*De tal palo, tal astilla

Los Vigilantes recuerda al mejor cine de M.Night Shyamalan. Y aunque parece ser que sus últimos proyectos no han cuajado, de vez en cuando nos vuelve a sorprender. Así que ponerla junto a lo mejor de su padre es decir mucho ya que durante años ha sido uno de los directores mas queridos por los fans del cine fantástico. Parece ser que su hija ha aprendido muy bien de él y nos entrega una película que tiene todas sus claves.

La protagonista tiene un trauma que vamos a ir descubriendo durante el metraje (que recuerda al Mel Gibson de Señales); la información se nos oculta al espectador y al personaje protagonista y se nos va revelando poco a poco como en El Bosque; hay un giro de guión que te deja torcido (y funciona como en casi todas las películas de su padre) y hay un elemento fantástico como podríamos encontrar en La chica del agua o en El Sexto Sentido.

Para resumir, Los Vigilantes sabe llevar la tensión y el suspense des de su primera secuencia. Durante la mayoría de su metraje funciona como un thriller de suspense en el que se dosifica la información poco a poco para que sea fácil de asimilar tanto para el espectador como para el personaje protagonista. Finalmente tenemos el giro famoso que va a desencadenar el final de la película. Hay que decir que este no es un giro final a lo Sexto Sentido, es casi un giro a mitad de película. Los Vigilantes tiene una producción barata, ya que utiliza pocos espacios y los utiliza bastante pero se nota que se ha exprimido el presupuesto para que luzcan lo mejor posible. Es una cinta con una calidad de producción destacable.

*Enseñar o no enseñar el monstruo

Por los trailers y la sinopsis está claro que Los Vigilantes tiene alguna especie de monstruo. Tranquilos, no os voy a contar que es, pero podéis ir intentándolo descubrir a modo de juego a medida que veis la película.

El tema es: ¿Es mejor enseñar o no enseñar al monstruo? Yo siempre estoy a favor del si. Des de que vi ese ojo en el compactador de basura en Una nueva Esperanza cuando era muy pequeño siempre me ha fascinado saber como son los monstruos del cine. Y me parece genial que se juegue durante todo el metraje con no enseñar casi nada. Pero me encanta cuando se decide destapar la sábana y revelarnos lo que nos han estado ocultando. En el caso de Los Vigilantes ocurre así y me guste mas o menos el diseño creo que funciona muy bien. Le ayuda también el diseño sonoro, que es perturbador.

*Conclusión

Los Vigilantes es un buen debut. La ópera prima de Ishana Shyamalan recuerda a lo mejor de su padre. Tiene tensión, sabe dosificar la información, tiene un giro de guión y elementos fantásticos. Todo lo que nos dió su padre en sus primeros años de carrera. Si algo malo le saco es que, sobretodo al inicio, abusa un poco demasiado del recurso de los "jumpscares". Admito que en el primero pegué un buen bote en la butaca.

Escrito por Daniel Buron

*Un momento dulce

Dentro de lo que es Hit Man Asesino por casualidad hay una pieza que destaca por encima de todas las demás: la interpretación de Glen Powell. El actor tejano da vida a un profesor de filosofía que aparenta ser de lo más normal, pero que en secreto lleva una vida de riesgos colaborando en operaciones encubiertas para la policía. El trabajo de Powell encarnando a Gary Johnson es tremendo, pues sus labores como falso asesino a sueldo hacen que su personaje adopte diferentes personalidades según el caso a tratar, permitiéndole cambiar el registro actoral a placer y exhibir todo su repertorio. Además, no solo actúa, también coescribe el guion junto con el veterano Linklater, siendo Hit Man Asesino por casualidad el cuarto trabajo que realizan juntos tras Fast Food Nation (2006), Everybody Wants Some!! (2016) y Apollo 10 ½: A Space Age Childhood (2022).

No cabe duda de que Glen Powell atraviesa uno de sus mejores momentos desde que debutó en la gran pantalla en el año 2003 con Spy-Kids 3-D: Game Over. El actor estrenó el pasado año Anyone But You junto con Sydney Sweeney y, en 2022, tuvo su aparición en Top Gun: Maverick, una de las películas del año. Pero Hit Man es, posiblemente, su mejor trabajo hasta la fecha.

*El guion como base

Hit Man Asesino por casualidad es puro guion y —además del amor— trata el tema de la identidad. Gary Johnson se disfraza, cambia de peinado o modifica su acento para aquellos que buscan sus servicios hasta tal punto que hay momentos en los que no sabemos si el que está tomando las decisiones es el profesor de filosofía que se presenta al inicio del film o un alter ego del mismo. De hecho, el propio Johnson hace referencia a la teoría del psicoanálisis freudiana que alude a este problema.

Las situaciones que se dan son cada vez más rocambolescas y los gags utilizados para resolverlas destacan muy por encima de la manera en que se nos presenta la propia escena. Es decir, es una película de contenido, donde la forma se camufla para dar lugar a un producto cuyas características son, a veces, las propias de una sitcom.

*Conclusión

Hit Man Asesino por casualidad se estrena como una buena alternativa para abrir la temporada veraniega. Una comedia ligera y tremendamente divertida que, sin embargo, no finaliza de igual manera que empieza. Los personajes toman decisiones un tanto inverosímiles y el desenlace es totalmente precipitado e irreal, pero aún así los gags funcionan a la perfección y cada vez que Gary Johnson aparece en pantalla con un nuevo aspecto es un despiporre total.

Escrito por Alejandro Sanjuán Giménez

*La hermandad por encima de todo

Puede entenderse como una oda de amor hacia la hermandad y los vínculos familiares. Una historia coming of age completamente diferente a lo que habíamos visto hasta ahora. La directora ha decidido representar con total delicadeza y claridad la experiencia de estas niñas, que lo han perdido todo. Pero, encuentran en su vínculo irrompible de hermanas su mayor apoyo y lazo de resistencia. Vemos la calidez y cariño que hay en la relación entre ellas en mitad de la crudeza y los problemas que les rodean diariamente.

Mika Gustafson nos presenta una visión melancólica, pero a la vez divertida, de la vida de estas tres niñas, que parece casi sacada de un sueño pero que, al mismo tiempo, se ve completamente natural y realista. Existe una especie de realismo mágico que envuelve su experiencia. Y, a veces, puede llegar a parecer que su guion es un poco caótico y nos va mostrando escenas de la vida de estas niñas de forma aleatoria. Sin embargo, consigue emocionarnos en todo momento y conectar todos los puntos cuando llega al tramo final.

*Tres grandes jóvenes promesas

Aunque, lo más destacado de Paradise is burning es, sin duda, la dirección actoral. Las interpretaciones de estas tres jóvenes actrices consiguen, en medio de la tragedia y la soledad, dotar de naturalidad a sus personajes. El espectador no llega a cuestionarlas, sino que empatiza con ellas y despiertan un deseo innato en el espectador por protegerlas. Resulta sorprendente como tres actrices no profesionales, tan jóvenes, descubiertas casi por casualidad, pueden llegar a desarrollar un vínculo tan real. Hacen que en ningún momento lleguemos a cuestionar su relación de hermanas.

Por su naturaleza, podríamos relacionar Paradise is burning con el de otras jóvenes directoras europeas que han presentado recientemente también sus primeros largometrajes, como Aftersun (2022) o Verano 1993 (2017). Comparten esa visión femenina sobre la adolescencia y la juventud que no habíamos visto hasta el momento en la gran pantalla. Una forma de representar la experiencia femenina durante las primeras etapas de nuestras vidas que está llena de verdad y de compasión. Con mujeres protagonistas fuertes que son capaces de sobrevivir ante cualquier adversidad.

*Conclusión

En conclusión, Paradise is burning es un relato sobre los miedos, las incertidumbres, la rebeldía y la experiencia femenina desde la niñez hasta la primera juventud. Un largometraje completamente realista sobre la vida de estas tres jóvenes, que la directora refleja con completa sinceridad y admiración. Una historia que es importante y que quedará en la memoria de los espectadores durante mucho tiempo.

Escrito por Maria José Cánovas

*Un enfoque auténtico y sin concesiones

Dirigida por Lise Akoka y Romane Gueret, Los peores es una película que se adentra en las vidas de los adolescentes más problemáticos de la barriada Picasso en Boulogne-Sur-Mer, al norte de Francia. La dirección de Akoka y Gueret es auténtica y sin concesiones, capturando la crudeza y complejidad de la juventud marginada con una sensibilidad y un realismo que resuenan profundamente. La elección de trabajar con jóvenes no profesionales añade una capa de autenticidad a la película, difuminando las líneas entre la ficción y la realidad de manera efectiva.

*Juventud marginada en primer plano

Los jóvenes actores elegidos para Los peores, provenientes de la propia barriada, ofrecen interpretaciones crudas y sinceras que reflejan sus propias experiencias y desafíos. La autenticidad de sus actuaciones es uno de los puntos más fuertes de la película, ya que cada uno de ellos aporta una verdad y vulnerabilidad que enriquece la narrativa.

Los adolescentes seleccionados para el rodaje, aunque inexpertos en el arte de actuar, transmiten una emocionalidad y una realidad que serían difíciles de alcanzar con actores profesionales. Su interacción en pantalla es natural y cargada de tensión, reflejando los conflictos y las esperanzas de sus personajes de manera veraz.

*Ficción y realidad

La trama de Los peores gira en torno a un director de cine que elige a los adolescentes más complicados de la barriada Picasso para participar en su película. A través de esta premisa, la película explora los límites de la ficción y la realidad, y las consecuencias emocionales y sociales para los jóvenes involucrados. Cada uno de ellos enfrenta sus propios problemas dentro y fuera del set, y la narrativa cuestiona qué sucederá con ellos una vez que el rodaje termine.

Los peores aborda temas como la marginalización, la identidad y el impacto del arte en la vida real, ofreciendo una reflexión profunda sobre el poder y las responsabilidades del cine. Las tensiones entre los personajes, tanto en la ficción como en la realidad, crean una dinámica rica y compleja que mantiene al espectador inmerso en la historia.

*Realismo y crudeza en cada fotograma

Visualmente, Los peores destaca por su estilo documental y su cinematografía realista. Las elecciones de encuadre y la iluminación natural ayudan a crear una atmósfera que refleja fielmente el entorno de la barriada Picasso. La cámara sigue a los personajes de cerca, capturando sus expresiones y emociones de manera íntima y directa.

La fotografía de la película es cruda y sin pulir, enfatizando la realidad dura de la vida en la barriada. Este enfoque visual contribuye a la autenticidad del filme y permite al espectador conectarse más profundamente con los personajes y sus historias.

La banda sonora y el diseño de sonido complementan la atmósfera de la película, añadiendo una capa adicional de realismo y emotividad. La música utilizada es minimalista, permitiendo que las voces y sonidos del entorno destaquen y añadan profundidad a la narrativa.

*Conclusión

Los peores es una película que destaca por su enfoque auténtico y sin concesiones hacia la juventud marginada. La dirección de Lise Akoka y Romane Gueret, junto con las actuaciones sinceras de los jóvenes actores, ofrece un retrato profundo y conmovedor de sus vidas y desafíos.

Los peores se presenta como una obra cinematográfica significativa que invita a la reflexión sobre la marginalización, la identidad y el poder transformador del arte. A través de su narrativa realista y su estilo documental, la película nos recuerda la importancia de dar voz a aquellos que a menudo son ignorados y ofrece una mirada penetrante a las vidas de los adolescentes más complicados, los verdaderos protagonistas de esta conmovedora historia.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Los escualos vuelven al cine

En las profundidades del Sena, viene a ser otro eslabón más en una cadena que empezó a forjarse hace casi cincuenta años. Desde la justamente mítica Tiburón (1975), la cantidad de exploits, derivaciones y variaciones han dado para cubrir, con mayor o menor éxito, una buena cantidad de carteleras. El caso ir rascando nuevos puntos de partida, que puede ser a base de cambiar de depredador, y usar pirañas, cocodrilos, anacondas, etc. También se puede optar por cambiarlos de localización y hacer que asolen ciudades, p ej. por eventualidades meteorológicas, como en la cutre y zumbada saga de Sharknado.

En las profundidades del Sena, como bien se indica ya en el título, lleva la acción nada menos que a París, en una época preolímpica donde, casualidades de la vida, se va a celebrar en el Sena una prueba de triatlón como evento previo a los Juegos Olímpicos. Imaginen el destrozo que puede hacer ahí un tiburón. El punto de partida en sí no es malo, y tiene varias posibilidades para distintos enfoques. Se puede optar por un desmadre gore, erótico-festivo a lo Piraña 3D (2010), o bien acogerse a las formas de una película de catástrofes, con un toque más sombrío. En realidad, Xavier Gens se aleja de los postulados de Alexandre Aja y va más hacia la segunda opción.

Pero siempre quedándose en tierra de nadie, incidiendo en una ambigüedad tonal que incluye pasajes de tremendismo sanguíneo pero rodados de tal forma que ni hieren, ni hacen mella. Lo extraordinario rodado de manera ordinaria y perdiendo su potencial. Si vamos desmenuzando la historia, justo es decirlo, podremos ir viendo algunos momentos curiosos, no tan esperables como cabría suponer.

*Del Pacífico a París

En las profundidades del Sena, comienza su argumento con una expedición de protectores de los océanos que llega a lo que se da en llamar "el séptimo continente" (nada que ver con la peli de Haneke). Esto es, la gigantesca isla de plástico situada en el Pacífico y formada por una colosal acumulación de plásticos y residuos similares. La expedición monitoriza a la fauna marina, principalmente tiburones, mediante balizas para seguir su evolución. En este viaje toma parte Sophia (Bérénice Bejo), que viene a ser una de las escasas supervivientes, toda vez que un descomunal tiburón aniquila a la mayoría de la tripulación a velocidad ultrasónica. Incluyendo al marido de Sophia.

Tres años después, con Sophia ya en París, una activista ecológica llamada Mika (Léa Léviant) le muestra cómo su grupo ha localizado, cosas de la informática, al tiburón que acabó con la vida de su marido y de sus amigos. Y que, atención, se encuentra en París. Sin duda, es una idea muy tarada que un tiburón pueda remontar el Sena hacia París y ello puede hacer arquear la ceja a aquellos que buscan verosimilitud a toda costa. La verdad es que el guion ventila cuestión en un par de líneas. Y todo viene siendo culpa de la incalculable contaminación del agua como agente de una mutación.

Y menudo ojo tiene el tiburón. De todos los cursos fluviales de todas la ciudades del mundo tuvo que elegir París. O eso debe pensar Sophia cuando certifica ella misma la situación y ha de enfrentarse a su pasado. Y de aquí en adelante los acontecimientos se escalonan aumentando de intensidad.

*La tempestad y la calma

En las profundidades del Sena gestiona su guion de dos formas. En gran medida la historia se basa más en el thriller que en el terror explícito, valiéndose para ello de una carrera contrarreloj por localizar al tiburón y neutralizarlo. Gens utiliza con cierta habilidad algunas irregularidades de la superficie del Sena para inducirnos a la duda sobre si el escualo se encuentra en un determinado sitio o no. O en algunas escenas de inmersión la turbiedad propia del río parisino nos veda de poder confirmar la presencia del tiburón. Por no mencionar el titilante dispositivo de seguimiento del ordenador. Xavier Gens muestra cierto tino a a la hora de manejar esta tensa calma.

Una parte más reducida del guion se basa en un festival de mordiscos, amputaciones y picadillo para tiburón. Según nos acercamos al final todo va tendiendo a ser más hiperbólico. Aquí la cosa tiene más objeciones. Es curioso que, perteneciendo, aunque solo sea por Frontière[s] (2007) al nuevo extremismo francés, Xavier Gens no utiliza un gore hiriente, o bestia, pasando por alto situaciones de gran crudeza anatómica. Deja incluso la sensación de algo de desgana. Y es algo frustrante que algunos aspectos muy locos no tengan correlato visual.

El guion tiene mala baba en algunas cosas. No puede faltar en una película de tiburones hambrientos la figura de autoridad con más apego al dinero y a la imagen pública que a la seguridad de sus conciudadanos. Todos recordamos al nefasto alcalde de Amity en Tiburón. Pues bien, en En las profundidades del Sena, la alcaldesa de París (quién sabe si un trasunto de Anne Hidalgo, en cuyo caso puede darse por ofendida) es una perfecta cantamañanas que entorpece por mezquinos intereses la lucha contra la amenaza que supone el tiburón.

*Lo visual en En las profundidades del Sena

En las profundidades del Sena no es una película que destaque demasiado en el apartado visual. Los cgi, por ejemplo, son más bien mediocres y solo un par de peldaños por encima de las producciones de Asylum. Cierto que en algunas escenas de inmersión hay ciertos detalles de iluminación, pero todo sucumbe bajo un aspecto estándar que sabe demasiado a telefilme. El diseño de los tiburón tampoco es nada del otro jueves y cuando se muestra, se hace a base de fulgurantes ataques relámpago donde a veces no es fácil distinguir siquiera una aleta. Quizá todo ello para que la película no sea tan cruda, y es que da la sensación de que Xavier Gens parece un león enjaulado.

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Escrito por Mariano González