Las pelis de los apellidos van a pasar a la categoría de inclasificables para la excelencia o para la ordinariez. Tiene una serie de condicionantes que a pesar de que el resultado final sea bueno malo o regular, nos enchufan a ellas. Esa manera de reírnos de nosotros mismos y de los de al lado. Aquellos pellizcos a lo sagrado socialmente, Karrra Erejalde, el muñeco de Rovira o ese flequillo aberchandal unas veces y otras imponiéndose a cualquier discusión sobre la belleza. Y ese humor surrealisticamente chusco del par de amiguet4es de Sevilla. Esa definición de la Fe como amistad.
Es peor que la primera. No acaba de centrar la metáfora nacionalista. Ni por supuesto acaba de meterte en la masía, en el sentido que la primera te metía en el caserio. Y sin embargo a la gente le gusta. Y yo me lo pasé muy bien. Podría hacer “un Boyero” y poner cara de hastio intelectual. Pero lo siento por el moderneo y el postureo intelectualoide. De un lado y de otro, pero me lo pasé bien, muy bien. Y repito, estaba Karra y Clara, el drama con risas y la luz.
Y encima creo que ha habido una predeterminación torticera. Por un lado los dueños de la crítica y los suplementos culturales. Y por otro la extrema derecha mediática criticando lo poco que se mete Lázaro con el nacionalismo Catalan. La ceguera santoral hace estragos. Si algo ha hecho el director es precisamente una crítica a la inteligencia cultureta y clase política catalana que explicita el hipster Berto (Romero; “las expectativas son el enemigo de la diversión) parodiándose a si mismo. A esa catarsis nacionalista que basa en la “otroriedad” todo el discurso vacio de la Sardá. El alcalde arribista y melonaco… Y por supuesto y un inciso, la actualidad ha ido más rápida que la película. La cinta sube enteros cuando el cuadro lo ocupan vascos y andaluces (impagable la entrada de la gabarra en el Guadalquivir) y decae estrepitosamente cuando los catalanes ocupan el lugar de hacer risas. ¿Adrede como una felicitación de cumpleaños fría? Igual Martínez Lázaro miembro importante de la llamada “Comedia madrileña” explicita con nocturnidad y alevosía cinematográfica porque las comedias madrileñas triunfan y las barcelonesas no tanto. Correlato del porqué muchos barceloneses añoren tener canciones homenaje a su ciudad simétricas a “Pongamos que hablo de Madrid o “La puerta de Alcalá”. La película no irá a los Oscar desde luego. Pero deja unos árboles que si superas el bosque puedes ver con claridad; la modernez por encima de todo, el ser los más guays, el fichar a los jugadores más caros, el ser una ciudad hoy Londres, mañana Bombay y los costes añadidos. Y bueno la cosa política está tan emponzoñada que tengo amigos catalanes que ni siquiera han caído en el enorme gag del sargento picoleto pidiendo los pasaportes en un ejercicio de legitimidad sobrevenida que corta el aire.
Los actores muy bien, aunque algunos sobreactúan, eso sí Karra se come todo, incluso a Rovira haciendo de Rovira. El decorado del pueblo catalán puede ser cualquier sitio. No hay un referente paisajístico como en la primera. El pulso de Lázaro es bueno, aunque él es un experto en estas lides. Técnicamente es bastante normalita. Técnica y Dramáticamente se nota que las imposiciones de Vasile, o Vacile no sé muy bien, sobre su estreno le han hecho daño.
Pero sobre todo es una película menor, sí, pero tiene ese enganche sociológico. El que te guste y no la juzgues más allá de sus propias posibilidades. Deudora tanto de Bienvenidos al norte o Bienvenido míster Marshall y otras Los apellidos catalanes la aceptas como es. A mí particularmente reflexionando lo poco moderno y poco intransigente cinematográfico que me estaba volviendo, me pareció, aparte de encajar los personajes, como lo que le ocurre a ese amigo pinturero y seductor al que envidias su manejo de las conquistas que de repente en una secuela de la película “Amor ciego”, aparece con esa mujer que bonica bonica no es que sea, que no es un dechado cultural, que puedes llegar a malévolamente observarle comportamientos zafios, y que sin embargo el la quiere a morir (si te fijas la fémina tiene estratos de brillantez que te cuesta admitir, te deslumbran) y el está dispuesto a tirar toda su historia donjuanesca solo por media hora con esa mujer, y que no nos engañemos es tan hermoso y admirable que hasta produce más envidia que aquellos ligues con pibones intelectuales. Y te rindes a la evidencia en la vida y en el Cine. El famoso amor verdadero de las películas. La verdadera princesa prometida, pero en español. Mejor dicho en Estado español (federal por supuesto). Esa sería la metáfora última de los apellidos vascos y catalanes (de las dos cintas).No es El Sur de Víctor Erice, pero es muy nuestra. La asumimos como el cuento; sabes porque deviene el pato en cisne.
Pero esa C. Con ese flequillo otra vez imposible y adorable (aberchandal o guapaza, ya te digo majo). Otra vez parece que has visto la peli con Ella, flequillona, boniqueja, forever….

Marte es una película de Ridley Scott. No esos sucedáneos de nescafé que nos ha dado el británico últimamente. Articulada, bien hecha. Con una fotografía y unas costuras narrativas dignas de tal nombre. Y sobre todo creíble y entretenida. Espectáculo casi sin trampas. En la industria del trampantojo tampoco es cosa de…
Es muy sencillo Riddley a partir de una endeble novela reinventa a Robinson en Marte sin Viernes. No estoy haciendo una gracieta, o sí. En este otoño tan “penario” y convulso, todo vale. No hay enemigos, ni batallas y sin embargo es un Prometeo del ahorro y la supervivencia. Y el director de la película nos ilustra de las penalidades y de las opciones reales y no cinematográficas. Y de ahí deviene una aventura aséptica pero hermosa. No hay Deux et machina. Únicamente un hombre solo y abandonado que busca y se busca. Y que intuimos desde el pesimismo de la inteligencia que todo pueda salirle mal. Al fin y al cabo, qué demonios, Murphy era un ingeniero espacial.
Pero lo que me gustó fue que donde había trascendencia, aquí, emoción, donde una “gravity” con final más insufrible que una reconciliación tardía, Ridley pone narrativa coherente. No quiere ser genial. Solo nos cuenta las peripecias y angustias de un naufrago en el planeta rojo (de color, no confundir con Pablemos) el entramado claustrofóbico en el que como otras veces sigue siendo un maestro. El enorme Scott de Los Duelistas, deviene en un nuevo duelo contra el medio. Puro entretenimiento con clase. Bien narrado, mejor filmado. Creíble y sin concesiones a los taumaturgos de una u otra religión.
Pero permítaseme que me apee de la poética consustancial. Lo genial y lo sencillo (eso que nos cuesta la vida), es que nos anuncia el futuro de la humanidad sin alardes ni místicas literarias. Y con un fondo musical sicalípticamente gracioso y nostálgico. Esa Starman de Bowie. La odisea del espacio sin el aquelarre lírico avant la lettre. Habrá que irse a Marte. Como dicen en mi pueblo “Los vais a ir, veros preparando”. Eso sí, si antes la humanidad o lo que queda de ella, no se auto inmola a la vista de los discursos de los yihadistas musulmanes de allá o de los yihadistas de acá, los santos matones verbales que proclaman el odio entre los hombres todas las mañanas.
Pero mientras tanto Scott en medio del decorado interestelar nos habla de la esperanza. Si el paisaje y el ambiente de las cruzadas me lo creía en El reino de los Cielos. Y aun más me creí a esa Eva Green de turbante y esos ojos como mirándote desde la ventana del AVE. Me creo también este inmenso decorado marciano. La realidad y la verdad aunque sea en la pantalla de la mentira artística pueden hablarte de esperanza. O quizá es de caridad. ¿Tal vez de fe? Esa sin añadidos místicos, ni siquiera de la mística cinematográfica tan en boga. Scott sabe que su buena mano no está en hacer de los actores bustos parlantes discutiendo ecuaciones orbitales, sino dar un espectáculo visual. Y encima con la cremita para los frikis de la wikipedia científica que lo que nos muestra es casi todo científico, no como en Gravity, por cierto. Ah y está Jessica (Chastain of course). Y a mi me ha gustado mucho. Y a los profetas de los fracasos de Scot… agua, ajo y resina.
La fe del astronauta Watney, es su supervivencia. Descubre ese rosario de vivencias que te atizan un daño imperdonable que no está en los mapas. Como un enfermo de desamor, pero causado por el azar, por el confesor, por el psiquiatra, por el dar que decir o por vaya usted a saber. O quizá la Fe ,solo sea un nombre de mujer de espalda morena de pecas.

Dicen que Antonio Gramsci mantenía que contra el optimismo de la voluntad había que proponer el pesimismo de la inteligencia.
Inside out es una gran película. Bordea la obra maestra en su género. Un tratado de la inteligencia emocional. El único pero es que se nota, se nota; Disney ha comprado Pixar es innegable. Han quitado un poco de acidez y de valentía al estudio de la lámpara saltarina. Un cierto tufillo muy leve, pero que se detecta a cine familiar en la peor de sus acepciones. Pero busines es busines .
Un ejercicio de precisión en el guión, la puesta en escena, el cromatismo al servicio de la estructura dramática y no al revés. Un nuevo salto hacia adelante de Pixar. Si Wall-E era una disfrutadura. Creo que Al revés la supera casi.
Y es una película en esencia “penaria” como diría mi hija. Pero toda la pena, la melancolía se manifiestan de una manera inteligente y lúcida. Una historia que sube de categoría a las emociones “negativas” Pocas veces se ha rodado un manual de cómo hay que pasear la melancolía. Una puesta en escena de lo que sería una coach emocional sin aventuras capilares. Los guionistas se lo curran. Y saben que es como se diría antes “para todos los públicos”, en el mejor sentido de la palabra. Cine infantil para mayores?; quizá. Pero del bueno.
Con descubrimientos que la pena de spoiler a que nos somete el moderador me evitan desarrollar. La película nos habla de la conciencia, las emociones. La felicidad imposible sin las otras emociones. La ira como complemento. El gran hallazgo de la cinta el personaje y el tratamiento de “asco”. Inteligencia emocional desde donde comienza en la pre pubertad en esos últimos años de la niñez que nos formarán queramos o no.
Es una historia creada como un desafío a la imaginación de los adultos. ¡ Un momento!. ¿He escrito bien?. O realmente quería referirme a la marginación de los adultos?.A esos que se creen muy, muy adultos, muy mayores, cumplidores del deber, maduros/as de esas que mataron a la niña que llevaban dentro y la cambiaron por el confesionario en unos casos y en el concesionario en otros. La niña Riley sale de la vida de niña y entra en la vida de jovencita con todas las emociones revueltas, contradictorias como debe ser piensa uno. De la mano de la niña protagonista se invita a los niños y a los que no a un divertimento empático con cinco emociones. Y en ese sentido la peli es valiente. y aunque un happy end familiar parece desviar los tiro. Para nada. El personal sale de una peli de dibujos preguntadose cosas. Una peli pretendidamente de para guachos, pero con “recao” ¿Pues si y encima bonita melancólica y divertida. Con una radiante factura. Montaje sin fallo. Llevando a la practica la visualización colorista de la historia.
Una película de verdad de esas que se disfrutan pegada a la boca. Sin evitar nada, ni siquiera el subconsciente y sus arrabales. La depresión y la parábola de una papelera. La vida y los sueños en la fábrica de sueños. Y tratándose de Pixar una y otra vez entre la verdad de la vida esa vuelta de tuerca con algunas opciones políticamente incorrectas en lo civil y en lo moral. Lo del brasileño en los sueños húmedos de la mater amantísima….
Brillante colorista, veraz y buena,. Una película enorme por encima de su formato. Pero sobre todo valiente y no cursi por mucho que la palabra cursi se use como insulto en manos de los santos ultras. Solo por recordar y aceptar lo que es la melancolía…La imagen de la abuela que pintó de azulete la sillita de al lado de la chimenea donde acariciaba al perrazo. La sillita que los nietos se disputaran. Pintada un poco azul. Ese color de los sueños

“Dime, hombre, enigmático, ¿a quién amas tú más? ¿A tu padre, a tu madre, a tu hermana, a tu hermano.?
-Yo no tengo ni padre, ni madre, ni hermana, ni hermano.
-¿A tus amigos?
-Os servís de una palabra cuyo sentido desconozco hasta hoy.
-¿A tu patria?
-Ignoro bajo qué latitud está situada.
-¿La belleza?
-De buena gana la amaría, diosa e inmortal.
-¿El oro?
-Lo odio, como vosotros odiáis a Dios.
¿Pues qué es lo que amas, extraordinario extranjero?
-¡Amo las nubes. . ., las nubes que pasan... allá lejos... las maravillosas nubes!”
(Baudelaire)
Por asuntos relacionados con el cardio, no había ido al cine desde hacía tres meses, pero la reentré ha valido la pena .El título original de la película es Clouds of Sils María. Es lo que se aceptaría en principio como una “película de mujeres”. Y lo es. Y esta vez no es un tópico ni una machistada al uso. Asayas demuestra que su interno femenino es de consideración. No es la primera vez que lo demuestra. Pero también es una cinta bella y reflexiva. Y es sin estridencia una lección de dirección de actrices, si actrices. Porque a los hombres los dirige menos como dándoles un papel secundario cuando no interesadamente malvados.
De lo negativo del film; seguramente un poco moñas en algunos momentos. La entrada con calzador de la mujer del escritor novel. Las excursiones. Se nota que los autores no son aficionados al treeking. Quizá una excesiva prevención en la exposición de los sentimientos de los protagonistas…. Asayas es intelectualmente “frio” Pero tiene muchos puntos no ya buenos, incluso mejores, interesantes:
Un sutil como sutil es la película homenaje a Eva al desnudo.
Sils María fue una especie de sanatorio mental de Nietzsche donde el “medico de los nervios” que dicen en la Mancha intentó recuperarlo. Y el legado en algunos aspectos de la reflexión cinematográfica se nota.
La moda, pero en este caso con fundamento del uso de la humanidad ausente.
El papel de la ayudante que maneja los asuntos de la diva… y ¿algunas cosas más ?. La gran actriz solapa el tramo interior de su vida con el exterior. Binoche explicita muy bien ese dilema de la mujer madura entre familia y realización personal. Binoche unas veces con risa y otras con cierta amargura sabe que hay que vivir otras cosas. Arrepentirse al final de no haber vivido es morir con antelación, o no, o ¿las motivaciones religiosas, familiares o simplemente el “dar que decir” son lo suficientemente fuertes para condicionar la cultura de la mujer madura actual?.Claro que estas mujeres de ahora ni siquiera se plantean escoger el amor por encima de las “obligaciones”.
El director relata con tino y sin excesos la situación dialéctica y de poder que se establece entre la gran actriz y su ayudante y entre estas y la joven estrella emergente y reptilinea como las nubes pero dominando sin deshilacharse y perderse como aquellas, y la forma difusa del reflejo de la otroriedad,. Que buen director para una película sobre el paletismo nacionalista y su falsa superioridad sobre el otro.
Me gustó mucho como Asayas no abusa del cine dentro del cine. Esa tentación de revisitar a Truffaut .
Y un memorable pre-epílogo. Esa cara de Binoche (no es spoiler Señor Moderador) pensando que nos dijeron que no queríamos aceptarlo. El paso del tiempo no lo aceptamos. Como nos cuesta tanto aceptar el final de un amor. Esa expresión de la actriz francesa con una semi-sonrisa que llena la pantalla. Un “lo acepto” que en la comisura de sus labios va pasando de la tristeza a la amargura y que conecta con el principio de la historia y su reencuentro con el que pudo ser, seguramente, su gran amor. Las mujeres quieren a los hombres. Pero se enamoran de los demonios.
Y Handel que bien traído el Ombra mai fu (Largo de Xerxes). Y Pachelbel en el último tercio. Queremos tanto a Palchelbel. El Canon secuencia voces. Asayas secuencia tres voces. Da igual en el maravilloso sonido de las modernas salas que en los músicos ambulantes de la calle Preciados y enviándolo hacia esos ojos bonicos mirando la chimenea.
Lo mejor; la coherencia del guión. La estructura dramática excepto algún fleco de relleno. La secuencia a punto de pasarse a cursi de las nubes entrando en el valle y la elipsis o metáfora o como quieran llamarle los modernos, y sobre todo el descubrimiento de la vampira Stewar.
Lo peor. Algún modo de autosatisfacción cinéfila del director. La moralina del discurso sobre la seño del escritor y el dramatismo añadido.
Y mirar al espejo y poner la cara de Binoche para declarar “Lo acepto”.

Loreak (Flores) Es una bella, pequeña y coqueta película. Además es un descubrimiento de transito suave, lluvioso y lírico.
No me riña señor moderador. Para nada es spoiler.. la energía suave de regalar un ramo de flores. Una mujer a la que le diagnostican una menopausia precoz recibe ramos de flores de un desconocido. Al tiempo una madre se sitúa y una mujer intenta ser madre de un marido padre previo. Las flores serán el hilo conductor que hace surgir las enormes carencias afectivas de las protagonistas. La mujer de buena posición casada y hastiada de un marido frio y aburrido. La segunda mujer de un buen hombre muy condicionado por su madre. Y la madre. Y luego un coro de comparsas que crean junto a la fotografía y el paisaje un artefacto delicado., que se desarrolla en Euskadi como podría haberlo hecho en Galicia.
Lo delicadamente bonito es el desarrollo de la pena en estas mujeres. Las flores como sublimación de las carencias afectivas. Una quiere ser la otra. La otra quisiera ser la una. Y la tercera quisiera ser una madre loba eterna. Pero a su vez esa tela de araña en que se convierten las flores las relaciona. Las saca de la quietud y de la abulia. Eso sí no evita que se repita el tópico de lo difícil que resulta que una burguesa confortablemente atendida tenga un rapto de locura…. Pero la menopausia, el deseo de tener hijos, la abierta herida las relaciona. Y esa metáfora de lo dificil que se mantengan vivas (las flores digo, bueno algunas personas también) y la señal de la muerte.
Pero Loreak también dice mucho sobre el vacio y la soledad. Hay como una especie de recreación de una delicadeza entre pétalos. Ese tiempo despacio y a la vez esa necesidad de afecto. De vida. De una vida que se escapa de la quietud de la rutina. De esa rutina dorada de zona norte acomodada y de ese otro sitio más vivo y febril pero con sus contradicciones. La vida misma contada desde dos (o diríamos que tres), visiones femeninas entre la lluvia y la quietud. Ese universo lento y húmedo.
Además es un mecanismo cinematográfico muy logrado. Tanto en la fotografía. El guión proclive al aturdimiento y sin embargo tan interesante. Tan de película “de mujeres”, pero que los hombres ven con un recogimiento dramático. Una música incidental, extradiegética sin molestar
Yo diría que en la sala los hombres se removían en ese sentimiento de esa relación imposible. Ese paso que alguien no quiso dar con ellos. De esas películas en la que el espectador se coloca por unos momentos en la piel de los personajes. Ese “yo pude”. “Tú no quisiste”. Flores, carencias afectivas.
Lo mejor el ambiente, la delicadeza de las actrices para darle ese aire quieto y a veces mortecino. El ritmo. Ese txirimiri narrativo y p9oetico.
Lo peor. Quizá eso mismo. El relato delicuescente y a poca velocidad para estos tiempos en que no somos capaces de parar el coche ni siquiera diez minutos junto al rio.
Por ponerle un pero o dos. Un poco de pasión. Un poco menos “brumosa del norte”. Imagino ese asunto en la meseta. Un guión por ejemplo de Martín Garzo, con una dirección “a lo borde” de José L. Cuerda. Esta historia pero de un inquieto hombre de su tiempo y de la Señora de Población pequeña de Castilla….. ¡¡¡ E A !!!.