*Un momento dulce

Dentro de lo que es Hit Man Asesino por casualidad hay una pieza que destaca por encima de todas las demás: la interpretación de Glen Powell. El actor tejano da vida a un profesor de filosofía que aparenta ser de lo más normal, pero que en secreto lleva una vida de riesgos colaborando en operaciones encubiertas para la policía. El trabajo de Powell encarnando a Gary Johnson es tremendo, pues sus labores como falso asesino a sueldo hacen que su personaje adopte diferentes personalidades según el caso a tratar, permitiéndole cambiar el registro actoral a placer y exhibir todo su repertorio. Además, no solo actúa, también coescribe el guion junto con el veterano Linklater, siendo Hit Man Asesino por casualidad el cuarto trabajo que realizan juntos tras Fast Food Nation (2006), Everybody Wants Some!! (2016) y Apollo 10 ½: A Space Age Childhood (2022).

No cabe duda de que Glen Powell atraviesa uno de sus mejores momentos desde que debutó en la gran pantalla en el año 2003 con Spy-Kids 3-D: Game Over. El actor estrenó el pasado año Anyone But You junto con Sydney Sweeney y, en 2022, tuvo su aparición en Top Gun: Maverick, una de las películas del año. Pero Hit Man es, posiblemente, su mejor trabajo hasta la fecha.

*El guion como base

Hit Man Asesino por casualidad es puro guion y —además del amor— trata el tema de la identidad. Gary Johnson se disfraza, cambia de peinado o modifica su acento para aquellos que buscan sus servicios hasta tal punto que hay momentos en los que no sabemos si el que está tomando las decisiones es el profesor de filosofía que se presenta al inicio del film o un alter ego del mismo. De hecho, el propio Johnson hace referencia a la teoría del psicoanálisis freudiana que alude a este problema.

Las situaciones que se dan son cada vez más rocambolescas y los gags utilizados para resolverlas destacan muy por encima de la manera en que se nos presenta la propia escena. Es decir, es una película de contenido, donde la forma se camufla para dar lugar a un producto cuyas características son, a veces, las propias de una sitcom.

*Conclusión

Hit Man Asesino por casualidad se estrena como una buena alternativa para abrir la temporada veraniega. Una comedia ligera y tremendamente divertida que, sin embargo, no finaliza de igual manera que empieza. Los personajes toman decisiones un tanto inverosímiles y el desenlace es totalmente precipitado e irreal, pero aún así los gags funcionan a la perfección y cada vez que Gary Johnson aparece en pantalla con un nuevo aspecto es un despiporre total.

Escrito por Alejandro Sanjuán Giménez

*Un enfoque auténtico y sin concesiones

Dirigida por Lise Akoka y Romane Gueret, Los peores es una película que se adentra en las vidas de los adolescentes más problemáticos de la barriada Picasso en Boulogne-Sur-Mer, al norte de Francia. La dirección de Akoka y Gueret es auténtica y sin concesiones, capturando la crudeza y complejidad de la juventud marginada con una sensibilidad y un realismo que resuenan profundamente. La elección de trabajar con jóvenes no profesionales añade una capa de autenticidad a la película, difuminando las líneas entre la ficción y la realidad de manera efectiva.

*Juventud marginada en primer plano

Los jóvenes actores elegidos para Los peores, provenientes de la propia barriada, ofrecen interpretaciones crudas y sinceras que reflejan sus propias experiencias y desafíos. La autenticidad de sus actuaciones es uno de los puntos más fuertes de la película, ya que cada uno de ellos aporta una verdad y vulnerabilidad que enriquece la narrativa.

Los adolescentes seleccionados para el rodaje, aunque inexpertos en el arte de actuar, transmiten una emocionalidad y una realidad que serían difíciles de alcanzar con actores profesionales. Su interacción en pantalla es natural y cargada de tensión, reflejando los conflictos y las esperanzas de sus personajes de manera veraz.

*Ficción y realidad

La trama de Los peores gira en torno a un director de cine que elige a los adolescentes más complicados de la barriada Picasso para participar en su película. A través de esta premisa, la película explora los límites de la ficción y la realidad, y las consecuencias emocionales y sociales para los jóvenes involucrados. Cada uno de ellos enfrenta sus propios problemas dentro y fuera del set, y la narrativa cuestiona qué sucederá con ellos una vez que el rodaje termine.

Los peores aborda temas como la marginalización, la identidad y el impacto del arte en la vida real, ofreciendo una reflexión profunda sobre el poder y las responsabilidades del cine. Las tensiones entre los personajes, tanto en la ficción como en la realidad, crean una dinámica rica y compleja que mantiene al espectador inmerso en la historia.

*Realismo y crudeza en cada fotograma

Visualmente, Los peores destaca por su estilo documental y su cinematografía realista. Las elecciones de encuadre y la iluminación natural ayudan a crear una atmósfera que refleja fielmente el entorno de la barriada Picasso. La cámara sigue a los personajes de cerca, capturando sus expresiones y emociones de manera íntima y directa.

La fotografía de la película es cruda y sin pulir, enfatizando la realidad dura de la vida en la barriada. Este enfoque visual contribuye a la autenticidad del filme y permite al espectador conectarse más profundamente con los personajes y sus historias.

La banda sonora y el diseño de sonido complementan la atmósfera de la película, añadiendo una capa adicional de realismo y emotividad. La música utilizada es minimalista, permitiendo que las voces y sonidos del entorno destaquen y añadan profundidad a la narrativa.

*Conclusión

Los peores es una película que destaca por su enfoque auténtico y sin concesiones hacia la juventud marginada. La dirección de Lise Akoka y Romane Gueret, junto con las actuaciones sinceras de los jóvenes actores, ofrece un retrato profundo y conmovedor de sus vidas y desafíos.

Los peores se presenta como una obra cinematográfica significativa que invita a la reflexión sobre la marginalización, la identidad y el poder transformador del arte. A través de su narrativa realista y su estilo documental, la película nos recuerda la importancia de dar voz a aquellos que a menudo son ignorados y ofrece una mirada penetrante a las vidas de los adolescentes más complicados, los verdaderos protagonistas de esta conmovedora historia.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*Los escualos vuelven al cine

En las profundidades del Sena, viene a ser otro eslabón más en una cadena que empezó a forjarse hace casi cincuenta años. Desde la justamente mítica Tiburón (1975), la cantidad de exploits, derivaciones y variaciones han dado para cubrir, con mayor o menor éxito, una buena cantidad de carteleras. El caso ir rascando nuevos puntos de partida, que puede ser a base de cambiar de depredador, y usar pirañas, cocodrilos, anacondas, etc. También se puede optar por cambiarlos de localización y hacer que asolen ciudades, p ej. por eventualidades meteorológicas, como en la cutre y zumbada saga de Sharknado.

En las profundidades del Sena, como bien se indica ya en el título, lleva la acción nada menos que a París, en una época preolímpica donde, casualidades de la vida, se va a celebrar en el Sena una prueba de triatlón como evento previo a los Juegos Olímpicos. Imaginen el destrozo que puede hacer ahí un tiburón. El punto de partida en sí no es malo, y tiene varias posibilidades para distintos enfoques. Se puede optar por un desmadre gore, erótico-festivo a lo Piraña 3D (2010), o bien acogerse a las formas de una película de catástrofes, con un toque más sombrío. En realidad, Xavier Gens se aleja de los postulados de Alexandre Aja y va más hacia la segunda opción.

Pero siempre quedándose en tierra de nadie, incidiendo en una ambigüedad tonal que incluye pasajes de tremendismo sanguíneo pero rodados de tal forma que ni hieren, ni hacen mella. Lo extraordinario rodado de manera ordinaria y perdiendo su potencial. Si vamos desmenuzando la historia, justo es decirlo, podremos ir viendo algunos momentos curiosos, no tan esperables como cabría suponer.

*Del Pacífico a París

En las profundidades del Sena, comienza su argumento con una expedición de protectores de los océanos que llega a lo que se da en llamar "el séptimo continente" (nada que ver con la peli de Haneke). Esto es, la gigantesca isla de plástico situada en el Pacífico y formada por una colosal acumulación de plásticos y residuos similares. La expedición monitoriza a la fauna marina, principalmente tiburones, mediante balizas para seguir su evolución. En este viaje toma parte Sophia (Bérénice Bejo), que viene a ser una de las escasas supervivientes, toda vez que un descomunal tiburón aniquila a la mayoría de la tripulación a velocidad ultrasónica. Incluyendo al marido de Sophia.

Tres años después, con Sophia ya en París, una activista ecológica llamada Mika (Léa Léviant) le muestra cómo su grupo ha localizado, cosas de la informática, al tiburón que acabó con la vida de su marido y de sus amigos. Y que, atención, se encuentra en París. Sin duda, es una idea muy tarada que un tiburón pueda remontar el Sena hacia París y ello puede hacer arquear la ceja a aquellos que buscan verosimilitud a toda costa. La verdad es que el guion ventila cuestión en un par de líneas. Y todo viene siendo culpa de la incalculable contaminación del agua como agente de una mutación.

Y menudo ojo tiene el tiburón. De todos los cursos fluviales de todas la ciudades del mundo tuvo que elegir París. O eso debe pensar Sophia cuando certifica ella misma la situación y ha de enfrentarse a su pasado. Y de aquí en adelante los acontecimientos se escalonan aumentando de intensidad.

*La tempestad y la calma

En las profundidades del Sena gestiona su guion de dos formas. En gran medida la historia se basa más en el thriller que en el terror explícito, valiéndose para ello de una carrera contrarreloj por localizar al tiburón y neutralizarlo. Gens utiliza con cierta habilidad algunas irregularidades de la superficie del Sena para inducirnos a la duda sobre si el escualo se encuentra en un determinado sitio o no. O en algunas escenas de inmersión la turbiedad propia del río parisino nos veda de poder confirmar la presencia del tiburón. Por no mencionar el titilante dispositivo de seguimiento del ordenador. Xavier Gens muestra cierto tino a a la hora de manejar esta tensa calma.

Una parte más reducida del guion se basa en un festival de mordiscos, amputaciones y picadillo para tiburón. Según nos acercamos al final todo va tendiendo a ser más hiperbólico. Aquí la cosa tiene más objeciones. Es curioso que, perteneciendo, aunque solo sea por Frontière[s] (2007) al nuevo extremismo francés, Xavier Gens no utiliza un gore hiriente, o bestia, pasando por alto situaciones de gran crudeza anatómica. Deja incluso la sensación de algo de desgana. Y es algo frustrante que algunos aspectos muy locos no tengan correlato visual.

El guion tiene mala baba en algunas cosas. No puede faltar en una película de tiburones hambrientos la figura de autoridad con más apego al dinero y a la imagen pública que a la seguridad de sus conciudadanos. Todos recordamos al nefasto alcalde de Amity en Tiburón. Pues bien, en En las profundidades del Sena, la alcaldesa de París (quién sabe si un trasunto de Anne Hidalgo, en cuyo caso puede darse por ofendida) es una perfecta cantamañanas que entorpece por mezquinos intereses la lucha contra la amenaza que supone el tiburón.

*Lo visual en En las profundidades del Sena

En las profundidades del Sena no es una película que destaque demasiado en el apartado visual. Los cgi, por ejemplo, son más bien mediocres y solo un par de peldaños por encima de las producciones de Asylum. Cierto que en algunas escenas de inmersión hay ciertos detalles de iluminación, pero todo sucumbe bajo un aspecto estándar que sabe demasiado a telefilme. El diseño de los tiburón tampoco es nada del otro jueves y cuando se muestra, se hace a base de fulgurantes ataques relámpago donde a veces no es fácil distinguir siquiera una aleta. Quizá todo ello para que la película no sea tan cruda, y es que da la sensación de que Xavier Gens parece un león enjaulado.

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Escrito por Mariano González

*Un retrato íntimo de la amistad y la crisis de los treinta

Bajo la dirección de María Ripoll, Nosotros no nos mataremos con pistolas se presenta como un drama íntimo y reflexivo que explora la amistad, la precariedad laboral y el desencanto de la generación millennial. Ripoll, con su estilo sensible y realista, logra capturar la esencia de un grupo de amigos que se reúnen después de años para enfrentar sus miedos, esperanzas y secretos. La dirección de Ripoll es eficaz al equilibrar el humor y la tragedia, creando un ambiente familiar y auténtico que envuelve al espectador en la historia de estos personajes.

*Ingrid García Jonsson y el elenco

Ingrid García Jonsson se destaca en su papel como Blanca, una mujer decidida a preparar su primera paella perfecta mientras navega por las complicaciones de una reunión de viejos amigos. García Jonsson aporta una vulnerabilidad y autenticidad a su personaje, que se convierte en el centro emocional del filme.

El resto del elenco también ofrece actuaciones sólidas, cada uno aportando una dimensión única a la dinámica del grupo. A medida que se revelan secretos y se producen reproches, las actuaciones reflejan con precisión la tensión y la nostalgia que surgen de reavivar viejas amistades. La química entre los actores es palpable, lo que ayuda a transmitir la sensación de un grupo que ha compartido una historia común pero que también ha sufrido la distancia y el tiempo.

*La paella como catalizador de revelaciones

La trama de Nosotros no nos mataremos con pistolas gira en torno a la preparación de una paella por Blanca durante la fiesta mayor del pueblo. Este evento se convierte en un catalizador para que los amigos, ahora en sus treintas y sintiendo que su juventud se les escapa, confronten sus realidades y sus relaciones. La paella se alarga hasta el anochecer, transformándose en un espacio donde emergen secretos, reproches y equívocos.

Nosotros no nos mataremos con pistolas aborda temas como la precariedad laboral, el desencanto y la necesidad constante de volver a empezar, reflejando las luchas de una generación que enfrenta desafíos económicos y emocionales. A través de las interacciones entre los personajes, la película ofrece una reflexión sobre la importancia de la amistad y el apoyo mutuo en tiempos de incertidumbre.

*Un ambiente familiar y auténtico

En términos de aspectos técnicos, Nosotros no nos mataremos con pistolas destaca por su enfoque en la creación de un ambiente familiar y auténtico. La cinematografía es sencilla pero efectiva, capturando la belleza y la melancolía del entorno rural. La dirección de arte y el diseño de producción ayudan a crear una atmósfera que refleja tanto la festividad del pueblo como la intimidad de la reunión de amigos.

La banda sonora complementa la narrativa, subrayando los momentos clave con una musicalidad que resuena con el tono emocional de la película. La edición es fluida, permitiendo que la historia se desarrolle de manera orgánica y manteniendo el ritmo necesario para sostener el interés del espectador.

*Conclusión

Nosotros no nos mataremos con pistolas es una película que, aunque sencilla en su premisa, ofrece un retrato profundo y conmovedor de una generación en crisis. La dirección de María Ripoll, junto con las actuaciones destacadas de Ingrid García Jonsson y el resto del elenco, crea una narrativa que resuena con las luchas y esperanzas de muchos jóvenes adultos.

Esta película se presenta como una obra significativa que combina humor y tragedia para explorar la complejidad de la amistad y la búsqueda de sentido en un mundo incierto. Nosotros no nos mataremos con pistolas invita a la reflexión sobre la importancia de las conexiones humanas y el apoyo mutuo, destacando la belleza de encontrar consuelo y fortaleza en los amigos durante tiempos difíciles.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*La dura búsqueda diaria de la vida

Disco Afrika es un drama con guion de François Hébert, Marcello Novais Teles, Ludovic Randriamanantsoa y del director Luck Razanajaona, que trata sobre el afrontamiento de un joven de veinte años con la dura realidad cotidiana. Kwame (Parista Sambo) huérfano de padre deja la casa familiar para buscarse la vida junto a su amigo Rivo (Dominique Toditsara). Buscan zafiro clandestinamente en las minas fluviales, bateando sus aguas para buscar tan preciado material. Fantasean y sueñan qué harían con el dinero si encontraran un gran zafiro, todo en ellos es alegría e ilusión, a pesar de la dureza del trabajo a escondidas en largas jornadas de día y noche.

Un desgraciado y grave suceso hace que Kwame vuelva a la casa de su madre viuda (Laurette Ramasinjanahary), para ponerse a salvo y continuar la búsqueda de trabajo para ayudar a su familia. Busca desesperadamente empleo hasta que a través de Bezara (Drwina Razafimahaleo) un delegado sindical consigue trabajar descargando sacos de los barcos en el puerto local. El guion está ambientado sobre la actualidad cotidiana en la ciudad portuaria, con una fotografía de orientación documentalista del cámara Raphaël O’Byrne, que pone imágenes reflejando la vida agitada y colorista en las calles de los barrios, mercado local y el puerto.

*Incesante búsqueda de la verdad

Kwame va ganándose la confianza del líder sindical que para asegurarse de su lealtad le hace un encargo especial, aprovechando las relaciones personales del joven con un antiguo compañero de colegio. Le pide que siga y le pase la máxima información sobre Idi (Joe Clarence Lerova) que ahora es rico con sus diferentes negocios poco claros. Las averiguaciones que va haciendo le llevan hasta la popular discoteca Áfrika, local donde el padre de Kwame actuaba como músico cuando el protagonista era un niño pequeño. El argumento enlaza este encargo con el deseo persistente de saber más sobre la muerte de su padre, tema que su madre nunca quiso revelar a su hijo aumentando sin querer su necesidad de averiguar más.

El guion muy bien construido, mantiene la tensión y el interés en esta búsqueda de la verdad que realiza Kwame por distintos motivos y vías. Así consigue localizar y hablar con Babaa (Jérôme Oza) amigo de la familia y compañero del grupo musical en el que actuaba su padre. Con el conjunto musical grabó el único disco que hicieron, “Disco Áfrika”, llevando el nombre del local donde solían actuar frecuentemente. El laberinto de pistas que va recorriendo en paralelo con sus investigaciones, le va adentrando en la verdadera realidad que hay tras los distintos hechos.

*Principales condicionantes del cine africano

Con el avance de las pesquisas, empiezan a aflorar temas relacionados con la corrupción cotidiana en la vida local, surgiendo una tela de araña donde empieza a haber puntos en común que coinciden desde los indicios aparentemente lejanos. El actor protagonista Parista Sambo hace un trabajo sobrio y creíble desde principio a fin de Disco Afrika: una historia malgache, por lo que el jurado le otorgó el Premio al Mejor Actor del 21 FCAT. El resto del elenco actoral está bien dirigido, haciendo interpretaciones complementarias coherentes con el tono dramático de la película. Disco Afrika: una historia malgache es una crítica de las corruptelas existentes en muchos niveles de la vida diaria, que aunque están localizadas en esta película de Madagascar, que también son existentes en algunos otros países del continente africano.

Están normalizadas para una parte importante de sus poblaciones, en las luchas por sobrevivir en el día a día, para huir de las precarias condiciones de vida que hacen afrontar solamente cada nueva jornada desde que amanece. A otra escala el tema de la corrupción también está presente en países europeos, donde las condiciones de vida son mucho mejores. El cine que se hace en muchos países africanos, aunque de menor producción por su débil industria cinematográfica y reducida profesionalización de equipos artísticos y técnicos, sin embargo es muy interesante. Suplen esas carencias con interesantes historias, buenas interpretaciones y con coproducciones de países occidentales para tratar de ser estrenadas más allá de donde se ruedan, superando el gran condicionante de la difícil distribución.

*Conclusión

Disco Afrika: una historia malgache es el primer largometraje del guionista y director Luck Razanajaona, que teje una interesante historia localizada en Madagascar, sobre las duras condiciones de vida que abocan a muchas personas a ser transigentes con la corrupción. Frente a ello el protagonista se mueve en una búsqueda persistente en saber toda la verdad sobre la muerte de su padre, además de colaborar para desentrañar las corruptelas en su entorno. Thriller dramático que mantiene el interés y tensión hasta la secuencia final, con buenas actuaciones y un guion muy bien construido. Justa ganadora del Premio ACERCA a Mejor Película y Premio al Mejor Actor en el 21 FCAT 2024 e igualmente destacada con una Mención Especial en la Berlinale 2024.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez