Películas acerca de adolescentes y su camino a descubrir su rumbo hay muchas pero este film trasciende por la honestidad y por ser una buena guía para la familia
Mis hijas estudian en un colegio religioso tal vez por eso puse un poco más de atención hacia donde iba esta película que narra la historia de una adolescente que se autodenomina como Lady Bird, ella estudia en un establecimiento muy católico y se la pasa entre rezos, obras de teatro, trabajos esporádicos los fines de semana y busca encontrar el rumbo en esta vida tan agitada a veces. La mamá de Lady Bird es una esforzada enfermera muy aguda y exigente, el padre un bonachón desempleado y su hermano lleno de metales en su rostro que vive con su novia en casa de sus padres. Dinero no sobra, se sobrevive, por eso aparte del estudio Lady Bird se la pasa trabajando para tener sus cosas y sobre todo juntar dinero para partir rumbo a la universidad a espaldas de los deseos de su madre. En ese camino de autodescubrimiento la acompaña su mejor amiga, una gran chica que es el equilibrio pero al frente está la competencia una chica guapa y popular con todos los galanes a su alrededor que a la protagonista le interesa sobremanera impresionarlos forzando un poco su realidad para conseguir aceptación.
El film tiene como protagonista a la siempre asombrosa Saoirse Ronan, esta irlandesa que obtuvo el globo de Oro como mejor actriz de comedia y su tercera nominación al Oscar que antes tuvo con “Expiación deseo y pecado” y “Brooklyn”. Su caracterización de un adolescente, teniendo hoy 23 años es muy convincente, es el alma del film, te genera mucha simpatía incluso cuando piadosamente miente para conseguir sus objetivos. Se suma a las anécdotas del film la nominación al Oscar de su novata directora y guionista Greta Gerwig estuvo nominada en un año cargado por denuncias de actrices contra productores en Hollywood y resulto un verdadero bálsamo. Gerwig dirige con solvencia, con escaso presupuesto, sobriedad y sin efectos digitales, acá todo lo que ves es real.
Lady Bird es una película que los padres que tiene hijos adolescentes deben ver y como se sitúa a fines del siglo XX se focaliza en esos pequeños placeres que provenían del logro de tener un teléfono móvil o licencia de conducir, en una cultura donde aun predominaban las relaciones cara a cara entre los jóvenes.
Este film se adentra en la búsqueda de quien eres y que haces aquí, donde las personas en desarrollo se miran en su interior y muchas veces se desconciertan de ellos mismos y su entorno familiar pero que poco a poco en ese recorrido van apareciendo las respuestas donde menos lo esperas y que van ayudando a ese descubrimiento de encontrar tu espacio y tu camino en la vida. No es una grandiosa película pero tiene alma, es entretenida y genera identificación en las adolescentes y sobre todos los padres que tiene una buena oportunidad de verse reflejados en varios personajes que nos incitan a estar atentos a sus hijos que luchan por crecer.

Protagonizada por la actriz australiana Toni Collette(Sexto Sentido) es la cinta del género de terror “El Legado del Diablo”, que esta sobre el promedio de las cintas de este género. Miedo, espiritismo y tragedia familiar se mezclan con la acertada dirección del debutante Ari Aster

El género de terror tiene su nicho favorito en los jóvenes y eso se nota cuando entras a una sala de cine a ver la película de moda por estos días que se llama “El Legado del Diablo”(Heredity). Desde el arranque la cinta te da algo más que simples saltos y risas nerviosas, esta tiene narrativa que va progresando sin apuro para ir armando esta extraña atmósfera que de a poco te va atrapando con esa cámara que te va haciendo cómplice recorriendo lentamente los pasillos y salas de la casa de madera situada en el bosque, con un sonido envolvente y enrarecido, generando situaciones propicias para incubar los miedos que funcionen a la perfección haciendo un pequeño guiño a “El Resplandor” de Stanley Kubrick y “El bebé de Rosemary” de Roman Polansky
El film narra la historia de Annie(Toni Collette), una diseñadora de maquetas en miniatura que es casada y que tiene una pareja de hijos adolescentes, ella carga un pasado con una dura herencia familiar de desgracias y suicidios, recientemente ha perdido a su madre con la cual tenía una complicada relación y desde dicha pérdida sus hijos comienzan a sentir extrañas presencias en diferentes lugares lo que no pasará muchos para que se desate un escalofriante escenario.
En “El Legado del Diablo” no hay nada predecible, se agradece el guión y el manejo del director Ari Aster, que de verdad no parece que fuera un debutante, tiene demasiado oficio a la hora de situar la cámara en los lugares precisos y complicar al espectador con algún susto o corrida por los pasillos para crear nervios o incomodidad en tu butaca. Es de aquellas películas que funcionan muy bien, una historia que no cae en trivialidad del sobresalto y golpe de efecto barato. Tiene una robusta protagonista como la australiana Toni Collete, a quien vimos en un registro de misterio como “El Sexto Sentido”, debe soportar los vaivenes del duelo, el misterio, lo sobrenatural y ira en este gran rol con un registro preciso de este personaje que sufre de bipolaridad y está cargada de paranoia. Collete encarna a Annie lleva con audacia junto con los actores que encarnan a sus hijos logrando su cometido de meternos miedo.
El sentimiento de ansiedad y lo impredecible en el desarrollo de la historia me produjo la una sensación de incomodidad que no sentía desde “El Exorcista”, “La Profecía”, “La Bruja” o “El Resplandor”, y eso se debe al respeto por trabajar con calidad pensando que en el género de terror también se puede hacer un buen drama con acertado desarrollo de personajes que fue aplaudido en el Festival de Sundance y con saldos muy positivos.
Para cerrar el comentario debo decir que me llamo poderosamente la atención que ante tal escenario de desesperación y descalabro familiar que se presenta, esta la total ausencia y referencia de la iglesia, recordará a los curas en “Stigma”, “El Exorsista” o “El Rito”, como aliados ante el mal que acecha, pues acá no hay donde pedir ayuda ni siquiera en la fé. Estos son personajes solos ante un mal desconocido que sigue acechándolos con resultados perturbadores.

“La Mujer Fantástica” de Sebastian Lelio es un retrato de un Chile actual, en transición hacia la tolerancia, el respeto y cambio de mirada que la tiene como seria competidora al Oscar extranjero por su simpleza, brillantez y atemporalidad.
Recordaba al ver este film chileno a la cinta “Los Chicos no lloran”, con una brillante Hillary Swank como una extraña chica que renegaba de su sexo y se hacía pasar por un jovencito pero que poco choca con una sociedad intolerante y estructurada que le cuesta entender aquello.
Acá con la mujer “La Mujer Fantástica” de Sebastian Lelio apela con su excelente guión construido junto a Gonzalo Masa, a mirar nuestras estructuras y convicciones sociales derivadas de una cultura patriarcal dominante en una sociedad que muchas veces se resiste a los cambios o moldes que cuesta agrietarlos. El propio director cuando armaba el guión confesó no saber donde iba la película cuando agregar a esta historia de amor que tenía construida pero le adiciono que la protagonista fuera transexual, tema del cual poco y nada sabían de ese mundo. Entonces recurrieron a una asesora y artista llamada Daniela Vega que al poco andar se convirtió en la protagonista del film y miren que resultado ha tenido. La cinta ganó un premio en el Festival de cine de Berlin, días atrás ganó el Goya español como la mejor película iberoamericana y a inicios de marzo sabremos si por primera vez un largometraje hecho en casa puede traerse el gran premio Oscar como la mejor cinta extranjera.
La película narra la historia de Marina, una esforzada mesera y cantante que tiene un amorío con un hombre mayor llamado Orlando encarnado muy bien por Francisco Reyes(Subterra), el sufre un aneurisma por el cual fallece y toda la vida de Marina se viene abajo cuando deberá lidiar con los familiares que la quieren lejos del proceso del funeral y solo quieren que entregue las pertenencias de el ex esposo a lo cual dignamente accede. En dicho proceso además la protagonista enfrenta dudas de la muerte de su amor por parte de la policía, la sociedad, médicos y por sobre todo deberá ser capaz de convérsense de que tiene el mismo derecho de despedir a sus ser amado y luchar por ello a pesar de la férrea oposición y discriminación.
Como espectador lo mínimo que sientes es empatía por un personaje muy bien construido y que lucha por sus derechos de ser escuchada, respetada y tratada como igual. La película te pregunta en todo momento en que posición estas, te desafía tus preconcepciones morales. Lelio te lleva a su obsesión preferida que es lo femenino tal como lo hizo con Gloria que ya tendrá un remake gringo protagonizada por Julianne Moore
La protagonista Daniela Vega pone su alma y deja la piel en cada cuadro, contenida y de mirada potente se convierte en una heroína que debe hacer que el mundo la acepte, no tiene espacio para expresar su dolor generando una alta dosis de empatía y a veces compasión del espectador no se puede sustraer y dejar de seguir.
Lelio no cae en la tentación de condenar a los torturadores de Marina o a desprestigiar a gratuitamente a la sociedad que permite que el odio crezca y se consuma, más bien cuenta una historia de amor que traspasa muchas fronteras incluso la de la muerte y repara esa dignidad trastocada en muchos pasajes retratando muy bien ese Chile de hoy a veces indolente y sesgado.
Maravillosamente filmada por el director de fotografía Benjamín Echazarreta, la película se desliza hacia lo surrealista mientras Marina bajo la dura luz de la realidad, vemos Santiago como nunca antes, con rincones que funcionan dentro de un todo, la calle comunica, no agrede pero permanece indiferente ante las historias mínimas que focaliza el director.
“Una mujer fantástica” atrapa a un ser humano en el desafiante y emocionante proceso de inventarse a sí misma. El resultado es único e inolvidable en cada cuadro que Lelio roda con Vega. Un detalle digno de destacar para quien no la ha visto y para que pongan atención tiene que ver con su personajes de Marina cuando se enfrenta en muchos pasajes del film a diversos espejos generan un reflejo como de los señores que trasladan uno gigante por las calles de Santiago, en los retrovisores de los vehículos, edificios y tiendas. Un detalle no menor de los realizadores mostrándonos a ella enfrentada y a su propia imagen lo que la lleva de valor aceptarse capturando la profundidad del personaje.
Yo creo que Pedro Almodovar debe estar revolcándose con esta tremenda historia que calza perfecto con su carrera fílmica pero nació de mentes chilenas cinéfilas que aman lo que hace con historias humanas tal como lo hicieron anteriormente con Gloria. Merece el Oscar por su cuidada producción, diseño, la música, el excelente grupo de actores y por sobre todo porque toca el corazón del espectador causando una severa introspección con el tema humano que conmueve.
Actualmente el director chileno dirige a Rachel Weisz y Rachel McAdams en su primera película en inglés, Desobediencia, que ha adaptado con la dramaturga británica Rebecca Lenkiewicz de la novela de Naomi Alderman.

“La Forma del Agua” del director mexicano Guillermo del Toro, tiene 13 nominaciones al presente Oscar y podría dar más de alguna sorpresa con su particular historia de amor.
Con 13 nominaciones a los premios Oscar se presenta La Forma del Agua del director mexicano Guillermo del Toro, a quién recordaremos por la grandiosa “El Laberinto del Fauno”. La trama del film gira en torno a Elisa Esposito, encarnada por la inglesa Sally Hawkins, una chica que es muda, huérfana que tuvo una mala vida y que realiza labores de aseo en un laboratorio del gobierno de Estados Unidos junto a una colega y amiga, con la cual deben dejar todo reluciente cada jornada nocturna en las cuales les toca laborar. Todo se hace rutinario hasta que una noche llega un extraño ser anfibio proveniente de Sudamérica, que es motivo de experimentos e investigación y que es muy maltratado por un agente del gobierno oscuro llamado Strickland protagonizado por Michael Shannon a quien recordamos por el general Zod en la cinta “Hombre de Acero”. Ella y este extraño ser tienen una conexión inmediata sin palabras solo gestualidad debido a su mudez y la extraña forma de lenguaje del monstruo que nos lleva a empatizar con su sufrimiento de ambos y ella prontamente comienza a idear un rescate casi imposible para que pare la tortura.
La fantasía siempre ha sido un tema central en la filmografía del director mexicano ahora agrega el misterio de la guerra fría como telón de fondo y la carrera espacial entre USA y los soviéticos en lo sesentas. La cinta rememora a cintas como La bella y la bestia y King Kong, que son básicamente lo mismo. Tal vez podría parecer una historia inverosímil por el amor que surge entre esta chica muda y un monstruo, pero te debes dejar atrapar por este verdadero cuento de hadas de buena factura técnica bien actuado por lo cierto.
La visión del realizador y el guion original de esta película está impregnada de amor por el cine de antaño, el hecho de que viva la protagonista arriba de una sala de cine denota un claro mensaje de amor a las imágenes en movimiento y amor por el cine mudo. En la cinta lo que vemos son cuerpos que danzan, miradas y el lenguaje de sordomudos como la principal conexión entre protagonistas con mucha simpleza que va atrapando de a poco al espectador que conectan con esta simple historia que quiere hacer un contrapeso entre la pureza de dos seres y toda la maldad del mundo actual encarnada por el agente que no duda el disparar o torturar a pesar que se le muestra en su entorno familiar del sueño americano con su familia, lindas casas y autos nuevos.
La película es una invitación a perderle miedo a las emociones genuinas, a las certezas absolutas y nos dice en el amor donde no siempre todo lo hablado es lo correcto, este amor sin palabras es prueba de ello, un relato valiente, genuino y desprejuiciado que debes dejarte llevar para disfrutarlo.
El film obtuvo importantes premios en el festival de Cine Venecia, los recientes Globos de Oro y ahora las nominaciones a la academia, que tal vez parezcan un poco exageradas a algunos, pero los subtextos al amor entre los humanos, la tolerancia, la maldad y por sobre todo un amor profundo al cine que la podrían catapultar como una sorpresa en los próximos galardones que se entregan en marzo en los cuales está incluido mejor película y actriz protagónica, entre otros.

“Tres anuncios para un crimen” es una película llena de valor que entra en terrenos de lo políticamente incorrecto y cuenta con grandes actuaciones que le valieron dos premios Oscar y esta soportada por un ingenioso guión que merecía más.

Debo admitir que mi favorita para ganar el Oscar este año es precisamente esta película por su ingenioso guión, las tremendas interpretaciones de un grupo de actores experimentados y por sobre todo por su humor negro y las convicciones con el cual está estructurada esta historia que podría ser más cercana de lo que creemos. Me hizo recordar un crimen de una adolecente que ocurrió en el barrio sur de Talca hace años donde no hubo culpables y sigue allí como testigo esa animita que a diario veo al salir de casa.
En este film vemos como Mildred, una madre recién separada de su esposo idea un plan para reactivar la investigación de su asesinada hija que fue brutalmente agredida sexualmente y quemada. Fue un crimen perfecto, sin rastros de ADN ni sospechosos pero que esta madre idea un plan para poner en la palestra la impunidad con el cual quedo este hecho que destruyó a su familia y lo hace acercándose al publicista local contratando unos carteles camineros con leyendas dirigidas al comisario y policía local que poco y nada hicieron para esclarecer el asesinato que todo el pueblo conoce. Consigue su objetivo de llamar la atención de los medios y de la policía pero los inconvenientes surgen por que el jefe de la policía tiene una grave enfermedad y el otro policía se entretiene torturando a gente de color en vez de desarrollar su trabajo. En definitiva personajes demasiados complejos y poco maqueteados que deambulan por las escasas calles de este pequeño pueblo que tal como en un western todo ocurre dentro de ellas con duelos que van y vienen detonados por la acción de Mildred que usa permanente un overol haciendo un símil al traje de una guerrera.
Frances McDormand, encarnando a esta sufrida pero decidida madre, obtuvo la el Globo de Oro y el Oscar merecidamente por la tremenda actuación que nos entrega, con su aplomo a veces empatizas con ella en su loable causa en la búsqueda de la justicia pero el camino de la violencia y el desarrollo de acciones políticamente incorrectas a veces hace que te replantees tu apoyo cambiándote a veces de tendencia. Pero eso es lo grato del film, te lleva también a mirar tus convicciones acorde a temas transversales como lo son justicia y la convivencia familiar. A todas luces una madre pidiendo justicia para su hija es un tema más cercano de los que creemos, se va en picada con los sistemas judiciales de occidente donde muchos casos de familias humildes quedan sin resolverse y desde ese prisma la película funciona en un espectro amplio.
Tener entre los personajes a un enano, un policía racista, un enfermo terminal, una madre herida, un chico que sufre bullyng, un esposo que gusta de adolescentes, hace que estos personajes de carne y hueso los disfrutes con todas sus imperfecciones y posibilidades de redención. Un guion milimétricamente ideado por el director y guionista Martin McDonagh quien es muy ligado al teatro y que obtuvo el reconocimiento mundial con esta cinta.
Frances McDormand, que ya tenía el Oscar por su actuación en Fargo, te lleva a todas las emociones y registros posibles. Te ríes con ella, te emocionas e incluso por momento puedes quedar perplejo ante tanta verdad que describe, incluso cuando critica al cura del pueblo como cómplice de abusos de menores. Así como la actuación de Sam Rockwell(Moon), donde ambos tuvieron el privilegio de ganar el Oscar y de ser llamados por el director con personajes escritos para ellos y vaya eso como se nota en pantalla cuando no te imaginas a nadie más en esos roles.
El cartel de cualquier carretera, que es una característica icónica del paisaje de occidente, usados para dar bienvenida a turistas, informar del articulo de moda o un servicio de hotel, esta vez fue utilizado para graficar el sufrimiento de una familia y la injusticia que es lo novedoso en un film lleno de valor y que pide que la justicia llegue a cualquier precio. Si no se llevo el Oscar como mejor película fue solo por algunos detalles de su guión que algunos miembros de la academia pueden haber notado por algunas acciones un poco forzosas que ocurren pero nada más. Disfrútela.