Tenía muchísimas dudas acerca de la manera en la que plantearía Chloe Zao esta película. En cuanto leí un poco acerca del argumento y supe que iba a estar interpretada por la genial Frances McDormand, capto mi interés de inmediato. Siempre me han llamado la atención esas personas que parecen vivir lejos de la burbuja inmobiliaria, adaptando su caravana como vivienda y recorriendo el país a su antojo.


Con cierto eco a otras cintas como ‘’Hacia rutas salvajes’’ del 2007 pero con un argumento de un tono más maduro y sólido, Zao nos presenta la historia de una mujer que se ve obligada a vivir en su caravana después de perder a su marido, su casa y su ciudad, tras la grave crisis económica de 2008. Lo que para muchos habría sido un duro golpe del que es imposible levantar cabeza, quedando atrapados en una depresión perpetua, para ella se presenta como una oportunidad de renacer de nuevo y reinventarse así misma.


Fern debe romper drásticamente con todo el pasado y vivir con lo indispensable. En su casa móvil solo lleva lo básico y un par de recuerdos que le dicen quien fue y de donde vino. Aceptando trabajos temporales que le permiten seguir llevando su particular estilo de vida, acaba por conocer y tener relación con otros nómadas como ella. A los que diferentes situaciones personales o económicas muy duras han obligado a vivir en la carretera.


‘’Nomadland’’ no ensalza en ningún momento el tipo de vida nómada que viven nuestra protagonista o sus compañeros. Es cierto que se refleja el encanto de poder vivir para algo más que trabajar a diario mediante el estudio de personajes que pueden cumplir sus sueños, visitar muchos lugares, conocer nuevas personas y vivir momentos únicos cargados de belleza, fusionándose con la naturaleza y estando más cerca de ella.


Sin embargo, también se retrata de un modo muy cercano la problemática que afrontan en sus vidas. Muchos llevan a cuestas historias terribles, que los persiguen a diario. Presenciamos de un modo genuino la soledad y el desarraigo que experimentan. El hecho de no pertenecer a ningún núcleo familiar y vivir al margen, muchas veces completamente aislados del resto del mundo por diferentes causas. A pesar de ello, como dice una compañera de trabajo de Fern al inicio de la cinta, el hogar es lo que uno lleva dentro. Y Fern es su propio hogar, este donde este.


‘’Nomadland’’ cuenta con una fotografía de una belleza deslumbrante que nos regala paisajes y perspectivas únicas y además está acompañada de una banda sonora delicada e intimista que consigue transmitir las emociones necesarias cada segundo.


A todo esto, se suma una historia que es abordada de una forma honesta y valiente, con grandes interpretaciones. Sobre todo, de manos de Frances McDormand y del secundario no menos importante David Strathairn. A Frances ya la conocí en ‘’Tres anuncios por un crimen’’ donde su actuación descarnada y brutal me cautivo. Con esta nueva cinta vuelve a lucirse y a interpretar a un personaje que parece hecho a su medida. Fern no dice o hace mucho durante el transcurso de la cinta, pero nos transmite un torbellino de emociones y sentimientos con sus gestos, silencios y miradas. Podemos comprender al cien por cien cada una de sus sentimientos, lo que consigue que Frances acabe por desaparecer tras su sombra, haciéndonos realmente difícil distinguir quien interpreta a quien.

El resto del reparto tiene actuaciones igual de destacadas, ofreciéndonos momentos muy emotivos, en particular me refiero a ciertas escenas interpretadas por Linda May y Swankie. Es de agradecer que la mayoría no fueran actores profesionales sino nómadas que se interpretan así mismos. El acercamiento de la cinta al documental se hace posible por medio de recursos como esos.


‘’Nomadland’’ es una historia común de gente común que sigue conduciendo a través de los duros y terribles caminos que les presenta la vida, a veces cuando quedan pocos motivos para seguir en el camino. Personas que no parecen necesitar de mucho para vivir y que lo comparten todo de otro modo, lo material y lo afectivo, mostrándonos otro tipo de vida posible.

La última cinta de Salvador Calvo toma su inspiración en las escalofriantes noticias de extrañas desapariciones ocurridas en el norte de la India cuando hace 20 años el director planeaba visitar la zona. Al valle del Kullu se le conoce como ''El triángulo de las Bermudas de la India'' (un lugar bello, misterioso y remoto al que muchos turistas despreocupados acudían buscando conectarse con su parte espiritual o desconectar de su rutina diaria, pero en el que encontrarían su último destino).


De este modo también arranca la historia de ''Valle de sombras''. Con un guion escrito por Alejandro Hernández, la cinta pronto nos presenta a Quique (un despreocupado y alegre turista deseoso de vivir emociones fuertes), su novia Clara (que acaba de recuperarse de una grave enfermedad y aún tiene secuelas físicas y emocionales sin sanar) y el pequeño Lucas (que es hijo de Clara). Una decisión de última hora y las ansias de Quique por conocer el verdadero Himalaya acaban por conducirlos al valle del Kullu donde unos bandidos los sorprenden en mitad de la noche, haciéndolos sufrir una agresión brutal. Confuso y destruido por la culpa, Quique será rescatado por un nativo que le dará cobijo en su aldea. Allí deberá permanecer hasta el invierno, mientras el rio se congela permitiendo una salida al pueblo. Durante su retiro deberá aprender a lidiar con el dolor, el duelo, la angustia y una culpa abrasadora que amenaza con consumirlo.


El apartado técnico de la cinta es impresionante. Esto se debe a que las localizaciones son reales. Se ha rodado toda la cinta en regiones del norte de la India como Himachal Pradesh y Ladakh lo que proporciona un material sobresaliente que nos hace sentir la belleza y la desolación del paisaje fotografiado de forma notable por Alex Catalán. Leí en una entrevista que todo el equipo tuvo muchas dificultades para rodar en la India pero al final consiguieron superar todos los obstáculos y solo tenemos que ver la cinta para darnos cuenta de que el tremendo esfuerzo que han realizado ha merecido la pena. En el casting encontramos a un montón de actores y actrices nativos sin experiencia previa, lo que le aporta veracidad a la historia y nos hace sentir que estamos realmente en la India.


La trama nos describe dos viajes, siendo el segundo de ellos el más importante al definir toda la historia y su sentido. El primero es el que realizan Quique, Clara y Lucas a la India y el segundo es el que emprende en solitario un abatido y destrozado Quique que debe sanar sus terribles heridas emocionales y regresar a casa aceptando lo ocurrido y aprendiendo a perdonarse así mismo (tal vez el perdón más difícil que debemos conceder). De este modo, el perdón (a nosotros mismos) y la aceptación (de la muerte, el horror, la injusticia y el daño) se convierten en el motor de la cinta. Y es que a veces, los mayores viajes comienzan y finalizan en nuestro propio interior haciéndonos luchar contra nuestros demonios internos al enfrentarnos a situaciones dramáticas e inesperadas.


Miguel Herrán realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera. Lejos quedan los papeles que lo dieron a conocer como su primera incursión en el cine ''A cambio de nada'' o sus papeles en las series ''Elite'' y ''La casa de papel'' o el film ''Hasta el cielo''. Esta es su interpretación más madura y compleja con un personaje que le ha hecho avanzar mucho en su trayectoria como actor. Lo acompañan las actrices Susana Abaitua y Alexandra Masangkay y el joven Iván Renedo con actuaciones muy emotivas y conmovedoras. Los actores locales como Morup Namgyal y Stanzin Gonbo junto al resto del elenco nativo también realizan grandes interpretaciones.


En resumen, podemos decir que ''Valle de sombras'' es una cinta para ver en pantalla grande en nuestros cines y disfrutar de la espectacularidad de sus paisajes. Una muestra más de que tenemos motivos suficientes para estar orgullosos del cine patrio y de que la cosecha de los Goya de este 2024 va a reunir lo mejor de lo mejor.


No es una cinta inolvidable, pero se deja ver con una historia que atrapa y te entretiene al conseguir la dosis justa de thriller, drama y aventura. Mucho mejor que cintas anteriores de Salvador Calvo como ''Adú''. Si se os presenta la oportunidad, tenéis que verla en el cine.

Acostumbrados a la versión clásica de la sirenita todavía nos choca ver a mujeres pez que no son mas que depredadoras que se sacian de la sangre humana de todo hombre que se cruza en su camino. Esta película abandona el cuento de hadas para adentrarse en una macabra y perversa historia que roza el musical, el surrealismo y el genero freak, pero todo ahí que decirlo.
Lo hace con bastante clase. Mezclar tantos géneros en una cinta y salir con un resultado pasable no es algo que pueda hacer cualquiera.
The Lure nos habla de dos hermanas sirenas que ascienden a la tierra atraídas por la música y comienzan a trabajar en un cabaret de Varsovia. Sorprende que desde el primer momento su condición sea desvelada y que absolutamente a nadie le sorprenda. Es mas, se convierte en una pieza mas del repertorio pero que apenas consigue despertar interés en los espectadores. Y es que vivimos en una sociedad donde ya nada sorprende, donde hemos hecho una cultura de lo raro.
Lo peculiar y autentico hace tiempo que desaparecieron y se convirtieron en un truco mas de publicidad.
Las personas que acuden al cabaret solo buscan ver a dos chicas jóvenes desnudas, que sean una criatura mitológica no es importante.
Mucha gente odiara esta cinta y vera absurdo su planteamiento pero solo por ese discurso me he atrevido a hacer una critica. Porque The Lure destroza los cuentos de hadas y nos muestra como sacrificar tus piernas por tu amor verdadero no te hará conseguir retenerlo hasta la eternidad.

Antes de empezar está critica tengo que dejar claro que me considero una enamorada del cine de Leos Carax. Lo conocí con ‘’Mala sangre’’ de 1986 y me fascino su manera de fusionar los sentimientos de los personajes principales con una magnifica banda sonora creando varias secuencias memorables como esa en la que el protagonista descubre que está enamorado y ejecuta una danza al ritmo de ‘’Modern love’’ de David Bowie. Y aunque el argumento de esta cinta resultaba bastante extraño en su concepción, el mismo Carax escribió el guion, tenía un encanto autentico y realmente cautivador. Después le seguí la pista con ‘’Los amantes del Pont Neuf’’, otra de mis cintas favoritas y que me despierta muchos buenos recuerdos. Como director tenía algo realmente autentico e imposible de encontrar en otros cineastas. Resulta bastante difícil tener un sello personal en esta industria, algo que te identifique y te diferencie del resto. Sin embargo, él lo tenía. Su cine era único e inigualable. Llegaba a los sentidos y atrapaba las emociones. Te traspasaba.


A pesar de ello, considero ‘’Annette’’ como el patinazo más celebre y sonado de su carrera. Para empezar, es una obra demasiado personal. Tanto que el mismo Carax hace un cameo junto a su hija al principio de la cinta. Por cierto, esta cinta tan esperpéntica la dedica a ella y viendo esto imagino que ha debido de ser un padre bastante lamentable. Toda la historia de ‘’Annette’’ gira en torno a una pareja de artistas bastante peculiares interpretados por los famosos Adam Driver y Marion Cotillard. Él es un humorista adicto a los aplausos y acostumbrado a recibir a un efusivo público que adora su humor negro. Ella es una célebre soprano amada por su sorprendente voz y por su inolvidable manera de morir bellamente en cada una de sus funciones. La unión de ambos dará vida a Annette, una niña de madera en la que cada uno de los progenitores proyectará los sueños y la fama no alcanzados junto al ansia por obtener una venganza feroz. Es decir, que usaran a su inocente hija como un títere mediante el cual pueden hacerse daño el uno al otro y cebar su ego. Vamos, un clásico de la paternidad. Está a la orden del día.


El tema del divorcio, los problemas de pareja, el maltrato y la explotación infantil ya ha sido abordado muchas veces por el mundo del cine y he de decir que de una manera mucho más brillante que la que emplea Carax. Por ejemplo, en 2011 conocimos a través del mundo del cine la historia de Eva Ionesco explotada por su madre, la fotógrafa Irina Ionesco, sin piedad desde su más tierna infancia. Obligaba a su hija a posar de manera sensual, con lencería o a veces incluso desnuda, ante ella y otros compañeros fotógrafos, hasta el punto en el que causo graves trastornos en la vida de su hija. ‘’My Little princess’’ de Eva Ionesco nos enseñó los excesos de una paternidad toxica, en la que la fama no alcanzada por un progenitor alcanzaba al vástago como un rayo que le partía la vida en dos, proyectando en el todas sus neuras y siendo un claro ejemplo de un abuso de poder brutal, que dejaba marcas imborrables en su existencia. Y si bien no nos había quedado claro lo mucho que se le puede joder la vida a un hijo, en 2017 llegaba Andréi Zviáguintsev y nos daba un puñetazo en el estómago con ‘’Loveless’’, la historia de un niño que vino al mundo sin amor, fruto de un matrimonio disfuncional de dos adultos que lo olvidarían cuándo su inestable relación se rompiera. Y es que, aunque nuestro amigo Carax quiera resultar innovador y rompedor, no hace falta usar la maravillosa e intelectual metáfora de un niño de madera que solo quiere ser de carne y hueso cuando se quiere hablar de maltrato en la infancia y explotación infantil.


Hay una frase que dice que quien no arriesga, no gana. Pero hoy en día ser innovador a menudo suele ir acompañado de un fracaso estrepitoso y eso es lo que ha resultado ‘’Annette’’ en todos los sentidos. Carax ha traicionado la emotividad y coherencia de la historia por el estúpido factor de la sorpresa a cambio, claro está, de la inteligencia por parte del espectador. No sé al resto, pero en mi caso fue ver aquel maldito engendro de madera y perdí todo el interés por la cinta. Me pareció un espectáculo totalmente bochornoso y ridículo, propio de un mago de pacotilla. Y siento muchísimo decir esto de Leos Carax, a quien admiraba tanto, pero su nueva cinta hace aguas por todos lados. Ni siquiera una correcta fotografía y el elenco de actores famosos que acompañan la cinta logran salvarla de la ciénaga en la que su propio guion la hunde. Usar a una actriz tan elocuente como Marion Cotillard para semejante broma de mal gusto es inaceptable. Lo mismo para Adam Driver. Ya de por sí, no me suelen gustar los musicales(con algunas magnificas excepciones) pero es que este esperpento ni siquiera se puede denominar como tal. Simplemente es un tipo de cine experimental de ese que hacen los directores cuando ya llegan a cierta edad y no les queda nada con lo que probar o sorprender.


‘’Annette’’ es la hija tullida de la filmografía de Leos Carax. Y lo peor de todo es que a pesar de su lamentable aspecto exterior, no se puede decir siquiera que resulte interesante. Su excesiva duración tampoco ayuda y consigue que pases 140 minutos reprimiendo un bostezo que no para de perseguirte durante todo su recorrido.

‘’La caza’’ es una de esas pequeñas sorpresas que por su propuesta gamberra, desenfadada y extremadamente irónica son capaces de cautivar al que acudió a ellas en primer término con cierta reticencia a dejarse embaucar por sus supuestos encantos.


Y es que estos supuestos, una vez enumerados uno a uno, llegan a ser muchos. Bajo una dirección inteligente y un guion hábilmente ideado, llega hasta nosotros una película donde el humor negro, la sátira política y lo irreverente se dan la mano hasta extremos impredecibles. Uno de los mayores aciertos del film es suponer mucho más de lo que aparenta a simple vista. De este modo, una película que podría asemejarse por lo ‘’simple y predecible’’ de su argumento a la Purga, va creciendo a lo largo de su recorrido para demostrar que no se puede juzgar un libro por su portada.


Y es que empezamos la cinta con un grupo de personajes amordazados que aparecen en un campo sin saber donde se encuentran o como han llegado hasta allí. Han sido presas de un grupo de snobs pedantes que se hacen llamar la elite liberal y desde el preciso instante en que son conscientes de ello, deberán luchar por sus vidas, siendo un puñado de armas lo primero que le entregan sus captores. Desde el minuto uno empatizamos con el personaje de Emma Roberts, la cual creemos que va a ser la protagonista principal. Al minuto descubrimos que nos equivocamos y centramos nuestra atención en Justin Hartley. Nos tienen dando vueltas de este tipo unos quince minutos, hasta que por fin nuestra atención recae sobre la única y principal protagonista; Betty Gilpin, quien encarna uno de los mejores papeles de su carrera dándole vida a la intrépida y cínica Crystal (Snowball para algunos). Y es que, a diferencia de sus compañeros, la propia Crystal merecería una película en sí misma, ya que su actuación crea la aparición de un personaje a la altura de cualquier criatura de Tarantino y nos llega a recordar a otras cintas como Kill Bill. El humor recurrente que se utiliza se asemeja bastante al de las primeras películas de Tarantino, donde la violencia, lo gore y el sadismo formaban parte de un desenfado vals que uno bailaba de forma desenfrenada y del que se disfruta hasta el final.


Dicho esto, cabe destacar que Crystal, a diferencia de sus compañeros emerge como la superviviente más hábil y preparada. Fue soldado en Afganistán y todo lo que aprendió le ayudara a poder sobrevivir un poco más que el resto de sus compañeros.


Con lo único que no cuenta la hábil Crystal, es con que su propio secuestro y el de sus compañeros forme parte de un plan concebido de forma meticulosa y no tan al azar como pensaban. Todos han sido seleccionados por un motivo concreto que se desvela al final. Sin embargo, la conclusión del film no deja títere con cabeza. Por un lado vemos a un grupo de supuestos paletos que están a favor del uso y la tenencia de las armas, de carácter racista, misógino, homofobo, a favor de la caza y extremadamente patrióticos… Conservadores en su sentido más estricto. Votantes ideales de Trump que se adaptan bien al modo de pensar de un gran sector actual de Estados Unidos. Por otro lado, tenemos a un grupo de snobs cínicos y con aparente ideología liberal. En contra de las armas, de la violencia, del maltrato y la explotación animal, del racismo, del machismo, del abuso de poder y hasta del azúcar pero que no tienen inconveniente alguno en usar armas para ejercer esa violencia que tanto critican, drogar, secuestrar, maltratar, humillar y asesinar a sus propios congéneres. Reflejando de este modo la hipocresía irrisoria que configura su personalidad. No es de extrañar que Trump la censurara durante tanto tiempo porque refleja fielmente los diferentes sentires de Estados Unidos en la actualidad y lo absurdos que se antojan al final tanto unos como otros.



Llegados a este punto, nos damos cuenta de que la mayor virtud de la película es su amplia capacidad para reírse de sí misma y no tomarse nada en serio. ‘’La caza’’ puede no ser un film notable, pero cumple su contenido de principio a fin y nos entretiene y divierte por partes iguales, algo que en la industria actual ya es mucho. Sus quince primeros minutos nos atrapan y en sus quince últimos minutos se llega a un clímax acertado e hilarante, con escenas emblemáticas.


Además de ello, llega a hacer una pequeña critica al uso y la difusión masiva de las fake news y como estás pueden acabar por resultar incluso mas importantes que la propia realidad, llegando a hundir la vida y la reputación de muchas personas y alimentando absurdas creencias colectivas sin base o fundamento.