Los vestuarios y decorados supusieron un coste altísimo para la época, pero es lo mejor de esta cinta. Además de los logrados trucos visuales que Méliès insertaba con acierto.
No tiene precio la indumentaria y complementos de los selenitas. Ni la de los astrónomos cuasi magos, ni la de las exuberantes ayudantes que aparecen.
Una de esas ayudantes atrevidamente uniformadas es la futura mujer de Méliès, Jeanne d'Alcy, que además intervino en el vestuario de la obra. Posteriormente, en 1925, trabajaría con ella en su tienda de golosinas, tras abandonar arruinado el cine y posteriormente el teatro.
Los sueños de los astronautas, todos de temática entre astronómica y mitológica, tampoco se quedan atrás. En esos sueños están presentes un cometa, una Osa Mayor con bellas caritas femeninas, Saturno en un ventanuco de su planeta, la estrella doble y Selene, diosa lunar.
El argumento es tiernamente subyugante y se desarrolla en 30 cuadros a modo de pinturas vivientes: en una especie de cátedra con tendencia a comportamientos de parvulario, se defiende la idea por parte del profesor Barbenfouillis de un viaje a la luna, entre papeles que vuelan, risotadas y algarabía. Una vez aprobada la idea, se fabrica el cohete, a golpetazos de yunque y con forma de proyectil de pistola a lo bestia (pero muy reducido para albergar con comodidad a los seis inquietos tripulantes). En unos altos hornos se ha construido un enorme cañón.
La luna tiene una superficie en la que se respira muy bien, llena de montañas puntiagudas y cráteres bajo los que crecen hongos gigantescos y viven los saltimbanquis selenitas, interpretados por acróbatas del Folies Bergère. Éstos, airados por un enfrentamiento, persiguen a los astronautas, los cuales se dirigen a su cohete.
Como la luna está arriba, en el cielo, para ir de la luna a la tierra, hay que apuntar el cohete, que está en el borde de un precipicio, hacia abajo. Para hacer esto Barbenfouillis se cuelga de una cuerda. ¡Voilà! El cohete cae al mar en un instante.
La recepción a los héroes es triunfal, con autoridades, banda de música, marineritas muy sugerentes, mucho público... Y, por supuesto, un monumento al valiente astrónomo pisoteando la luna cegada por el cohete.
Como curiosidad en la parte inferior del cohete, durante el desfile, se lee “Star Films Paris”, publicitando la productora de la película.

En un solar de una esquina vemos como se construye un magnífico edificio en segundos. Una vez en pie, vemos como se vuelve a deshacer.
Lo que hizo Armitage es tomar fotogramas del edificio durante su demolición, pensando en proyectarlas con la técnica de cámara rápida. De tal forma que lo que sucede en aproximadamente un mes lo vemos en poco más de un minuto. También rodó escenas de unos pocos segundos antes de la demolición y después de la demolición, desde la misma perspectiva.
El director realizaba, mediante un aparato eléctrico, exposiciones cada 4 minutos durante 8 horas al día, así durante todo el tiempo de la demolición. Suficiente para englobar todos los cambios que el edificio experimentaba. A la vez que se reflejaba el paso de tranvías, carruajes, peatones, trabajadores, cambios en la luminosidad según las horas del día, subida y bajada de toldos en el edificio en primer plano, e incluso cómo se les cambiaba la ropa a los maniquíes del escaparate de este edificio.
Para el montaje, dispuso todo de tal forma que en una primera parte vemos al edifico “construirse” (poniendo las tomas al revés), y luego demolerse. Entre ambas partes, y al principio y al final dispuso las escenas tomadas en tiempo real. Estas imágenes de prólogo, interludio y epílogo sirven para que las imágenes en cámara rápida parezcas reales, para que la velocidad de construcción/deconstrucción que se percibe vertiginosa, al insertarse en un conjunto que muestra un tiempo pasado, nos permita concebir el tiempo como relativo y la historia visionada como acontecida en un instante fugaz en la larga vida de una ciudad.
Mientras la vida pasa, y suceden hechos cotidianos y normales, el hombre va cambiando la fisonomía de su entorno, creando o destruyendo, incluso realizaciones enormes, sin que casi nos demos cuenta. Aunque cuando se construía o demolía el edificio se tratara de una empresa larga y dificultosa, dado el esfuerzo humano realizado, pasados los años se constata que todo sucedió demasiado deprisa: el edificio se construyó en 1861 y se demolió en 1901.
El objetivo era mostrar la capacidad creativa y destructiva del ser humano. El tiempo se relativiza para enseñarnos que lo que tanto ha costado construir, el mismo hombre lo destruye sin ningún remordimiento.
Pero hay más: la elección del motivo.
El precioso edificio que vemos construirse y desparecer en segundos era el Wallack's Theatre, proyectado por el prestigioso arquitecto Thomas R. Jackson, construido en 1861, y en el que la familia de actores y promotores teatrales Wallack estrenó numerosas obras de éxito en la segunda mitad del siglo XIX. El teatro tenía cabida para más de 1.600 espectadores. En 1881 lo ocupa la compañía The Germania Theatre. En 1883 ya era el Star Theatre, después de una renovación del edificio. Tuvo diez años en la que actuaron los mejores actores y actrices de la época (Henry Irving, Sarah Bernhardt…). En 1888 hubo un incendio en el edificio trasero que no se propagó al teatro al actuar a tiempo los bomberos. En la última década del siglo XIX decayó y se dedicó a actuaciones de burlesque, enanos y obras muy menores. En 1901 un proyecto de los arquitectos Clinton and Russell para el millonario empresario William Waldorf Astor sustituía el viejo teatro por un edificio de ocho plantas con destino comercial.
Con todo el bagaje y el simbolismo del edificio, en el que entre altibajos empresariales, cambios de compañías, bancarrotas, y otras vicisitudes, brillaron las mayores estrellas de la época, normal que se escogiera esta esquina para representar la fugacidad del éxito y la vulnerabilidad de la obra humana.
No quedó ahí la cosa, lo que demuestra la atemporalidad de la película: en 1999 se volvió a deshacer toda la manzana para construir un moderno edificio de fachada simple y acristalada. Con un cine, al menos.

Parece ser que la indumentaria y caracterización de Holmes que vemos en la breve cinta se basa en la teatralización que el actor y dramaturgo William Gillette creó para los escenarios, y que el famoso detective ya había sido parodiado en alguna historieta de prensa.

La danzarina que pretende seducir a Taira no Koremori, en realidad es una encarnación de un kijo (demonio) en princesa Sharashina.
El samurai subía a la montaña Togakushi Yama para participar en el Momijigaru, la celebración que consiste en disfrutar del enrojecimiento de las hojas en los bosques, aunque secretamente iba en pos de un demonio que merodeaba la montaña. Embriagado por el sake que le había ofrecido Sharashina, el guerrero queda indefenso ante el demonio, que le ataca. Pero Hachiman, el espíritu de la montaña sagrada ha donado la fabulosa espada Kogarasumaru a Koremori, quien consigue vencer con ella al demonio. La danza-lucha es la que se observa en la segunda parte de la filmación, en la que el demonio arremete con ramas, y una cabellera endiablada.

El niño y la niña que aparecen expresan a la perfección la excitación previa de la víspera de Navidad, en cómo husmean por la chimenea. Todo un acierto narrativo. Así como la ilusión desatada por el paso de Santa Claus cuando al final aplauden y sonríen.
La sobreimpresión permite ver la escena del tejado, en la que Santa Claus carga con su árbol —sí: el árbol no está previamente en la casa, lo trae él— y sus regalos, y se introduce por la chimenea. Esta escena se enmarca sobre la oscuridad de la habitación, en la que la camita permanece visible para que notemos en todo momento que los niños duermen. O sueñan con lo que sucede en la película.
Smith era ilusionista e hipnotizador, cometidos que parece que quiso trasladar también al cine.