El espectador tambalea y, cuando empieza a cuestionar una carnicería que no parece tener sentido, la cinta nos sorprende con un tramo final radical, rocambolesco y crítico. El resultado, tan irregular como estimulante, es un festival de sangre, una caja de sorpresas. No es una cinta más: algunos fotogramas son imposibles de olvidar. Tortura que asquea y crea adicción. Todo un festín para el fan y una curiosidad digna de destacar para todo cinéfilo. Puede resultar una película excesivamente descabellada (lo es) o una historia que no sabe qué contar (también), pero, al aparecer los títulos de crédito, el espectador enmudecerá al acto. Frenético pastiche en el que se dan cita el cine de terror juvenil y el de autor. No se la pierdan.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities http://cachecine.blogspot.com

Si algo debe destacarse de esta Una dulce mentira es su alma totalmente demodé: que el lío que basa la trama surja de unas cartas tradicionales y no de correos electrónicos, más a tono con los tiempos que corren, ya es una señal de que la película no quiere ser ni actual ni pertinente. Obviamente las cartas se insertan a la perfección en la lógica del relato, la descripción alocada de sus personajes y la sencillez de su puesta en escena, dejando cualquier tipo de pensamiento mayor o complicación narrativa en el baúl de los recuerdos. Aunque servidor estaba sediente de humor tras Potiche, Una dulce mentira resulta demasiado pequeña, cuca y hueca a partes iguales, un tanto mema y totalmente insustancial. Sirve como distracción dominguera y poco más. Y si ya hay que hacer esfuerzos para encajar una Tatou arisca y una Baye totalmente en babia (en ese pasado de comedias francesas en el que figura Venus, salón de belleza la tónica era a la inversa), el final de este embrollo de poca altura se resuelve de la forma más irreal y más amable posible. Vaya, que es de esperar que ese sustrato de comedias picaronas que ha dado sentido a Una dulce mentira sea el mismo que destierre una película totalmente mejorable. Sirve, eso sí, y como en los viejos tiempos, para disfrutar de sus dos actrices, los dos vértices capitales del triángulo amoroso. Aunque con eso sólo queda contento el mitómano y el fanático de turno. Una mentira es una mentira, pero le perdonamos sus flaquezas: el azúcar glasé sigue estando igual de bueno.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities http://cachecine.blogspot.com

En todos sus cortometrajes, el cineasta Daniel Andrés Sánchez había hecho gala de un estilo amable, arrelado a los buenos sentimientos, a las historias con valores y a los personajes cándidos. Todo ello se amplía en la ópera prima del director, un largometraje financiado vía crowdfunding y rodado en tan sólo 6 días que pude verse en algunas salas comerciales y que ya está disponible en dvd.

Tres días en Pedro Bernardo es una historia de regresos y de cinefilias que tal vez, sólo tal vez, establece lazos autobiográficos con el propio Andrés Sánchez. Nancho Novo protagoniza con mucha convicción la base de esta trama de amistad, amor y paternidad reencontrada; fiel, como no podía ser de otra manera, a las señas costumbristas, nostálgicas y a la postre vitalistas de su firmante.

Pedro Bernardo, el pueblo al que el protagonista vuelve para recibir un particular homenaje de sus convecinos, cumple las funciones de espacio pero también de estado de ánimo: con la ayuda de una banda sonora clásica, da la sensación de que el tiempo y la acción narrativa se ralentiza, como si el protagonista ya no pudiera acogerse a las excusas o a los parapetos de siempre para dilatar más sus cuentas vitales pendientes.

En resumen, Tres días en Pedro Bernardo deja el regusto del cine hecho desde la verdad, con mimo hacia sus personajes y un respeto reverencial hacia el espectador. Le deseamos mucha suerte a Daniel Andrés Sánchez en el futuro.

@Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities
http://cachecine.blogspot.com