El griego Yorgos Lanthimos dirige y co-escribe la historia de un hombre abandonado por su esposa que debe ingresar a un refinado hotel para lograr encontrar, en el plazo máximo de 45 días, una pareja compatible con quien casarse. Si no lo consigue, regresará al mundo como un animal, para vivir el tiempo que le corresponda según las reglas de la naturaleza y de esta onírica civilización. Catalogada como una comedia negra, esta película de autor sorprende de manera positiva en su planteamiento inicial, pero se vuelve repetitiva en su desarrollo y pierde fuerza visual en su segunda mitad.

Colin Farrell es David, el aturdido protagonista que ha elegido ser una langosta en caso que no conseguir mujer en el tiempo límite. Físicamente su papel recuerda al Theodore de Joaquin Phoenix en Her, desprovisto de atractivo, con un anacrónico bigote y una prominente panza. Ambos casos también están asociados con su percepción acerca de la soledad y el miedo a quedarse solo, aunque sus motivaciones sean diferentes. Rachel Weisz aparece en la segunda parte como una de las solteras rebeldes que David conoce en el bosque. Ambas actuaciones son bastante convincentes y se convierten en uno de los puntos fuertes de la película.

Otra de las fortalezas es la música incidental que acompaña la acción del film y resalta los momentos de mayor sorpresa, así como el diseño de producción de la primera mitad, focalizado en la decoración y los personajes del hotel para solteros. Sin embargo, el guión presenta altibajos debido a la reiteración de situaciones que se suponen que debía reforzar la idea inicial de solteros vs. casados, pero que junto con el ritmo lento de la historia produce la sensación de estar viendo una obra que no va a ninguna parte.

Película rara, extraña, con diálogos surrealistas que producen sorpresa y gracia, y escenas con mucho arte como el baile y las comunicaciones en silencio entre Farrell y Wiesz. Aunque el recuerdo que queda al salir del cine sea el de haber visto una locura original, que es entretenida por partes y poco más.

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El director argentino Santiago Mitre hace un excelente uso del lenguaje cinematográfico en una cinta que ha sido galardonada en distintos festivales. Si a eso le sumamos las grandes interpretaciones de Dolores Fonzi y del enorme Óscar Martínez, la película se convertiría en una de las mejores del año si no fuera porque su desenlace queda desbalanceado respecto al trabajado guión que se desarrolla de manera efectiva durante casi toda la obra.

Paulina (Dolores Fonzi) es una joven abogada quien a pesar de contar con un prometedor futuro en Buenos Aires, decide quedarse en su ciudad de origen -Posadas, cerca del límite con el Paraguay-. Paulina forma parte activa de un proyecto educativo en uno de los pueblos marginales de la ciudad, en contra de la opinión de su padre (Óscar Martínez) -un reconocido juez de la provincia-. Una semana después de iniciar las clases, Paulina es violada por una pandilla (“la patota”, título original del film) que está formada por algunos de sus alumnos.

Es a partir de ese momento en que la trama comienza en sí. El director y coguionista se inspira en una clásica película argentina de 1961 –protagonizada por la televisiva Mirtha Legrand- no para hacer un remake, sino para plantear un discurso político-moral entre una mujer que quiere conocer el porqué de la actuación de sus abusadores y el resto de la sociedad (su padre, su novio y sus colegas) que quieren el castigo judicial de los mismos.

Filmada con cámara en mano, con largos planos secuencia en donde se puede disfrutar de la gran actuación de sus actores principales, cuenta además con una cuidada edición, que intercala flashbacks con escenas vistas desde diferentes puntos de vista. La película mantiene la tensión durante su metraje aunque al final deja sin ofrecer (o a la libre opinión del espectador) la respuesta a los dilemas planteados con mucho arte durante su hora y media de duración.

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El principal gancho de “Truman” es su pareja protagonista: Ricardo Darín puede sacar a flote cualquier película con grandes actuaciones y mucho carisma, y el talento de Javier Cámara tiene tantos registros que bien te saca un llanto que una carcajada. El director y guionista Cesc Gay los junta para presentar una historia de duro trasfondo, como puede ser la de un enfermo de cáncer desahuciado, pero llevado sin sensiblerías y con mucho humor.

Tomás (Cámara) es un matemático español que vive en Canadá mientras Julián (Darín) es un actor argentino, diagnosticado con cáncer desde hace algunos meses, que trabaja en Madrid. Ambos son amigos de la juventud, de cuando compartieron piso, amistades y lugares. Tomás, enterado de la enfermedad de su colega, viaja para reencontrarse con su amigo y pasar unos días con él y con Truman, el bullmastiff con quien Julián tiene una relación muy especial.

En esos cuatro días, Tomás acompañará a Julián a visitar a su médico, al veterinario de su perro, a una empresa funeraria y a los posibles padres adoptivos de Truman. Esto permite el cameo de grandes actores españoles como Eduard Fernandez, Javier Gutierrez o Pedro Casablanc. La actriz argentina Dolores Fonzi, como la prima de Julián que está siempre al tanto de su salud, aporta la cuota femenina del film con un intrascendente papel que sirve de enlace entre ambos amigos.

Rodado en locaciones de Canadá, Madrid y Ámsterdam, la película cuenta con la buena fotografía de Andreu Rebés, lleno de tonos cálidos y con unos primeros planos que permiten acercarnos con mucho detalle a la capacidad gestual de los actores. La música en sencilla e introspectiva, teniendo al roquero argentino Luis Alberto Spinetta como principal referencia. Los diálogos frescos y la sobresaliente química entre Darín y Cámara, hacen de Truman una película digerible, entretenida y risueña, a pesar de su conmovedor leitmotiv.

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sobre fondo negro para los créditos iniciales de las películas de Woody Allen. Además, los nombres de su equipo nos son tan familiares - Jack Rollins, Helen Robin, Santo Loquasto, entre otros- que su sola lectura nos trae recuerdos de grandes cintas del casi octogenario director. Y aunque “Irrational man” no será considerada como una de sus obras mayores, confirma la vigencia intelectual del gran Woody y su habilidad para escribir buenas historias.

El versátil Joaquin Phoenix se pone en la piel de Abe Lucas, un brillante profesor de filosofía que pasa por una crisis existencial debido a que su vida transcurre sin ninguna motivación. Su aspecto desaliñado y su enorme barriga no son obstáculo para atraer la atención de Rita Richards (Parker Posey), una colega universitaria infeliz con su matrimonio, y de Jill Pollard (Emma Stone), la mejor estudiante de su clase con quien empezará una relación de amistad. La vida del profesor Lucas da un giro de 180 grados cuándo, junto con Jill, escuchan por casualidad una conversación en la mesa contigua de un restaurante. Lucas encuentra el sentido de vivir, coqueteando con la ética y la moral que expone tan racionalmente en el aula.

Sus noventa y tantos minutos de duración se pueden dividir en tres partes: la primera media hora es un delicioso –y pedante- tratado express de filosofía, principalmente existencialista, con menciones al pensamiento de Kierkegaard, Nietzsche y la obra de Dostoyevski. La siguiente media hora se convierte en un divertido homenaje al cine de intriga, haciendo al espectador cómplice de la trama –al estilo hitchconiano-. La parte final es la más baja de las tres –y donde más se nota el “piloto automático” en la dirección de Allen- aunque la resolución de la historia se cierra de manera acertada con base en el discurso filosófico de la primera parte.

Las localizaciones son mínimas, con pocas escenas visualmente impactantes, y la banda sonora también es limitada aunque suficiente con el clásico “The ‘In’ Crowd” -en la versión instrumental de Ramsey Lewis Trio- que acompaña a Abe durante casi todo el film. Aunque no esté al nivel de Blue Jasmine o Midnight in Paris –por citar las mejores de la última década-, “Irrational man” es una entretenida película de humor negro que consigue mantener la atención con una constante sonrisa a cuesta.

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Lo más interesante de esta producción española –filmada en inglés- es mostrar lo que pasa más allá de las imágenes de destrucción y barbarie que suelen acompañar cualquier película de temática bélica. En “Un día perfecto” la acción se centra en un grupo de cooperantes que, a pesar de sus limitados medios, ofrecen todas sus fuerzas en pos de mejorar la difícil vida de los pobladores afectados, en este caso, por el conflicto en los Balcanes de la década de los noventa. La tensión se presenta cuando los obstáculos vienen de otros organismos que se suponen que tienen el mismo fin.

Basado en el libro “Dejarse llover” de Paula Farias, el reconocido director y guionista Fernando León de Aranoa –autor de “Los lunes al sol”- reúne un solvente reparto internacional que se convierte en una de las fortalezas del film. Benicio del Toro es el curtido líder de un equipo que tiene que sacar a un muerto del único pozo del pueblo antes de que éste se vuelva inutilizable. Se acompaña de Mélanie Thierry, experta en salubridad pero novata en misiones humanitarias y del divertido Tim Robbins, otro cooperante con mil batallas a cuesta, quien tiene una visión particular para solucionar las dificultades fuera de los cánones oficiales.

La principal problema de la película es que su argumento, atractivo pero sencillo, queda corto para un largometraje de 106 minutos de duración. A excepción del último cuarto de hora, el desarrollo es lento y algunas de las tramas secundarias –como la tensión sexual entre Del Toro y Olga Kurylenko, otra veterana cooperante que se integra al grupo a mitad de la película- no aporta nada al tema principal. Quizás es ese ritmo pausado lo que revaloriza a la discordante banda sonora –criticada por algunos-, con música de Ramones, Marilyn Manson y Lou Reed. Su estridencia anima las escenas de largos recorridos y solitarias carreteras.

Aunque está catalogada como comedia dramática, no tiene tanto ni de lo uno ni de lo otro, aunque existen algunos –pocos- diálogos que logran sacar una gran sonrisa. Filmado en las montañas de Granada, es destacable la fotografía de Álex Catalán –ganador del Goya de 2014 por “La isla mínima”- y el trabajado diseño de producción que nos traslada con acierto a un recóndito paraje de la antigua Yugoslavia. A pesar de sus flaquezas, es una película que deja una buena sensación al salir de la sala.

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