Hacia mediados de la década del 80 Wham! ya se había convertido en una banda de superestrellas con resultados de ventas asombrosos, que nos han hecho considerar que estos chicos británicos fueron algo más que un grupo de los llamados “one hit wonder” (grupos de éxito por una sola canción). Pensar solamente en temas como “Freedom”, “Club Tropicana”, “Wake me up before you go-go” y sobre todo el sensacional “Careless Whisper” con ese solo de saxo descomunal a cargo de Steve Gregory, ilustra mejor que todo la fama y la importancia mundial de este dúo de estrellas que fueron George Michael y Andrew Ridgeley.

La “whammania” era tan popular que no solo se los veía en posters donde lucían como figuras pop, sino que también se sirvieron del advenimiento del videoclip para plasmar a la banda como un ícono del espíritu de los 80. Comparables con otros supergrupos como ser A-ha, Duran Duran, Culture Club, Spandau Ballet.

El flamante documental que nos ofrece Netflix capta de maravillas la trayectoria del grupo Wham desde sus inicios hasta su separación. Esta dirigido por Chris Smith, conocido por sus más que atendibles y fascinantes trabajos anteriores como ser Fyre: La fiesta que nunca susedió (2019), Jim and Andy (2017) o La ola de 30 metros (2021).

Narrado casi en forma de diario y aprovechándose de la eficaz fotogenia de los dos cantantes, el documental es generoso con las muestras de sus coreografías, los cambios de looks y esos raros peinados nuevos propios de aquella época de creatividad y brillantina. Es algo risueño ver esos vestuarios de shorts, polainas y chalecos blancos a torso desnudo con los que brillaban en los videoclips.

Sabiendo un poco lo que ocurrió luego con la vida de George Michael, el tono festivo y colorido del documental también tiene el mérito en no ocultar cierto costado sensible de estos famosos artistas. Momentos en que se documenta por ejemplo su precursora excursión a China o las propias voces de audio de los cantantes donde nos comentan el complicado costo de “salir del placard” (ya sea porque a la industria no le convenia o porque no era nada bueno para su imagen).

Es curioso también oir en primera persona la obsesión de George Michael por ascender a los números uno en los Charts cuando unos pocos años antes no eran mas que dos amigos que se presentaron casi por casualidad en el programa de castings de cantantes Top of the Pops.

Sin el rellleno de una televisiva voz en off y con el testimonio propio de los dos protagonistas este bonito y entretenido documental cumple y dignifica con cierto tono vintage con lo que se propone: recordar a Wham!

Video musical del tema “Mayonesa” (2000) de la banda uruguaya Chocolate y dirigido por David Impelluso. Una de las canciones emblemáticas de la música tropical uruguaya que impactaron rotundamente en fiestas y discotecas en casi toda Latinoamérica durante fines de los 90 y principios de 2000. Se la recuerda inclusive en tándem con “Gelatina” (Nietos del futuro) o “Bicho bicho” (Los Fatales) donde las coreos y las letras pegadizas les jugaron muy a favor haciendo que su popularidad crezca notablemente, por no decir en forma exponencial.


El video de Mayonesa es sencillo y está bastante relacionado con la letra de la canción. Justamente está grabado en una discoteca en la que cuentan la historia de una pareja que se conoce en un boliche en el que hay un joven que se enamora de una chica (“con un tatuaje en la espalda, negra la minifalda, zapatos y el top”) que estaba bailando en la pista y se dio el encuentro cuando ella lo arrastro a la pista a danzar un baile misterioso.

Completa el videoclip lo más importante: una buena coreografía a todo color con pasos de baile grupales eficientemente captados por la cámara, con sus integrantes bailando y moviendo los brazos como batiendo mayonesa y una letra que desde el inicio nos invita a la pista pregonando “haciendo palmas arriba arriba y ese coro que dice, bate que bate, el chocolate”.

El clima fiestero de batucada y candombe persiste de principio a fin en esta recordada cumbia pop. Y aunque hoy día el tema resulte algo pasado de moda, chabacano o naif, sigue siendo de esas clases de canciones que las escuchas y te dan ganas de ponerte a bailar. Y el videoclip sin grandes pretensiones artísticas le hace bastante honor a eso.

La enfermedad de un gran amigo postrado las 24 horas en una habitación de hospital. Eso es lo que más le preocupa a Julio Rissio antes de convertirse en Tangalanga. Intentar a toda costa hacer reír a carcajadas a su amigo convaleciente para sobrellevar lo mejor posible sus horas de hastío.

El método aplicado consistía en llamar por teléfono de línea a algún lugar y comenzar a hacer bromas, podía ser una veterinaria, un parapsicólogo, carpintero (lo que venga) para consultar sobre un producto o servicio. Claro que, hablando al principio en tono amable y educado, hasta que pide pista y argumenta algo que pone incómodo a su interlocutor, lanzando una mala palabra, o directamente faltandole el respeto, produciéndose por lo general un fuerte intercambio de insultos a partir de un reclamo ficticio.

A mitad de camino entre el biopic y la ficción, El método Tangalanga esta basado en esta historia inicial verídica que capta muy bien esa relación de amistad y el nacimiento del bombardeo de cargadas por teléfono que lo hizo tan famoso.
Y en el argumento lo traslada a dos personajes, un oficinista muy tímido que no podía hablar en público, y que a través de una hipnosis que le hace Silvio Soldán -en una puesta que nos recuerda bastante a la escena mágica del cine de La rosa púrpura del Cairo (1985 )- es justo cuando empieza a aparecer Tangalanga cada vez que levanta el tubo de teléfono y hace unas bromas telefónicas que luego se las lleva a Sixto, el personaje que protagoniza Alan Sabagh para levantarle el ánimo.

El film también agrega toques de dramatismo y una historia de amor que nadie podría comprobar que haya sido cierta pero que decora bien el relato y le da un tono muy llevadero. Unos momentos románticos protagonizado entre el protagonista y una luminosa Julieta Zylberberg caracterizada con un estilo twiggy con su vestido amarillo, pestañas postizas y con una muy bella figura que nos remite a esos famosos iconos femeninos de los 60.

Es notable que hay una intención de hacer una pintura de época, la cual me parece un punto fuerte de la película. Apoyado en una banda sonora que además de contar en algunos pasajes con un muy bienvenido registro de la voz real de Tangalanga, nos ametralla promocionalmente con ese hitazo de Sandro que es la canción “Un mundo de sensaciones” junto a un eficaz y colorido afiche de presentación.

Me retiré de la sala de cine satisfecho y con la clara intención de volver a escuchar los audios de este querible y socarrón cómico argentino que ha cosechado miles de fans. Ya no en esas cintas de casettes vírgenes que circulaban antes sino en las actuales plataformas, actividad súper recomendada para el público general, en un buen complemento con este entrañable film.

Este video musical creado póstumamente de la canción Mind games (1973) fue producido en 2003. Contiene elementos de una cinta original de 1974 realizado por un estudiante universitario para su proyecto final de graduación. El argumento es espontaneo e improvisado


Nos muestra imágenes tomadas en el año 1974 donde vemos a John Lennon vestido de negro paseando por el Central Park, con la paz y la tranquilidad que parece encontrar en esas ciudad años antes del atentado fatal. Los chicos se acercan, le piden autógrafos y lo saludan. A él se lo nota distendido y feliz, rodeado de gente común que le regalan merecidísimas sonrisas mientras pasea por una NY emblemática al aire libre. Entre los escenarios se encuentra el parque zoológico y se ve el Beacon Theater en Broadway donde se presenta la obra “Sgt Peppers lonely hearts Club band on the road” mientras el artista baila en las escalinatas del Central Park (algo que ver luego para inspirar escenas de La La Land?)

Es una de las pocas ocasiones en que se lo ve a Lennon como solista (sin Yoko) y con un material cinematográfico filmado en super 8 que le otorga a mi modo de ver una estética nostálgica y entrañable. El video que se desarrolla mientra suena la canción concluye con una luz brillante que se decolora mientras se dirige hacia el cuerpo del ex líder de los Beatles.


La canción que se nos ofrece tan bellamente cantada de la etapa de Lennon solista fue recibida en forma tibia en su momento, hoy sin embargo ha sido mas revalorizada. Su letra fue inspirada por el libro de Robert Matters que enfatiza el poder de la mente humana para inducir varios estados de conciencia sin la ayuda de sustancias externas. La alteración de la mente se había convertido en un tema de interés para John Lennon mientras vivía una separación temporal de Yoko.

Videoclip del tema Build (1987), una canción del grupo británico The Housemartins, corte de su segundo álbum "The People Who Grinned Themselves to Death", escrita por Paul Heaton y dirigido por Jeff Baynes.

Al escuchar Build, esta encantadora canción ochentosa de los HM, popularmente reconocida en casi todo el mundo, seguramente estemos sintiendo o pensando algo agradable acerca de una apacible balada romántica, más ligada al cariño o a un suave murmullo de enamorados.

Sin embargo, cuando vemos transcurrir el videoclip oficial nos sorprende contemplar un albañil construyendo un muro en simultaneo en que la banda canta la canción hasta finalmente taparlos con cemento.
Y esto se debe a que en su letra los autores están esbozando una metáfora acerca de la sobreconstrucción urbana. Una especie de mensaje ecológico donde todos quedan encerrados entre ladrillos y arena sin importar el lugar ni adonde. Construir pero en el peor sentido del término, como una reflexión acerca del capitalismo salvaje que alguna vez se le adjudico a la era de Margaret Thatcher.

Pero desde luego esto es arte y cada uno podrá hacer su lectura acerca del videoclip que contiene a la vez un muy buen registro de los músicos cantando junto a sus instrumentos.
Y lo más lindo que tiene esta canción tranquila es la melodía y la magia de la voz. Un lugar donde las palabras riman fantástico ("from Mecano to Legoland, here they come with a brick in their hand", solo por citar un solo fragmento), mientras las voces van alcanzando altura a medida que la vas oyendo hasta tararearla casi por reflejo. El "ba ba ba build" del estribillo además de pegadizo es imperecedero.